Octubre 2015

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ENCUENTRO CON ALANIS OBOMSAWIN

Extensión

EN TORNO A LA MUESTRA WENU PELON

OCT 2015

Conocida como una de las creadoras de cine indígena más importante del mundo, Alanis Obomsawin, visitará el Museo Arqueológico de Santiago (MAS) en el marco de la muestra permanente, Wenu Pelon/ Portal de Luz, que el curador Francisco Huichaqueo presenta desde el 27 de abril en dicho lugar.

La actividad Kiñe küme trawün Alanis Obomsawin Inchiñ – que en mapuzungun significa Encuentro especial con Alanis Obomsawin-, se desarrollará el jueves 15 de octubre y consistirá en una charla, entre Huichaqueo y la cineasta, donde se conversará sobre su obra y trayectoria como documentalista, la que ha sido reconocida en diversas partes del mundo y que le permitió el ingreso al Playback Canadian Film & Television Hall of Fame.

En la ocasión la ascendente de la nación Abenaki, en Canadá, “impartirá su sabiduría con los artistas mapuche de Santiago”, sostiene el curador. Para eso se exhibirá parte de su material fílmico, que tiene cintas como Hi-Ho Mistahey!, que muestra el escaso finaciamiento para la educación primaria en la comunidad aborigen de Attawapiskat. O Trick or Treaty?, última película de la cineasta que retrata a líderes indígenas en su búsqueda de justicia y en su intento de establecer un diálogo con el gobierno canadiense.

La visita a Chile de Alanis Obomsawin es posible gracias a la Fundación Imagen de Chile y a la invitación especial del Foro de Primeras Naciones del Festival Internacional de Cine de Valdivia para rendirle un homenaje.

En el marco de estas actividades es que Francisco Huichaqueo invitó a la cineasta a visitar Wenu Pelón y a realizar una charla abierta al público local, en las dependencias del Museo Arqueológico de Santiago (MAS), ubicado en Plaza Mulato Gil de Castro, José Victorino Lastarria 307, al interior del Museo de Artes Visuales (MAVI). En dicha ocasión, se presentará también el músico mapuche, Jaime Cuyanao.

La artista.

Alanis Obomsawin (1932), es autora de más de 30 películas acerca del mundo indígena. Su obra es tan reconocida, que fue motivo de un libro sobre su filmografía, llamado Alanis Obomsawin: The Vision of a Native Filmmaker, de Randolph Lewis, publicado por la Universidad de Nebraska.

Entre sus reconocimientos se encuentran: el Governor General’s Award in Visual and Media Arts, el premio a la Dirección Sobresaliente en el Cine y la Televisión (TWIFT) y el de la Asociación de Sociología y Antropología de Canadá (CSAA), entregado por primera vez en la historia a una persona no proveniente del ámbito de la academia. Asimismo, ha presidido el Consejo de Administración de la Vivienda de Mujeres Nativas de Montreal y fue parte del Consejo Asesor de Primeras Naciones de Canadá. También, es miembro vitalicio de la Junta Directiva de la Red de Televisión de los Pueblos Aborígenes, de la Junta Directiva de la Televisión Pública de Vermont y del National Geographic International.

ENCOUNTER WITH ALANIS OBOMSAWIN

AROUND THE SAMPLE WENU PELON

OCT 2015

Known as one of the most important Native filmmakers in the world, Alanis Obomsawin, will visit the Archaeological Museum of Santiago (MAS) in the context of the permanent exhibition, Wenu Pelon / Light Portal, by the curator Francisco Huichaqueo presented since 27 Of April.

The activity Kiñe küme trawün Alanis Obomsawin Inchiñ – which in Mapuzungun means Special Encounter with Alanis Obomsawin – will be held on Thursday, October 15 and will consist on a talk between Huichaqueo and the filmmaker, where they will talk about her work and career as a documentalist, That has been recognized around the world and allowed her the entrance to the Playback Canadian Film and Television Hall of Fame.

On the occasion, the ascendant of the Abenaki nation, in Canada, “will impart her knowledge with the Mapuche artists of Santiago”, affirms the curator. For that will be exhibited part of her film material, such as Hi-Ho Mistahey !, which shows the limited funding for primary education in the native community of Attawapiskat. Or Trick or Treaty ?, her latest film thet portrays native leaders in their quest for justice and in their attempt to establish a dialogue with the Canadian government.

The visit to Chile by Alanis Obomsawin is possible thanks to the Image Foundation of Chile and the special invitation from the Forum of First Nations of the International Film Festival of Valdivia to pay her a tribute.

In the context of these activities, Francisco Huichaqueo invited the filmmaker to visit Wenu Pelón and to give a open talk to the local public, in the Archaeological Museum of Santiago (MAS), located in “Plaza Mulato Gil de Castro”( Mulato Gil de Castro Square), José Victorino Lastarria 307, inside the Museum of Visual Arts (MAVI). On this occasion, the Mapuche musician, Jaime Cuyanao, will also make a presentation.

 

LYNCH (ONE)

Películas

David Lynch

20 de enero de 1946

Missoula-Montana, Estados Unidos.

Se forma cómo estudiante de pintura en 1964, Boston Museum School y 1965, Pennsylvania Academy of fine arts de Filadelfia.

En 1967 compra su primera cámara 16 mm. y hace experimentos visuales ligados a filmar pinturas. En 1970, el concurso de guiones The Grand morder y el corto The alphabet, le permiten matricularse en el American Film Institute de los Ángeles.

En 1971 comienza a filmar Cabeza Borradora que estrena en 1977, en los Ángeles.

¡Todo es enigma!, ¡Todo es atmósfera! , ¡Todo es premonición!

Nos encontramos en el corazón del cine de David Lynch.

De entre los grandes cineastas contemporáneos, David Lynch es el que más se destaca por haber conjugado todas las disciplinas en la construcción de su particular lenguaje cinematográfico. Desde Cabeza borradora, su primer largometraje, su cine  está vinculado a la pintura, la música, la fotografía. Considerado, por la crítica especializada y por sus seguidores, una especie de paradoja viviente debido a la potencia de sus búsquedas y al creativo y personal imaginario que éstas han ido alimentando en sus años de carrera y que como espectadores hemos podido conocer, van desde las manipulaciones, torsiones y  desconcertantes giros en el guión y en la estética visual/sonora de una de sus obras principales y una de las películas importantes para el cine del siglo XXI Mulholland Drive, pasando por la creación de una serie de culto para la televisión, hoy  referente obligado de cualquier serie televisiva, Twin peaks; salas de exposición de la fundación Cartier de París, con sus pinturas, dibujos o vídeo instalaciones, a una película realizada  en formato digital vídeo mini-dv; Inland Empire.

La combinación de este norteamericano profundo, que mira y critica las diferentes  capas  de la sociedad de su país, fascinado con los años 50, pero también muy alerta a las tecnologías y sus influencias en los medios audiovisuales contemporáneos, es un adepto a la meditación trascendental y a la vez atraído por las desviaciones recónditas del alma humana, autor de obras emblemáticas como Terciopelo azul y Carretera perdida; se alimenta con pasión de las contradicciones más profundas de la humanidad y de lo establecido, lo que convierte su obra en un enigma en continuo desciframiento donde confluyen todos los campos artísticos.

Es un artista en el que cada gesto es la manifestación de una soberanía raramente desmentida. Está conectado directamente con su inconsciente, pero también con el de sus espectadores, a los que propone espléndidas inmersiones en apnea a un mundo surreal.

Lynch, para nuestro placer o no, nunca deja de sorprendernos y parece negarse obstinadamente a entregar las llaves de su universo de cajones, ofreciéndonos un apasionado juego de pistas al que a todo aficionado a su obra le gusta entregarse.

 

LYNCH (ONE)

January 20, 1946

Missoula-Montana, United States.

He studies painting in 1964, Boston Museum School and 1965, Pennsylvania Academy of fine arts of Philadelphia.

In 1967 he bought his first camera 16 mm. And makes visual experiments filming paintings. In 1970, the script contest “The Grand Morder” and the short film “The alphabet”, allow him to enter in the American Film Institute of Los Angeles.

In 1971 he begins to film Head Blur that premieres in 1977, in L.A.

Everything is enigma! Everything is atmosphere! Everything is premonition!

We are in the heart of David Lynch’s cinema.

Among the great contemporary filmmakers, David Lynch is the one who stands out most for combining all the disciplines in the construction of his particular cinematic language. Since “eraserhead”, his first feature film, his cinema is linked to painting, music and photography. Considered, by the specialized critics and his followers, a kind of living paradox due to the power of his searches and the creative personal imaginary that these have been increasing during the years of his career and that as spectators we have been able to know, go from the Manipulations, and puzzling twists in the script and visual / sound aesthetics of one of his major works and one of the most important films of the 21st Century Mulholland Drive, through the creation of a cult series for television, Today obligatory reference of any television series, Twin peaks; Exhibitions of the Cartier Foundation of Paris, with his paintings, drawings or video installations, to a film made in digital video mini-dv format; Inland Empire.

The combination of this American, who looks and criticizes the different levels of society in his country, fascinated with the 50s, but also very alert to the technologies and their influences in contemporary audiovisual media, is an adept at transcendental meditation And at the same time attracted by the hidden deviations of the human soul, author of emblematic works like Blue Velvet and Lost Road; he lives with passion the deepest contradictions of humanity and of the established, which turns his work into an enigma in continuous deciphering where all the artistic fields converge.

He is an artist in which each gesture is a manifestation. It is connected directly with his unconscious, but also with the unconscious of spectators, where he proposes splendid dives into a surreal world.

Lynch, for our pleasure or not, never ceases to amaze us and denies to give up the keys of his universe , offering us a passionate game of clues that every fan of his work likes to play.

 

NOSOTRAS… “DE LAS SIN RAZÓN VENIDAS”

en Mavi

Fecha: Octubre – Diciembre, 2017

Para el Museo de Artes Visuales MAVI, el ejercicio de trabajar en conjunto con la Galería Gabriela Mistral, representa la posibilidad de explorar un área de colaboración diferente que amplía su registro expositivo permitiendo desplegar la versatilidad de su colección. Al mismo tiempo, se ha realizado una labor conjunta con la convicción de que los dos lugares de exhibición al unirse, conquistan a un nuevo público, extendiendo su espectro de audiencias, pero por sobre todo esta alianza entrega la posibilidad de ver en funcionamiento la cooperación entre un espacio público y otro privado, situación que potencia ambas colecciones.

A partir de un concurso para curadores convocado por las dos entidades, la exposición NOSOTRAS… de las sin razón venidas,  exhibe obras tanto de la Colección de la Galería Gabriela Mistral, como de la Colección MAVI, que ambicionan contar  la historia del arte chileno desde la mirada femenina.

Uno de los motivos por los que esta propuesta se impuso sobre las otras, fue que las obras tanto de una como de otra colección, funcionaban como un todo, originando nuevas lecturas y destacando su valía.

La ganadora del concurso fue Dermis León cuya exposición se origina en la inquietud provocada en la curadora por la exhibición “Handle with Care” presentada en Santiago en marzo del 2005.

La muestra ahonda principalmente en tres aspectos: el aspecto narrativo, refiriéndose a la forma de construir la narrativa visual,  es decir el lenguaje que identifica ciertas maneras de crear discurso, en el tratamiento de la idea de la memoria y en el posicionamiento de las artistas ante las “corrientes hegemónicas” y estéticas imperantes.

La investigación se centra luego en la selección de obras surgidas entre dos colecciones muy diferentes entre sí,  una  de ellas formada desde la mirada del coleccionismo privado y otra desde la tutela de los gobiernos y el trabajo curatorial a través de los años de la GGM, con la intención de articular un discurso expositivo que se sitúa en el lugar de la experiencia femenina.

La exposición presenta una selección de artistas mujeres presentes en ambas  colecciones  y se subdivide en cuatro secciones o módulos interconectados que son:

– El impulso formal, de construyendo la abstracción

– Crítica a la Pintura

– Memoria Crítica

– Sentido y Sensibilidad

Entre las artistas, observamos a las llamadas históricas como Roser Bru, Matilde Pérez, Gracia Barrios, expuestas junto a Natalia Babarovic, Magdalena Atria, Francisca García y Voluspa Jarpa, entre otras.

 

WE WOMEN… “FROM THE UNREASONABLY COMING”

For MAVI, the exercise of working together with the Gabriela Mistral Gallery represents the possibility of exploring a different field of collaboration that expands its collection allowing to show its versatility and diversity. At the same time, both institutions have worked with the conviction that together they will conquer and summon a new public, expanding their audience, but above all, this alliance provides the possibility of cooperation between public and private spaces, situation that enhances and benefits both collections.

From a curators contest convened by both institutions, the exhibition presents works from both the Gabriela Mistral Gallery Collection and the MAVI Collection, which aims to tell the history of Chilean art from the female point of view.

One of the reasons why this proposal prevailed over others was that the works of one or another collection, worked as a whole, giving rise to new readings and highlighting their value.

The winner of the contest was Dermis León whose exhibition is based on the exposition “Handle with Care” presented in Santiago, March 2005.

The exhibition points to three aspects: the narrative aspect, referring to the way of the visual narrative construction, that is to say the language that identifies certain ways of creating discourse, in the treatment of the idea of memory and in the stance taken by artists before the “dominant movements” and prevailing aesthetics.

The research focuses on the selection of works created by two very different collections, one of them from the private perspective and another from the position of governments and curatorial work through the years of the GGM, With the intention of articulating an expositive discourse that is placed in the female experience.

The exhibition presents a selection of female artists of both collections and it’s subdivided into four sections:

– The formal impulse, constructing the abstraction

– Painting Criticism

– Critical Memory

– Sense and Sensibility

Among the artists, we can see historical artists such as Roser Bru, Matilde Pérez, Gracia Barrios, exhibited together with Natalia Babarovic, Magdalena Atria, Francisca García and Voluspa Jarpa, among others.

 

HOMO VIATOR

Exposiciones

DE EUGENIO TÉLLEZ

OCT – DIC 2015

“Estas pinturas son bitácoras de viajes que cruzan y traspasan el lugar de origen o el destino. Más bien, se movilizan en una infinita trayectoria de rumbos contradictorios, incómodos e irreparables, como los desenlaces negros e impredecibles de la vida”, sentencia la investigadora Soledad García, acerca del trabajo que desde el 9 de octubre se podrá ver en el Museo de Artes Visuales, MAVI.

En la muestra el artista transmite su visión de mundo a través de estrategias pictóricas y  experimentaciones plásticas. Es el caso de su serie Batallas, donde toma el devenir humano y los procesos colonizadores. Además de realizar una suerte de visión radiográfica, en la que asocia mapas cartográficos con descripciones anatómicas del cuerpo humano.

En la exposición, Téllez reflexiona sobre la identidad cultural de diversas partes del mundo y de personajes míticos de diversas culturas, centrándose en el reconocimiento de poetas y escritores que se despliegan en sus pinturas. Asimismo, se observan tiempos y espacios dispares donde cohabitan sacrificios ancestrales, guerreros desnudos con misiles transcontinentales y aviones supersónicos con dibujos de tira cómica o citas de la historia del arte.

“Téllez compone un bestiario de muertes. Algunas trágicas y repentinas, otras voluntarias y arrojadas. Muertes aferradas al deseo imposible de desaparecer, asociadas al afán de mantener la identidad irreconocible en vida. Estas pinturas visten la actitud del otro para ceder y sobrepasar el viaje de uno. Un trayecto que tal vez sólo es posible recomponiendo un cierto lugar origen y sobre todo, el destino”, finaliza García.

El artista.

Eugenio Téllez nació en Santiago en 1939. Estudió en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Chile y desde 1960 trabajó con Stanley William Hayter, uno de los grabadores británicos más importantes del siglo XX y, también, con el artista Marcel Duchamp. Se ha desempeñado como profesor en la Universidad de Illinois y en la Escuela de Pintura y Escultura Skowhegan, ambas de Estados Unidos, además de la Escuela de Bellas Artes en la Universidad de York en Canadá.

El artista tiene la característica de trabajar varias telas al mismo tiempo. Entre sus técnicas usa pigmentos al agua que combina con óleo al manchar la tela y luego poner capas sucesivas de este producto, lo que le permite hacer incisiones en la superficie para que aparezcan los colores subyacentes. Ha incursionado en el video y la acción de arte y en las obras del último período, ha hecho series de pinturas en las que vincula los acontecimientos históricos con obras de gran formato y con títulos como Santa Fe, El entierro de Luciano, Isidore Ducasse.

Ha sido distinguido con el Premio de Grabado de la Bienal de París, Francia; de la Bienal de Latinoamérica de la Casa de Las Américas en Cuba; y el reconocimiento de la Crítica de Chile, entre otros.

 

HOMO VIATOR

BY EUGENIO TÉLLEZ

OCT – DIC 2015

“These paintings are a travelogue that goes beyond the place of origin or the destination. These paintings move in an infinite trajectory of contradictory directions, uncomfortable and irreparable as the dark and unpredictable endings in life”, said the researcher, Soledad Garcia, about the exhibition we will be able to see from the 9 of October in Museum of Visual Arts, MAVI.

In this piece of work, the artist transmits his vision of the world through pictorial strategies and plastic experimentations. For example, in his battle series he explains the human evolution and the colonial process. Besides, making kind of a radiographic vision in which he associates cartographic maps with anatomic descriptions of the human body.

In the exhibition, Téllez reflects on the cultural identity of different parts of the world and mythical figures of different cultures, focusing on the recognition of poets and writers you can see on his paintings. Additionally, you can observe different time and spaces where ancestral sacrifices, naked warriors with transcontinental missiles and supersonic planes with comic strip drawings or art history quotes cohabitate.

Téllez forms a death bestiary. Some of these deaths are sudden and tragic and others brave and voluntary. Deaths stubborn to the impossible desire of disappearing associated to the eagerness of maintaining their identity unrecognizable while living. This paintings use the other’s attitude to transfer and overtake the journey of one. A trajectory that is only possible repairing a place of origin and above everything, the destination” said García.

The artist

Eugenio Tellez was born in Santiago in 1939. He studied in the School of Fine Arts of Universidad de Chile university and since 1960 he worked with Stanley William Hayter, one of the most important print makers of Britain in the XX Century, also with other artist called Marcel Duchamp. He has been a teacher in the University of Illinois and in the school of paintings and sculptures Skowhegan, both in the United States besides the School of Fine Arts at the University of York in Canada.

This artist has the characteristic of working with several canvases. Among his technics he uses water-based pigments which he mixes with oil painting when he paints and then he puts lots of layers of it to make underlying colors appear.

He has dabbled in video and action art and in the pieces of work of the last period, he has made a series of paintings where he links historical events with large-format works with titles such as SantaFe/ Holy faith, El entierro de Luciano/ The burial of Luciano, Isidore Ducasse.

He has been honored with the Engraving Award in the Biennial of Paris, France; the Biennial of Latin America in la Casa de Las Américas in Cuba and, the honor of the critics of Chile among others.