Enero 2018

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VIDEO “EL MUSEO VA A LA ESCUELA”

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DEL FUEGO

Exposiciones

NI TANTO QUE QUEME EL SANTO, NI TAN POCO QUE NO LO ALUMBRE

de BOSCO SODI

MAR – MAY

La exposición del artista mexicano Bosco Sodi, curada por Christian Viveros-Fauné, estará abierta al público desde el 17 de marzo al 6 de mayo en el Museo de Artes Visuales – MAVI.

Las cuatro salas que ocupará tendrán una gran instalación de rocas volcánicas, una pintura de escala monumental en formato “impasto,” con capas de pigmento puro, agua, pegamento y fibras naturales, y diferentes registros de una instalación realizada por el artista en Manhattan, Nueva York.

Guiado por la filosofía Wabi-Sabi, un pensamiento estético japonés que prioriza la autenticidad de la naturaleza y acoge la imperfección, Bosco Sodi emplea materiales rudos y crudos, que a menudo son elementos constitutivos de la naturaleza. Con esto, busca evocar emociones profundas respecto de la creación estética y extender el sentido de la consciencia y la aceptación de la impermanencia. La concepción de las salas del MAVI, en este caso, es reminiscente del jardín japonés Karesansui, cuya característica principal es que se encuentra poblado de esculturas pétreas. Las obras dispuestas en este espacio son extractos del mundo natural alterado y productos de un proceso altamente físico e intentan revelar la belleza a través de sus procesos creativos.

Sodi trae a escena algunas de las formaciones geológicas más antiguas de la tierra y materiales preciosos de antaño, que han sido extraídos de magma volcánico seco del volcán Cerobuco en México y aglutinados por esmalte cerámico de color rojo o dorado. Cada roca ha sido seleccionada por el artista por sus propiedades formales, y sus superficies han sido esmaltadas y luego quemadas con fuego a altas temperaturas por tres días consecutivos. Alterando la textura de la superficie de estas rocas y desplazándolas a un museo, Sodi reflexiona acerca de la percepción humana del valor y la antigüedad y genera una incongruencia en cada pieza: entre emplazamiento y origen, exterior e interior.

Las pinturas monumentales, por otra parte, son hechas a mano y dispuestas de forma horizontal al suelo. Esto responde al interés de Sodi por mantenerse físicamente próximo a la mezcla, producción y aplicación de los materiales, llevándolo a usar sus manos para crear “pinturas-objeto” de corte tridimensional. Otra parte esencial de la manufactura es el medioambiente y el clima, junto con los pigmentos pictóricos. Del mismo modo en que la energía de Sodi reside permanentemente en sus pinturas, el calor del sol las completa, forma grietas y fisuras en el proceso de secado, otorgando la impresión visual de un paisaje natural sublime.

La última sala exhibe piezas de registro del Muro que instaló Sodi en Washington Square Park en septiembre del 2016—un video, fotografías y un ladrillo. En aquella ocasión, el artista construyó un muro de mil seiscientos ladrillos de greda únicos hechos por artesanos locales de Oaxaca y él lo instaló en medio de una plaza de Manhattan. La instalación duró el transcurso de un día, ya que la audiencia derrumbó la obra ante la invitación de Sodi de remover los ladrillos y llevárselos a sus casas. El artista se desprendió del control de la obra reafirmando su preferencia por lo orgánico e impermanente, pero también poniendo en evidencia un punto creativo de importante trascendencia política en el mundo actual: que todo obstáculo puede ser derrumbado por la fuerza colectiva.

 

BOSCO SODI (1970, Ciudad de México). Sodi ha vivido en París, Barcelona y Berlín antes de instalarse en Nueva York. Trabaja en Berlín, Barcelona, México y Nueva York. Crea obras que exploran las áreas en las que la naturaleza y la humanidad se combinan y buscan la belleza implícita en la destrucción.

En sus piezas impera un sentido secular de la espiritualidad a través de lo material, mientras que trascienden sus mismas propiedades materiales a través de una suerte de minimalismo renovado. Como las materias primas varían de lugar a lugar, cada una de las pinturas y esculturas de Bosco Sodi está conectada de forma única al lugar en la que fue creada.

Ha montado exposiciones individuales en importantes museos y galerías de Alemania, Bahamas, Bélgica, Brasil, España, Estados Unidos, Inglaterra, Italia, Japón, México, Portugal y Puerto Rico. Esta es su primera muestra en Chile. Para más información sobre el artista visitar: boscosodi.com

GIVE LIGHT, BUT BURN NOT THE SAINT

By BOSCO SODI

March to May 2018

The exhibition of the Mexican artist Bosco Sodi, curated by Christian Viveros-Fauné, will be open to the public from March 17 to May 6 at the Museum of Visual Arts – MAVI. It is his first exhibition in the country.

The four rooms arranged for the exhibition will have a large installation of volcanic rocks, a monumental scale painting in impasto technique, with layers of pure pigment, water, glue and natural fibers, and different records from an installation by the artist in Manhattan, New York.

Guided by the Wabi-Sabi philosophy, a Japanese aesthetic vision that prioritizes the authenticity of nature and welcomes the imperfection, Bosco Sodi employs rough and crude materials, which are often constitutive elements of nature. With this, he seeks to evoke deep emotions regarding the aesthetic creation, extending the consciousness and the acceptance of impermanence. For this exhibition, MAVI halls/rooms have been designed in the Japanese garden style Karesansui, characterized by its stone structures. The works arranged in this space are extracts from the altered natural world and products of a highly physical process trying to reveal the beauty through its creative processes.

Sodi brings to the scene some of the oldest geological formations of the world and precious materials of yore, which have been extracted from dry volcanic magma of the Cerobuco volcano in Mexico and agglutinated by red or gold ceramic enamel. Each rock has been selected by the artist for its formal properties, and their surfaces have been glazed and then burned with high temperature fire for three consecutive days. Altering the surface texture on these rocks and moving them to a museum, Sodi reflects on the human perception on value and antiquity, generating incongruity in each piece: between placement and origin, exterior and interior.

The monumental paintings, are hand-made and horizontally arranged on the floor. This responds to Sodi’s interest in staying physically close to the mix, production and application of materials, taking his hands to create “object- paintings” in a three-dimensional way. Another essential part of his manufacturing is the environment and climate, together with the pictorial pigments. In the same way that Sodi’s energy is permanently in his paintings, the sun’s heat completes them, creating cracks and fissures in the drying process, granting a visual impression of a sublime natural landscape.

The last room exhibits pieces of the Wall that Sodi installed in Washington Square Park in September 2016 – a video, photographs and a brick. On that occasion, the artist built a wall of one thousand six hundred unique clay bricks made by local craftsmen from Oaxaca and he installed it in the middle of Manhattan’s Washington Square Park. The installation lasted one day, given that the artist invited the audience to remove the bricks and take them to their homes. The artist stepped aside from the control of the work reaffirming his preference for the organic and impermanent, but he also presents in a creative way a current political issue in the world: all obstacles can be dismantled by collective force.

BOSCO SODI (1970, Mexico City). Sodi has lived in Paris, Barcelona and Berlin before settling in New York. He works in Berlin, Barcelona, Mexico and New York. He creates works that explore the areas in which nature and humanity combine, seeking the implicit beauty in destruction.

A secular sense of spirituality prevails in his pieces through the Material/ tangible, while their material properties transcend through a kind of renewed minimalism. Since raw materials vary from place to place, each of the paintings and sculptures is connected in a unique way to the place where it was created.

He has presented individual exhibitions in important museums and galleries of Germany, Bahamas, Belgium, Brazil, Spain, United States, England, Italy, Japan, Mexico, Portugal and Puerto Rico. This is his first exhibition in Chile. For more information about the artist visit: boscosodi.com

Exposición “Del Fuego”

17 de marzo al 6 de mayo 2018. Salas 3 a 6 MAVI

Calle José Victorino Lastarria 307. Martes a domingo, de 11:00 a 19:00 horas

Video sobre la exposición "Del Fuego" de Bosco Sodi. Curada por Christian Viveros-Fauné.

VUELO VERTICAL

Exposiciones

DE PATRICIA VARGAS

MAR – MAY 2018

La artista visual y escultora Patricia Vargas expone la muestra “Vuelo Vertical” en dos salas del MAVI, desde el sábado 17 de marzo hasta el domingo 10 de junio.

Con decenas de dibujos y cuadros creados en técnica mixta, la exposición cuenta con dos partes bien definidas, una sala dedicada a la figura de una “niña que vuela” y la otra sala dedicada a la serie de retratos que hizo de su marido, a quien dibujó hasta sus últimos días de vida.

Patricia Vargas estudió en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Chile donde obtuvo la Licenciatura en Artes con mención en Pintura. Ha sido académica en la misma universidad. En su obra, mezcla diversas técnicas, entre las que se encuentran el dibujo, la fotografía, la pintura y la escultura.

 

La artista cuenta sobre el proceso de obra para la exposición “Vuelo vertical”:

“Desde hace algunos unos años que buscaba una idea para hacer volar un cuerpo, donde la gravedad pudiera desaparecer completamente. Lo pensé primero desde la escultura; pero siempre me topaba con la  pesadez del material. Hasta que en esta búsqueda sobre el volar y la gravedad me topé  con el escultor Español Chillida, que había logrado echar a volar por los aires un tremendo volumen de fierro. Chillida resuelve el problema cuando se encuentra con Santa Teresa y el tema de la levitación. En ausencia de contar con los medios técnicos para resolver desde la escultura tal como hace él, es que me decido por el camino del dibujo, volviendo a la antigua representación del vuelo de los ángeles en la pintura.

De esta manera, a comienzos del año 2012 sentí la necesidad de retomar el dibujo. Fotografié a muchos  que no me sirvieron, hasta que finalmente di con mi modelo, una niña de 4 años muy delgada y extremadamente blanca, figura con la que finalmente resuelvo el tema del vuelo. Simultáneamente a mi trabajo de taller tenía a mi esposo enfermo, que perdía cada día más el habla y por lo mismo se nos dificultaba  la comunicación.  Es por eso que idee otra forma de relacionarme con él, volviendo a lo que sé;  el dibujo. Cada vez que nos viéramos yo lo dibujaría, y decidí que lo dibujaría para siempre. Fueron 4 años de trabajo, hasta su muerte el 14 de marzo de 2016”.

 

Exhibition “Vuelo Veritcal”/ “Vertical Flight”

by Patricia Vargas
The visual artist and sculptor Patricia Vargas exhibits “Vertical Flight” in two rooms of MAVI, from Saturday March 17 to Sunday May 27.

With dozens of drawings and paintings created in mixed media, the exhibition has two well-defined parts, a room dedicated to the figure of a “girl who flies” and the other room dedicated to the series of portraits that she made of her husband, whom she drew until his last days of life.

Patricia Vargas studied at the School of Fine Arts of the University of Chile where she received a Bachelor of Arts degree with a major in Painting. She has been an academic at the same university. In her work, she mixes different techniques, among which are drawing, photograph, painting and sculpture.

The artist talks about the work process for the exhibition “Vertical Flight”:
“For some years now, I was looking for an idea to make a body fly, where gravity could disappear completely. I thought it first from sculpture; but I always came across the heaviness of the material. Until in this search on flying and gravity I came across the Spanish sculptor Chillida, who had managed to blow a tremendous volume of iron through the air. Chillida solves the problem when he meets Santa Teresa and the theme of levitation. In the absence of having the technical means to solve from the sculpture as he does, is that I decide to go on the path of drawing, returning to the old representation of the angels flight in painting.

And so, at the beginning of 2012 I felt the need to return to draw. I photographed many people that did not work for me, until finally I found my model, a very slim and extremely white 4-year-old girl, a figure with whom I finally resolved the theme of the flight. Simultaneously to my work my husband was sick, who lost his ability to speak more and more making communication difficult. That’s why, through drawing, I found a way to connect with him. Every time we saw each other I would draw him, and I decided that I would draw him forever. It was 4 years of work, until his death on March 14, 2016. “

Exposición “Vuelo Vertical”

17 de marzo al 10 de junio 2018. Salas 1 a 2 MAVI

Calle José Victorino Lastarria 307. Martes a domingo, de 11:00 a 19:00 horas

EN BLANCO

Exposiciones, Exposiciones Itinerantes

EXPOSICIÓN COLECTIVA DE LA COLECCIÓN DE ARTE DEL MAVI
ENE – ABR

Desde el 18 de enero al 12 de abril se exhibirá la muestra colectiva “En Blanco” en la Sala de Arte de la Universidad Mayor de Temuco. El tema central de la exhibición es el color blanco, que está presente en todas las obras expuestas, la paleta de colores es el blanco y sus sombras, y grises que van creciendo en la oscuridad hasta el negro.

En distintas épocas y tendencias, diversos artistas han implementado esta supresión de colores para realzar, simbolizar u otorgar un significado específico a sus obras.

El blanco ha simbolizado desde la censura en la edad media, cuando el color era una especie de fruta prohibida por cuestiones religiosas, hasta la pureza reflejada en ciertos atuendos, pasando por los conceptos de neutralidad, de luz, de paz, de absoluto.

En la corriente minimalista, el color blanco o la ausencia de color enfatiza la austeridad y falta de elementos que distraigan sobre lo esencial, logrando que se destaquen texturas, materiales y volúmenes.

“Un sin número de pintores crean a partir del blanco como base sobre la cual ir sumando o restando colores, buscando medida y luminosidad. El blanco otorga a la pintura cierta ligereza y sugiere simplicidad ayudando a la composición dentro de la tela”, señala María Irene Alcalde, curadora del MAVI, quien se ha ocupado personalmente de esta muestra de la Colección del Museo.

A la luz de estas claves los invitamos a revisar esta selección de obras de la colección MAVI, que han logrado un sólido equilibrio mediante la utilización del blanco como color predominante.

Artistas que exponen:
• José Balmes – “Cuerpos”
• Santos Chávez – “El viento de siempre”
• Patricia Israel – “Sin título”
• Francisco De Groote – “Querida Mada
• Eugenio Tellez – “Notas americanas”
• Luis Mandiola – “Sin título”
• Johanna Unzueta – “Tarros de leche”
• Enrique Zamudio – “La piscina escolar” / “Monumento a Bernardo O’higgins”
• Humberto Nilo – “Sin título”
• Félix Lazo – “OAME OE OUTUISIKIO (Era de noche y no amanecía para ellos)
• Valentina Cruz – “Por desgracia para este último la situación era en extremo desfavorable. Medianoche en punto. Serie El Lobo-hombre” / “Salieron juntos del restaurant. Serie El Lobo-hombre”
• Cristian Abelli – “Sin título”
• Carlos Montes de Oca – “Pintura roja, pintura azul, pintura blanca”
• José Pedro Godoy – “De la serie naturaleza”

Exposición “En Blanco”

18 de enero a 12 de abril de 2018

Sala de Arte

Universidad Mayor

Av. Alemania 0281, Temuco

 

Crédito imagen: Jose Pedro Godoy. “De la serie naturaleza”. 1,80 x 3,00 m.

VIDEO RESUMEN MAVI 2017

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GALERÍA DE FOTOS “SESIONES DE ARTE Y RECICLAJE”

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GALERÍA DE FOTOS EXPOSICIÓN ARTE JOVEN 2017

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UNA EXPOSICIÓN DE RADIO ESTACIÓN LOCURA

Exposiciones

Esta exposición colectiva se desarrollará en las salas 1 y 2 del Museo de Artes Visuales MAVI, entre el 3 de febrero y el 11 de marzo. Contará con la participación de tres artistas visuales del Instituto Psiquiátrico Dr. José Horwitz Barak: Jackson Andrade, Óscar Morales y José Reyes. También contará con una selección de los mejores programas de Radio Estación Locura, de grabaciones de Francisco Sanfuentes con los usuarios del REL, una pieza escultórica de Johanna Unzueta y un video de la obra de José Reyes realizado por Marcos Sánchez. Camila Vidal aportó una contextualización de las obras expuestas relacionándolas al concepto de Outsider Art. La curatoría está a cargo de Catalina Quezada y Grace Weinrib.

Se trata de una exposición que nace en el taller de radio, un medio de comunicación establecido por el psicólogo Ernesto Bouey en el mencionado Instituto Psiquiátrico. Él fundó la Radio Estación Locura inspirado en otras radios de Latinoamérica, como Radio La Colifata de Argentina y Radio Diferencia de Valparaíso. Este espacio de independencia y autonomía surgió como una forma de terapia inclusiva y participativa, donde los usuarios del Instituto tienen un espacio para crear y participar de forma libre.

Radio Estación Locura es el marco de la exposición, pues es un espacio en que se habla sobre contingencia, poesía, cine, música, deporte y ciencias. También es un espacio físico donde los usuarios del Instituto tienen sus obras artísticas. En ese contexto: “Oscar Morales comenzó a manifestar su interés en mostrar sus poemas y pinturas a más personas, lo que llevó a crear una precaria, infinita y siempre cambiante exposición con sus trabajos (…) en los pasillos de la Unidad de Psicoterapia del Psiquiátrico”, según el psicólogo Ernesto Bouey.

El año 2014 se unió la artista visual Grace Weinrib al grupo de Radio, quien llegó ahí por su fascinación con la obra de Oscar Morales. “Al ingresar al grupo descubrí un universo complejo, fascinante, crudo e incomprensible entre todos los participantes. Quise formar parte de este mundo honesto y sin censuras y de un día para otro me vi inmersa en él”, sostiene Weinrib. El deseo de compartir las obras de Oscar Morales fuera del Hospital y poner en valor la diversidad expresiva del grupo llevó a un encuentro con Paula Caballería (encargada del área de Educación del MAVI) quién abrió las puertas del Museo.

Así, En conjunto con Ernesto Bouey, Paula Caballería (equipo educación del Museo) y Catalina Quezada (artista visual), quien conocía el trabajo de Oscar Morales y había escuchado Estación Locura, decidieron impulsar el proyecto de la exposición. “En la radio el arte se nos vino encima. Primero con poemas y cuadros de algunos, hasta que nos invadieron unos artistas visuales. Llegaron con sus oídos y sus ojos gigantes y su falta de razón, nos engulleron con su ciencia y nos enamoraron de su hacer” (Ernesto Bouey).

“El sueño de Oscar Morales de exponer sus trabajos fuera del Horwitz se volvió nuestro sueño también; en un momento sentimos con Grace Weinrib la urgencia de exponer su obra, que ambas admiramos. En Radio, me parece que existe un estado de urgencia, en donde se expresa la necesidad de hacer las cosas desde un impulso propio, a contra viento y marea, y esta forma de hacer era muy similar a nuestra forma de trabajar en proyectos anteriores. Esto permitió que nos aventuráramos en la realización de la muestra”, explica Catalina Quezada.

Esta muestra ha sido posible gracias al trabajo colectivo y al compromiso de un equipo transdisciplinar: psicólogos, terapeutas ocupacionales y psiquiatras: Ernesto Bouey, Claudia Barrueto, Daniel Arza, Yolanda Roquer, Karla Espinoza, Katherina Llanos y Lilian San Román; usuarios de Radio: Carlos Morales, Óscar Morales, Sebastián González, Paloma Martínez, José Reyes, Ricardo Gottdiener, Ingrid Martínez, Juan Carlos Herrera, Emiliano Cavieres, Pedro Farías, Eduardo Leiva, Claudio Aránguiz, Moisés Soto, Jackson Andrade y Victoria Arellano; Camila Vidal, licenciada en Estética y museóloga; Francisco Sanfuentes, artista visual y músico colaborador de Radio; Marcos Sánchez, artista visual y cineasta; Esteban Vargas, fotógrafo; y Paula Caballería, directora del Área de Educación del MAVI. Además, esta exposición cuenta con el apoyo de la Sociedad Chilena de Salud Mental.

 

  • El Art Brut es un concepto creado por Jean Dubuffet, para definir a las producciones artísticas profundamente originales, cuyos autores son autodidactas y marginados. Su proceso creativo es espontáneo y proviene directamente del espíritu, a través de un impulso, sin condicionamiento cultural alguno. Los autores de Art Brut crean en secreto, en soledad y en silencio, la mayoría de las veces, sin aspirar a ningún reconocimiento público.
  • A grandes rasgos, el Outsider Art es un concepto acuñado por Roger Cardinal para referirse al Art Brut en el mundo anglosajón. Sin embargo, es un término que ha ido extendiéndose hacia los artistas autodidactas que producen fuera del circuito convencional del arte que revela en la obra un impulso expresivo espiritual que se rebela frente al circuito artístico oficial.
  • En pocas palabras, el Arte Singular es el concepto que la Fundación Inouï ha tomado para abordar en español a todas las producciones artísticas que responden a los principios del Outsider Art.
  • Sala 1 de MAVI, concebida como un área de participación reflexiva, estará destinada directamente al público como un canal de interacción entre los mismos y la muestra.
  • Sala 2 de MAVI, en este espacio se exhibirán los trabajos de los tres artistas pertenecientes a Radio Estación Locura, junto a la exhibición de parte del contenido que generan en la radio.
  • Se evocará directamente el espacio de trabajo de los artistas en el Psiquiátrico José Horwitz, incluyendo elementos representativos de éste. Habrá dibujos en las paredes, un video, y grabaciones de los programas de Radio Estación Locura.

 

Actividades de extensión

El día de la inauguración habrá música en vivo a cargo de Francisco Sanfuentes, quien ha musicalizado poemas de los participantes del Instituto Horwitz de Santiago.

En el marco de esta muestra, se realizará el Seminario “Museo, Arte y Salud: el Museo como espacio de transformación social” el sábado 10 de marzo. Contará con la presencia de Milena Chivato, directora internacional de CECA – ICOM, Ernesto Bouey, de la Escuela de Psicología de la Universidad Católica Silva Henríquez, y Norma Ramírez, artista vinculada directamente con personas con discapacidad psíquica a través de experiencia taller.

También el sábado 3 de marzo se realizará la conferencia de Camila Vidal, licenciada en Estética y master en Museología de la Université de Neuchâtel (Suiza), que se titula: “Las implicancias del Art Brut en el arte actual”. Qué es el Art Brut? Historia de este concepto, proliferación de términos e instituciones alrededor del Art Brut y la situación actual de este arte en el mundo y en Chile, son los temas que abordará en su conferencia.

Durante los días de exhibición se desarrollarán varias visitas guiadas, que serán informadas previamente desde el MAVI.

 

Sobre los artistas

Jackson Andrade (1980)

Jackson Andrade nació el 21 de mayo de 1980 en Santiago de Chile. Vivía con sus padres y su hermana menor.  A los 17 años, fue llevado al Instituto Psiquiátrico José Horwitz donde estuvo internado por más de un año. Luego, Jackson terminó sus estudios secundarios que abarcaban algunas nociones en dibujo técnico. En esa época, participó activamente de los talleres de rehabilitación del Instituto y del taller de Radio Estación Locura. Hoy Jackson vive en un Hogar Protegido y frecuenta un taller donde crean objetos con materiales reciclados.

A los 33 años, Jackson tuvo la idea de: llevar formas geométricas de objetos tomados de la realidad a formas tridimensionales, a través de materiales sencillos como el cartón, que él mismo recolecta. Comenzó con un crucifijo que representaba para él sus creencias religiosas. Luego, continuó su trabajo con naves, en donde desarrolló una técnica propia que él mismo llama “el repliegue”, enfocando su trabajo principalmente en el ejercicio de visualizar distintos objetos de la realidad y trasladarlos a planos de color y geometrías básicas.

En la primera etapa de su producción, Jackson construye un plano a través de un dibujo técnico bidimensional, luego le da forma a la figura con el cartón reciclado y simplifica la paleta cromática con colores negro, rojo o blanco, dando a sus esculturas una simpleza que revela su ejercicio mental y creativo.

 

Oscar Morales Martínez (1951)

Oscar Morales Martínez nació el 14 de junio de 1951 en Copiapó al norte de Chile. Su familia estaba vinculada a la minería, su padre trabajaba como tractorista en la Empresa Nacional de Minería y su madre se dedicaba a cuidar de los seis hijos. A los 17 años, Oscar fue llamado al Servicio Militar que realizó durante 3 años en su ciudad natal y luego finalizó sus estudios secundarios en un liceo nocturno en donde manifestó un vivo interés por la literatura y las artes.

A partir de 1975, Oscar fue llevado en distintas ocasiones al Instituto Psiquiátrico José Horwitz y en 1995 fue internado permanentemente en ese lugar, perdiendo todo contacto con su familia por el tiempo y la distancia.

Oscar vive actualmente en un Hogar Protegido y asiste regularmente al Taller de Radio Estación Locura en el que realiza la sección de poesía.

En el 2012, la reconocida galería de Art Brut Christian Berst en Paris, adquiere un número importante de obras de Oscar, difundiendo su trabajo en Europa. Hoy en día, sus obras se exponen periódicamente en Francia, Portugal y Austria, entre otros países, principalmente en instituciones artísticas consagradas al Art Brut.

La vasta producción de Oscar, revela su ejercicio activo en el dibujo, la pintura y la escritura. Aborda temas variados como recuerdos de su familia y paisajes de su ciudad natal, la importancia de su religión y creencias espirituales, anhelos de trasladarse por el tiempo y el espacio. Además, las fórmulas en su producción revelan su pasión por la ciencia. Oscar se define como inventor, escritor, pintor y poeta del pueblo, una persona que contribuye al perfeccionamiento del mundo. En sus obras se devela su cosmovisión que él define como: “el mundo es una maravilla, un grano de arena dentro del universo. Es el gran milagro de Dios”.

 

José Reyes Toledo (1961)

José Reyes Toledo nació el 24 de marzo de 1961 en la ciudad de Concepción. Cuando tenía dos años se instalaron con su familia en la capital, Santiago, y a los seis años fue llevado a un Hogar de Carabineros donde fue criado hasta su adolescencia.

En 1992 lo trasladaron desde el Hogar, al Instituto Psiquiátrico José Horwitz en donde estuvo internado varios años antes de ser trasladado a un Hogar Protegido donde vive actualmente. José frecuenta el Instituto todos los días y el Taller de Radio Estación Locura cada semana.

Desde los 19 años, cuando estaba solo, pintaba y dibujaba siempre buscando el ideal de genio, científico y creador a través del dibujo y la poesía. Transmite en sus producciones esta exploración, saliendo del plano de lo real, hacia lo sobrenatural.

José busca su inspiración en la ciencia, el arte, la ciencia ficción y los súper héroes. Admira figuras como Einstein, Newton, Picasso y Christopher Reeve en Superman. Proyecta su propia imagen en los personajes superpoderosos en una búsqueda permanente hacia la perfección. Según él, “las personas no envejecen hasta lograrlo todo”.

 

EXPOSICIÓN

Sábado 3 de febrero a domingo 11 de marzo.

Martes a domingo, de 11:00 a 19:00 horas.

MAVI, calle Lastarria 307, Santiago Centro.

 

 

CONFERENCIA

“Las implicancias del Art Brut en el arte actual”

Expositora:

  • Camila Vidal, licenciada en Estética y master en Museología de la Université de Neuchâtel (Suiza).

Sábado 3 de marzo. Horario por definir.

MAVI, calle Lastarria 307, Santiago Centro.

 

 

SEMINARIO 

“Museo, Arte y Salud: el Museo como espacio de transformación social”

Expositores:

  • Milena Chivato, directora internacional de CECA – ICOM.
  • Ernesto Bouey, de la Escuela de Psicología de la Universidad Católica Silva Henríquez.
  • Norma Ramírez, artista vinculada directamente con personas con discapacidad psíquica a través de experiencia taller.

Sábado 10 de marzo. Horario por definir.

MAVI, calle Lastarria 307, Santiago Centro.

 

Imagen: Obra “Corazón” de Oscar Fernando Morales Martínez. 27 x 37,5 cm. 2015.