Marzo 2016

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LA ISLA DE BERGMAN

Películas

LA ISLA DE BERGMAN

Documental 2004

80 min. aprox.

Bergman genio solitario decidido a pasar sus últimos años retirado en una pequeña isla del mar Báltico; la isla de faro. Accede a sus 86 años por primera vez a que una veterana realizadora de la cadena pública de televisión sueca SVT 1, se entrometiera en su intimidad para hablar con él sobre cómo se convirtió en un director influyente y también, entre muchas cosas de cómo el teatro  fue para él una afición que no pudo abandonar jamás. La isla de Faro, el escenario escogido por el cineasta para recluirse tiene un protagonismo absoluto.

 Ingmar Bergman

Nació en Uppsala, Suecia, en 1918, y murió en la isla sueca de Faro en julio del 2007. Hijo de un pastor protestante, su educación religiosa se manifestara a lo largo de su obra. Estudia en Estocolmo, licenciándose en letras e Historia del Arte en la universidad de dicha Capital. Ingresa como ayudante de dirección al Teatro de la Ópera Real de Estocolmo, iniciando una carrera teatral en la que llegara a destacar poniendo en escena obras de Shakespeare, Strindberg, Brecht, O’ Neill, Miller, Ionesco, Valle- Inclán. En 1944 participa en su primera experiencia cinematográfica como guionista  del Filme Alf Sjoberg. En 1945 dirige su primera película: Crisis. A partir  de entonces y durante 40 años creo una vasta obra fílmica que comprende más de 40 largometrajes, incluyendo algunas realizaciones para la televisión , obras cuya importancia e influencia son muy importantes para muchos cineastas hasta la actualidad, sin duda Bergman es uno de los grandes realizadores de la historia del cine.

Podríamos destacar dos momentos que de alguna manera reúnen búsquedas e intereses que irán construyendo lo que podríamos llamar: “el sello Bergman”, durante los años 50 un primer periodo de esplendor con obras notables como: Un verano con Mónica, La noche de los forasteros, Sonrisas de una noche de verano, El séptimo sello, Fresas Salvajes.

Las preocupaciones religiosas y metafísicas del arte de Bergman llegan a una culminación con la llamada trilogía de los años 60; A través de un lente oscuro, Luz de invierno, El silencio. En estos filmes se acentúa la austeridad y precisión de su estilo, rasgos que se prolongan en piezas magistrales como Persona, Vergüenza, La pasión de Ana. En estos trabajos puede apreciarse la coherencia y profundidad de su visión de mundo, centrada en temas profundamente arraigados en la tradición de la cultura nórdica: la duda religiosa, la dificultad de la convivencia humana, la relación de la pareja, la soledad, el amor y la muerte. Importante nos parece señalar que el director de cine sueco, constantemente está dialogando con su labor como director de teatro y ópera, trabajando con dramaturgos y haciendo el las adaptaciones de la obras que monta, trabajando con actores y con directores de orquesta y músicos, ese es el universo en el campo que rodea y nutre el imaginario Bergmaniano. Cabe destacar en el campo de la creación literaria: sus memorias: Linterna mágica, diarios de rodaje: Imágenes, novelas: Las mejores intenciones y Niños de domingo.

“Mi pieza comienza con el actor que baja al patio de butacas y estrangula a un crítico, y lee en voz alta, de un pequeño cuaderno negro, todas las humillaciones sufridas que ha anotado. Luego vomita sobre el público. Después de lo cual, se va y se pega un tiro en la frente”.

Ingmar Bergman. Diario de trabajo, 19 de junio de 1964.

 Extractos del diario de rodaje Imágenes.

Sobre su vida, sobre hacer cine, sobre la condición del artista y el arte.

… “Me di cuenta, firme y brutalmente, de que había concebido la mayoría de las películas en las entrañas del alma, corazón, cerebro, nervios, órganos genitales y sobre todo en las tripas. Un deseo que no tiene nombre alguno las saco a la luz. Un placer que se puede llamar: la alegría del artesano, las ha materializado en el mundo de los sentidos.”

“Las mañanas son los más difícil, nunca me despierto más tarde de las 4/30- las tripas se me vuelven del revés. Al mismo tiempo la angustia hace estragos con su soplete. No sé qué clase de angustia es, es indescriptible. Quizás tenga miedo de no ser lo bastante bueno.”

“La abrumadora ventaja y desventaja de ser director es que uno, no tiene a nadie a quien echarle la culpa. Casi todo el mundo tiene algo o alguien a quien echarle la culpa. Los directores no.”

“Pero, sinceramente hablando, estoy empezando a llegar a la edad en la que el dinero no tiene ninguna importancia. Ahora estoy solo, después de haber dejado atrás numerosos matrimonios. Me costaron mis buenos cuartos. Tengo muchos hijos a los que conozco superficialmente o nada. Mis fracasos humanos son notables. Por eso me esfuerzo por ser un “entretenedor”. Al mismo tiempo quiero mencionar que no soy un artista que improvise. Preparo mis números con extrema minuciosidad, casi con pedantería. Durante el tiempo que he estado en la isla después del naufragio he anotado numerosas ideas que espero poder elaborar cuando vuelva a mi estudio.”

“Casi toda nuestra educación estuvo basada en conceptos como pecado, confesión, castigo, perdón y misericordia, factores concretos en las relaciones entre padres e hijos. Y con Dios. Había en ello una lógica interna que nosotros aceptábamos y creíamos comprender. Este hecho contribuyó posiblemente a nuestra pasiva aceptación del nazismo. Nunca habíamos oído hablar de libertad y no teníamos ni la más remota idea de a qué sabía. Los castigos eran algo completamente natural, algo que jamás se cuestionaba. A veces eran rápidos y sencillos como bofetadas o azotes en el culo, pero también podían adoptar formas muy sofisticadas, perfeccionadas a lo largo de generaciones.

 La creación artística, las artes  y el artista.

“En mi la creación artística se ha manifestado como hambre. He constatado esta necesidad con serena satisfacción, pero en toda mi vida consciente me he preguntado por qué ha surgido esta hambre y ha reclamado satisfacción insistentemente. Ahora, en los últimos años, cuando ha empezado a debilitarse, siento que es importante tratar de encontrar la razón de mi actividad.

Un recuerdo de muy temprano de mi infancia es mi necesidad de exhibir mis habilidades: mi disposición para el dibujo, el arte de golpear una pelota contra una pared, las primeras brazadas. Recuerdo que tenía una fuerte necesidad de fijar la atención  de los mayores en estas manifestaciones de mi presencia en el mundo de los sentidos. Nunca me parecía que mis prójimos me prestaban suficiente interés. Cuando en realidad ya no me bastaba, empezaba a fantasear y entretenía a mis coetáneos con mis hazañas secretas. Eran mentiras embarazosas, que inevitablemente se rompían ante el sobrio escepticismo de mi entorno. Finalmente me aparté de la comunidad y guarde mi mundo onírico para mí. Un niño que buscaba contacto se había transformado con bastante rapidez en un soñador herido y astuto.

Pero un soñador no es un soñador más que en sus sueños.

Es bastante lógico que la cinematografía  se convirtiera en mi medio de expresión. Era un modo de que me entendieran  en un idioma que dejaba a un lado la palabra. Que me faltaba la música, que no dominaba, la pintura, que me dejaba indiferente. De repente tenía la posibilidad de relacionarme con el mundo en un idioma que literalmente habla de alma a alma en giros que, de una, manera casi voluptuosa, sustraen al control del intelecto.

Con él hambre retenida del niño me abalancé sobre mi medio de expresión  y durante veinte años he transmitido, incansablemente y con una especie de furia, sueños, vivencias, fantasías, ataques de locura, neurosis, conflictos se fe y puras mentiras. Mi hambre ha sido constantemente nueva. Dinero, fama y éxito han sido consecuencias sorprendentes, aunque en el fondo sin importancia, de mis correrías. Con lo dicho no subestimo lo que haya podido llevar a cabo. El arte como autosatisfacción puede, evidentemente, tener su importancia – sobretodo par el artista.

Literatura, pintura, música,  cine y teatro se procrean y se dan a luz a sí mismos. Surgen y se aniquilan nuevas mutaciones, nuevas combinaciones, el movimiento visto desde fuera parece nerviosamente vital – no es más que el extraordinario afán de los artistas por proyectar, para sí mismo y para un público cada vez más distraído, la imagen de un mundo que ya no se preocupa de sus gustos o sus ideas. En unas pocas reservas los artistas son castigados, el arte es considerado peligroso y digno de ser reprimido o dirigido. Sin embrago en líneas generales el arte es libre, desvergonzado, irresponsable, y, como ya he dicho el movimiento es intenso, casi febril, parece, creo, una piel de serpiente llena de hormigas. La serpiente lleva mucho tiempo muerta, devorada, desposeída de su veneno, pero la piel se mueve, llena de vida bullente.

Espero -estoy convencido de ello- que otros tengan una opinión supuestamente más objetiva y equilibrada. Si ahora saco a colación toda esta miseria y a pesar de ello afirmó que quiero seguir haciendo arte es porque hay una razón muy sencilla.( Prescindo de lo puramente material).

La razón es la curiosidad. Una insoportable curiosidad, ilimitada, jamás calmada, constantemente renovada, que puja hacia adelante, que nunca me da descanso, que sustituye por completo el hambre de comunidad de tiempos pasados.

“Me siento como un preso que después de muchos años de cárcel, de pronto, aparece tambaleándose en medio del estrépito y los alaridos de la vida. Se apodera de mí una indomable curiosidad. Anotó, observó, ando con los ojos bien abiertos, todo es irreal, fantástico, aterrorizador, o ridículo. Capturo  una mota de polvo en el aire, quizás sea una película, -¿qué importancia tiene eso?: ninguna, pero yo lo encuentro interesante, por tanto afirmo que esto es una película. Me paseo con mi objeto, que es solo mío, capturado con mis propias manos, estoy alegre o melancólicamente ocupado. Ando a empujones con las otras hormigas, realizamos un trabajo colosal. La piel de serpiente se mueve. Esto  y solo esto es mi verdad. No pido que sea verdad para otra persona, lo cual como consuelo para la eternidad naturalmente es muy poca cosa pero como base de una actividad artística par los años venideros es completamente suficiente, por lo menos para mí.

“El ser artista por su propio bien no siempre es muy agradable. Pero tiene una extraordinaria ventaja: el artista comparte sus circunstancias con cada ser viviente, que también existe únicamente por su bien. El conjunto será probablemente una cofradía bastante grande, que de esta manera existe formando una comunidad egoísta en la cálida y sucia tierra bajo un cielo frío y vacío”.

 

 

THE BERGMAN ISLAND

2004/ documentary film

80 minutes approx.

Bergman solitary genius decided to spend his last years retired on a small island of the Baltic Sea; The lighthouse island. At his 86 years he agrees, for the first time, to meet with an experienced director of the Swedish public television network SVT 1, to talk about how he became an influential director and also among many things how theater was a hobby that he could never leave. The lighthouse island, chosen stage by the filmmaker to retire, has an absolute protagonism.

Ingmar Bergman

He was born in Uppsala, Sweden, in 1918, and died on the Swedish lighthouse island in July 2007. He is the son of a Protestant pastor, his religious education is manifested throughout his work. He studied in Stockholm, graduating in letters and History of Art at the university of that city. He entered as an assistant director at the Royal Opera House in Stockholm, starting a theater career in which he came to prominence by staging works by Shakespeare, Strindberg, Brecht, O ‘Neill, Miller, Ionesco, Valle-Inclán. In 1944 he participates in his first cinematographic experience like scriptwriter of the Film Alf Sjoberg. In 1945 he directed his first film: Crisis. From then and for 40 years he created a vast film work composed by more than 40 feature films, including some television productions, works whose importance and influence are very significant for many filmmakers until today, definitely Bergman is one of the great filmmakers of the history of cinema.

We could highlight two moments that somehow bring together searches and interests that will build what we could call “the Bergman brand”, during the 50s a first period of splendor with remarkable works such as: Summer with Monica, The night of the outsiders , Smiles of a summer night, The Seventh Seal, Wild Strawberries.

The religious and metaphysical concerns of Bergman’s art reach a culmination with the so-called trilogy of the 60’s; Through a Glass Darkly, Winter Light, The Silence. In these films the austerity and precision of his style are emphasized,traits that extend in masterpieces such as Persona, Shame, the passion of Anna. In these works we can see the coherence and depth of his worldview, centered on Nordic culture tradition: religious doubt, the difficulty of human coexistence, the relationship of the couple, loneliness, love and death. It is important to note that the Swedish film director is constantly in dialogue with his work as a theater and opera director, working with writers and adapting the works he creates, working with actors, orchestra directors and musicians. That is the universe in the field that surrounds and nourishes the Bergmanian imaginary. It should be noted in the field of literary creation: his memoirs: The Magic lantern, filming journals: Images, novels: Best intentions and Sunday’s Children.

“My work begins with the actor who goes down to the theater stalls and strangles a critic, and reads out loud, from a small black notebook, all the humiliations he has suffered. Then vomits on the audience. After which, he leaves and shoots himself in the forehead. “

Ingmar Bergman. Journal of work, June 19, 1964.

From the filming journal “Images”.

About his life, about making movies, about the condition of the artist and the art.

… “I realized, firmly and brutally, that I had conceived the majority of the films from the depths of the soul, heart, brain, nerves, genital organs and especially from the guts. A desire that has no name at all, i bring them to light. A pleasure that can be called: the joy of the craftsman, has materialized in the world of the senses. “

“Mornings are the hardest, I never wake up later than 4 / 30- the guts turn me upside down. At the same time the anguish rages with its blowtorch. I do not know what kind of anguish it is, it’s indescribable. Maybe I’m afraid of not being good enough. “

“The overwhelming advantage and disadvantage of being a director is that you have no one to blame. Almost everyone has something or someone to blame. The directors do not. “

“But frankly speaking, I’m starting to reach the age where money is not important. Now I am alone, after leaving behind many marriages. They cost me my good rooms. I have many children that I know superficially or nothing. My human failures are remarkable. That’s why I strive to be an “entertainer”. At the same time I want to mention that I am not an improvising artist. I prepare my numbers with extreme thoroughness, almost with pedantry. During the time I have been on the island after the shipwreck I have written down numerous ideas that I hope to be able to elaborate when I return to my study. “

“Almost all our education was based on concepts such as sin, confession, punishment, forgiveness and mercy, concrete factors in the relationships between parents and children. And with God. There was an inner logic in it that we accepted and believed we understood. This fact possibly contributed to our passive acceptance of Nazism. We had never heard of freedom, and we didn’t have the slightest idea of what it tasted like. The punishments were something completely natural, something that was never questioned. Sometimes they were quick and simple like slapping or spanking in the ass, but they could also adopt very sophisticated forms, perfected over generations.

Artistic creation, the arts and the artist.

“In me the artistic creation has manifested itself as hunger. I have observed this need with serene satisfaction, but in all my conscious life I have wondered why this hunger
has demanded satisfaction insistently. Now, in recent years, when it has begun to weaken, I feel it is important to try to find the reason of my activity.

A very early memory of my childhood is my need to exhibit my skills: my willingness to draw, the art of hitting a ball against a wall. I remember that I had a strong need to call the attention of adults in these manifestations of my presence in the world of the senses. It never seemed to me that they lent me enough attention. When it really was not enough for me, I began to fantasize and entertained them with my secret feats. They were embarrassing lies, which inevitably broke with the sober skepticism of my surroundings. Finally I left the community and saved my dream world for me. A child who sought contact had been quickly transformed into a wounded and astute dreamer.

But a dreamer is not a dreamer more than in his dreams.

It is quite logical that cinematography became my means of expression. It was a way of being understood in a language that set the word aside. That I lacked the music, which did not dominate, the painting, which left me indifferent. Suddenly I had the possibility of relating to the world in a language that literally speaks from soul to soul
in turns that, in an almost voluptuous way, it controls the intellect.

With the hunger retained from the child I jumped on my way of expression and for twenty years I have transmitted, nonstop and with a kind of fury, dreams, experiences, fantasies, attacks of madness, neurosis, conflicts, faith and pure lies. My hunger has been constantly new. Money, fame and success have been surprising consequences, unimportant in the end, of my incursions. With that said, I do not underestimate what I have been able to do. Art as self-satisfaction may, of course, have its importance – especially for the artist.

Literature, painting, music, film and theater procreate and give birth to themselves. New mutations, new combinations,the movement from the outside seems nervously vital – it is nothing more than the extraordinary eagerness of artists to project, for themselves and for an increasingly distracted audience, the image of a world that no longer cares about their tastes or their ideas. In a few places artists are punished, art is considered dangerous and worthy of being repressed. However, in general the art is free, shameless, irresponsible, and, as I said the movement is intense, almost feverish, it seems, I think, like a snake skin full of ants. The snake has long been dead, devoured and without poisson, but the skin moves, full of boiling life.

I hope – I am convinced – that others have a supposedly more objective and balanced opinion. If I now bring up all this misery and despite it I want to continue making art is because there is a very simple reason. (I detach myself from the purely material).

The reason is curiosity. An unbearable curiosity, unlimited, never calm, constantly renewed, striving forward, never giving me rest, which completely replaces the hunger of past times.

“I feel like a prisoner who, after many years in jail, suddenly appears staggering in the midst of the din and the screams of life. An indomitable curiosity comes over me. I noted, watched, walked with eyes wide open, everything is unreal, fantastic, terrifying, or ridiculous. I catch a speck of dust in the air, maybe it’s a movie, does that matter ?: no, but I find it interesting, so I say this is a movie. I walk with my object, which is mine alone, captured with my own hands, I am happy or melancholically busy. I’m pushing with the other ants, we do a colossal job. Snake skin moves. This and only this is my truth. I do not ask it to be true for another person, which as a consolation for eternity is of course very little, but as the basis of an artistic activity for the years to come it is completely sufficient, at least for me.

“Being an artist for my own good is not always very enjoyable. But it has an extraordinary advantage: the artist shares his circumstances with every living being, who also exists only for his sake. The whole will probably be a large confraternity, which in this way exists as a selfish community in the warm and dirty land under a cold and empty sky. “

 

THE COOK, THE THIEF, HIS WIFE & HER LOVER

Películas

THE COOK, THE THIEF, HIS WIFE & HER LOVER

1989

Dirección: Peter Greenaway

Guión: Peter Greenaway

 

 

THE COOK, THE THIEF, HIS WIFE & HER LOVER

1989

Director: Peter Greenaway

Script: Peter Greenaway

 

EL VIENTRE DEL ARQUITECTO

Películas

THE BELLY OF AN ARQUITECT / 1997

Dirección: Peter Greenaway

Guión: Peter Greenaway

“La arquitectura construida por el hombre es la carne visible de una ciudad”.

Cuando nos paramos frente a una obra de arquitectura, no estamos viendo una “cosa”, estamos contemplando la resulta de la dedicación de muchos antepasados.

El vientre de un arquitecto comienza con Krarckclite, el protagonista llegando al orgasmo mientras entra en tierras italianas. Esa misma noche preside la una agrupación de la exposición De Boullee que dirige. Una serie de eventos desafortunados de distintas índoles, incluido un desliz de su esposa con uno de sus socios, hace que todo comience  a ir  cuesta abajo para Kracklite.  La serie de situaciones le provoca un agudo dolor en el vientre al que se hace referencia en el título.

Dolor artístico-existencial, llevarle peso del arte en las venas y sufrir con él, como el mismo dice a veces, es redondo, otras veces se siente como un cubo. La mayoría se siente como una pirámide egipcia. Este marco de declive le sirve a Peter Greenaway para criticar infraestructuras anti-ideológicas que sustentan un arte siempre ideológico, la instigada codicia fruto del capitalismo y como unos trepadores sin talento se llevan la fama y el reconocimiento que corresponde a otros, mientras estos observan su obra en desesperado anonimato.

Así como las preocupaciones temáticas y de fondo existen, la columna vertebral de su cine sigue siendo la estética. Greenaway no puede dejar de lado sus preocupaciones estéticas, dejaría de ser él. La idea de trabajar con cuadros en movimiento es llevada a su máxima,  fina y meticulosa construcción, además no son cualquier cuadro, pintores cómo: De Chirico, Rembrandt, Vermeer, entre otros, la composición con ánimo pictórico de los planos está bendecida, no el mágico barniz de lo atemporal, los encuadres simétricos y perfectos de enclaves romanos despiertan el sentido del asombro, los reflejos del agua nos sumergen en la melancolía y la iluminación usando diferentes colores aportan un lúgubre misticismo y riqueza simbólica a un buen número de escenas. Por otro lado está uno de los personajes preferidos de Greenaway; la música, esta vez no aportada por su colaborador habitual Michel Nyman, sino por el músico Wim Mertens y Gleen Branca, que en unión con las imágenes logra momentos de trascendente emotividad.

El vientre del arquitecto es ante todo cine vivo y abierto, de ese que tanto escasea y aunque la trama pueda no resultar lo suficientemente  precisa (no necesita serlo) es difícil ignorar los puntos más altos de esta construcción; las imágenes;  en la idea de repasar visualmente no solo Roma sino mucho del legado de Italia como foco cultural para la historia del arte universal, la música, la actuación de Brian Dennehy, la desazón del artista verdadero atrapado en un mundo mercantilista, el miedo paternal o la odisea del descubrimiento personal y proyectarte a ti mismo en la ficción, esa es una ventana que el arte siempre debe dejar abierta.

 

THE BELLY OF AN ARQUITECT

1997

Director: Peter Greenaway

Script: Peter Greenaway

“The architecture built by man is the visible flesh of a city”.

When we stand in front of a work of architecture, we are not seeing a “thing”, we are contemplating the result of the dedication of many ancestors.

The belly of an architect begins with Krarckclite, the protagonist coming to orgasm while he enters Italian lands. That same night he directed a grouping of the exhibition De Boullee. A series of unfortunate events of different types, including an infidelity of his wife with one of his partners, everything starts to go downhill for Kracklite. This series of situations causes an acute pain in the belly referred to in the title.

Artistic-existential pain, carrying the weight of art in the veins and suffering with it, as he says sometimes, is round, other times it feels like a cube. Most of the time it feels like an Egyptian pyramid. This frame of decline serves Peter Greenaway to criticize anti-ideological infrastructures that support an always ideological art, the greed of capitalism, and as unsophisticated climbers take the fame and recognition that corresponds to others, as they observe their Work in desperate anonymity.

As well as substantive thematic concerns exist, the backbone of his filmmaking remains the aesthetic. Greenaway can not let go of his aesthetic concerns, he would stop being him. The idea of working with pictures in motion is brought to its maximum, fine and meticulous construction, in addition they are not any painting, painters like: De Chirico, Rembrandt, Vermeer, among others, the composition with pictorial mood of the frames is blessed, not The magical varnish of the timeless, the symmetrical and perfect framings of Roman territories wake up the sense of wonder, the reflections of water immerse us in melancholy and enlightenment using different colors bring a gloomy mysticism and symbolic richness to a number of scenes. On the other hand is one of the favorite characters of Greenaway; The music, this time not by his habitual collaborator Michel Nyman, but by the musician Wim Mertens and Gleen Branca, that in union with the images it obtains moments of transcendent emotivity.

The belly of an arquitect is, first and foremost, an alive and open cinema, of which there is so few and although the plot may not be precise enough (it does not need to be), it is difficult to ignore the highest points of this construction; the images; In the idea of visually reviewing not only Rome but much of Italy’s legacy as a cultural focus for the history of universal art, music, the performance of Brian Dennehy, The uneasiness of the true artist trapped in a mercantilist world, paternal fear or Odyssey of personal discovery and projecting yourself into fiction, that’s a window that art should always leave open.

 

LANZAMIENTO CATÁLOGO “PROFUNDO”

Extensión

DE CLAUDIA BITRÁN

MAR 2016

Para concluir su muestra Profundo, la artista Claudia Bitrán, lanzo el catálogo de su trabajo presentado en la muestra en que presenta el trabajo multidisciplinario desarrollado durante el último año y medio, periodo durante el cual ha estado rehaciendo por completo, la película de James Cameron, Titanic (1997).

El remake de Claudia, Titanic, A Deep Emotion, Es una película articulada, dirigida, protagonizada, producida, y editada por la artista, hecha a partir de materiales de desecho y gracias a la actuación de amigos, artistas, y de desconocidos en espacios públicos. Ya ha filmado dos tercios de la película con mínimos recursos económicos y materiales.

 

LAUNCH “DEEP” CATALOG

OF CLAUDIA BITRÁN

MAR 2016

To end with the “Profundo”/ “Deep “exhibition, the artist Claudia Bitrán, launched the catalog of her work presented in the exhibition in which she shows the multidisciplinary labor developed during the last year and a half, period in which she has been remaking the James Cameron film, Titanic (1997).

The remake of Claudia, Titanic, A Deep Emotion, is an articulated film, directed, starred, produced and edited by the artist, made from waste materials and thanks to the performance of friends, artists, and strangers in public spaces. She has already filmed two-thirds of the film with few economic and material resources.

 

CHILE ANCESTRAL

MAS

De norte a sur del Chile actual, los objetos tanto de uso cotidiano como ceremonial, dan cuenta de la vida de hombres y mujeres, que algún día los crearon, usaron y expresaron a través de ellos sus creencias y valores culturales.
Silenciosos y a su vez elocuentes testimonios de textiles, cerámica, líticos, cestería, joyas y tallados en madera, nos hablan del pasado, en un montaje que resalta la estética de las piezas.

Algunos aspectos destacados: la exhibición de una momia de la cultura Chinchorro, cuya práctica mortuoria es anterior en 3.000 años a la de las momias egipcias. El complejo alucinógeno de San Pedro de Atacama, ritual mediante el cual se conectaban hombres y dioses, presente en tabletas de rapé y otros objetos usados por los chamanes.
Los pueblos Aymara, Mapuche, Fueguino y Pascuense, son etnias vivas, descendientes de las culturas originarias, presentes también en el MAS a través de objetos de uso cotidiano que honran la memoria de sus ancestros.

Catálogo “Chile Ancestral”. Disponible en Tienda Museo: El Museo de Arte Precolombino editó el catálogo con la donación realizada por el Museo Arqueológico de Santiago, el cual presenta la historia de la colección y sus piezas.

 

Fecha: 2010 – 2015

ANCESTRAL CHILE

From north to south Chile, both daily and ceremonial objects account for the lives
of the men and women who one day created, used, and expressed through them their cultural beliefs and values.

Silent and at the same time eloquent testimonies of textiles, ceramics, stone, basketwork, jewels and wood carvings, tell us about the past, in a montage that highlights the aesthetics of the objects.

Some highlights: the exhibition of a mummy of Chinchorro culture, whose mortuary practice is 3,000 years earlier than that of Egyptian mummies. The hallucinogenic aspect of San Pedro de Atacama, a ritual by which men and gods were connected, present in snuff tablets and other objects used by the shamans.

The Aymara, Mapuche, Fueguino and Pascuense peoples are living ethnic groups, descendants of the original cultures, also present in the MAS through objects of daily use that honor the memory of their ancestors.

Catalog “Chile Ancestral”. Available in Museum Store: The Museum of Pre-Columbian Art edited the catalog with the donation made by the Santiago Archaeological Museum, which presents the history of the collection and its pieces.