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El AUTODIDACTA, LA PINTURA COMO UNA CONTRA IMAGEN

Exposiciones

DE ÁLVARO OYARZÚN

OCT – DIC 2018

Esta exposición de Álvaro Oyarzún, estará en el MAVI desde el 27 de octubre hasta el 23 de diciembre. Se fundamenta esencialmente en reafirmar y reconducir la práctica de la pintura como una experiencia de creación dentro de las artes visuales hoy en Chile, proponiendo una mirada crítica que reflexiona sobre lo real de una imagen pintada.

Es un trabajo que halla su fundamento en su propia “praxis”, en cuanto a experimentar e investigar en el propio campo de la pintura, interrogando y problematizando lo “real”, como lugar común que socialmente aúna y convoca.

“El Autodidacta”, que cuenta con la curatoría de Iván Godoy, propone una pintura que explora en el imaginario a través del rememorar. El autodidacta como indagador, experimentador y recolector del mundo visible es la figura de aquel que aprende solo, al descampado. Es el desarrollo y proceder de una particular mirada sobre lo que ocurre en un determinado “real”.

Estas imágenes pintadas identifican primeramente un autor, una figura que ejerce el oficio de la pintura y se declara autodidacta. Este autor posteriormente busca identificar un lugar, un territorio, un paisaje, un contexto que lo contenga y represente; el fragmento del cuerpo de un animal, el piso vacío de un edificio para oficinas, una serie de moluscos marinos, o la visión parcial de una carretera del sur de Chile.  Imágenes que en su diversidad y cantidad, hacen visible lo real de una pintura. La imagen pintada elabora interrogantes respecto de la representación, de la perdida de lo real y su sentido.  Más allá del lugar restrictivo de la imagen espectacular, banal e instantánea que sitúa a la pintura fuera de los discursos artísticos actuales, tal vez, de lo que se trate es de considerar la pintura como una “contra imagen”.

 


 

Álvaro Oyarzún Sardi ha realizado numerosas exposiciones en Chile, Francia, España, Alemania y Estados Unidos, entre otros países. La más reciente fue este año, con una obra in situ, en el marco de la muestra “Hard to Picture. A tribute to Ad Reinhardt”, en el Museo de Arte Moderno de Luxemburgo. Su obra se encuentra en colecciones privadas y museos de Chile, Francia y España. Y además, ha recibido varios premios y fondos, entre ellos el Fondart de Trayectoria Artística 2017, becas en Chile y Francia, además del Premio del Concurso Internacional de Pintura Vitry-sur Seine, de ese mismo país.

 

Logo Ministerio Cultura 1

Proyecto financiado por FONDART, asignación nacional, convocatoria 2017

THE AUTODIDACT, PAINTING AS A MIRROR IMAGE

This exhibition by Álvaro Oyarzún is essentially based on reaffirming and redirecting the practice of painting as a creation experience within the visual arts today in Chile, proposing a critical look that reflects on the reality of a painted image.

It is a work based on its own practice, in terms of experimenting and researching in the painting field, questioning and problematizing the “real”, as a common place that socially unites and summons.

“The Autodidact”, with Iván Godoy as curator, proposes a painting that explores into the imaginary through remembrance. The Autodidact as an inquirer, experimenter and collector of the visible world is the figure of who learns alone, in the open. It is the development and proceed from a different perspective about what happens in a certain “real”.

First these painted images identify an author, A “someone” who performs the art of painting and declares himself as a self-taught person. This author later seeks to identify a place, a territory, a landscape, a context that contains and represents him; the fragment of an animal body, the empty floor of an office building, a series of marine molluscs, or a partial vision of a southern Chilean road. Images that, in their diversity and quantity, make visible the real of a painting. The painted image brings with it questions about the representation, the loss of the real and its meaning. Beyond the restrictive place of the spectacular, banal and instant image, placing the painting outside the current artistic vision, perhaps, it’s about making the painting represent a “mirror image”.

Álvaro Oyarzún Sardi has made several exhibitions in Chile, France, Spain, Germany and the United States, among other countries. The most recent was this year, with a work on site, within the framework of the exhibition “Hard to Picture. A tribute to Ad Reinhardt “, at the Museum of Modern Art in Luxembourg. His work is in private collections and museums of Chile, France and Spain. In addition, he has received several awards and funds, including the Fondart of Artistic Career Path 2017, scholarships in Chile and France, as well as the Vitry-sur Seine International Painting Contest Prize, from that same country.

SEGUIDORES DEL DILUVIO

Exposiciones

DE CRISTÓBAL CEA

SEP – DIC 2018

El proyecto “Seguidores del Diluvio”, de Cristóbal Cea, surgió de una práctica habitual en su labor como artista durante el último tiempo: observar noticias. Observar, no mirar. Reparar en lo que estas imágenes tienen en común. Esta muestra individual se expondrá en la Sala 2 del MAVI, desde el 27 de septiembre al 16 de diciembre.

Durante los últimos tres años, este artista, que obtuvo el primer lugar del Premio MAVI / BHP de Arte Joven Contemporáneo 2016, ha recopilado noticias sobre inundaciones: eventos climáticos cuya recurrencia problematiza la narrativa noticiosa tradicional.

Hoy, gracias a internet y los medios globales de comunicación, resulta más fácil que nunca darse cuenta de que existen inundaciones prácticamente todos los días del año: lo que nos fuerza a preguntarnos por la globalidad de este tipo de eventos y – en un sentido más amplio -, qué es exactamente una catástrofe en una cultura globalizada, y cómo habría de narrarse.

El playlist inabarcable de noticias sobre inundaciones a nivel global compilado a partir del 2015 se confunde con recreaciones digitales. Sus anónimos protagonistas convertidos en fantasmas, el agua devenida en simulaciones, todo compartiendo el espacio de exhibición con pequeños youtubers sedientos de atención y la reconstrucción tridimensional de un niño, el propio artista, intentando recordar lo que era ser prepubescente en Chile a comienzos de los 90. Donde en un extendido momento de transición, confundió como en un torrente la visita del Papa y el Cometa Halley, la llegada de la comida rápida, la dictadura, el plebiscito y la marea de consumo que definió nuestro retorno a la democracia.

Finalmente, “Seguidores del Diluvio” es una muestra que a partir de estas interrogantes propone una reflexión sobre el olvido, la memoria, y la posibilidad de habitar la distancia que existe entre lo subjetivo y fenómenos climáticos y sociales (ambos globales) que parecen reflejarse entre sí.

Cristobal Cea’s project “Flood Followers” project arose from a habit he turned into an artistic practice some years ago: Instead of just watching the news, he began archiving, observing and analysing news, taking time to investigate what all of these images hace in common.

Winner of the 2016 MAVI/BHP Contemporary Art Award, Cea has for years compiled news footage about floods, climatic events whose recurrence put the traditional news narrative in crisis.

Today, thanks to the Internet and global communications, it is easier than ever to notice that floods happen practically every day of the year. It forces us to consider the global nature of these types of events and in a wider sense, forces us to wonder about what constitutes a catastrophe in this new global context and how it should be narrated.

An unfathomable playlist of news about floods compiled since 2015, mixed with digital recreations. Anonymous protagonists turned into ghosts, water transformed into digital simulations, all of this sharing the exhibition space with tiny Youtubers, thirsty for attention. We behold the digital reconstruction of a child (the artist himself) trying to remember what it was like to be a teenager in Chile in the early 1990´s. During an extended moment of transition where he conflated elements like the visit of the Halley comet and the Pope, the arrival of fast food, the dictatorship, the referendum and the flood of consumption that defined our return to democracy.

“Flood Followers” is an exhibition based on these questions, and suggests thinking about memory, oblivion and the possibility of inhabiting the distance that divides subjective experience from climatic and social events, that appear to mirror one another on a global scale.

Fecha: 27 de septiembre a 16 de diciembre 2018

Lugar: MAVI, calle José Victorino Lastarria #307

Metros cercanos: Metro Universidad Católica (línea 1) y Metro Bellas Artes (línea 5).

Imagen: “Joven en Miami” de Cristóbal Cea. Fotograma video con reinterpretaciones en 3D de noticias sobre inundaciones entre 2015 y 2018.

Cristóbal Cea es un artista cuyo trabajo se enfoca en las relaciones entre tecnología y afecto. Obtuvo el primer lugar del Premio MAVI / BHP de Arte Joven Contemporáneo 2016. Actualmente, está desarrollando una serie de proyectos videográficos donde conjuga animación 3D y noticias encontradas, para profundizar en la noción de distancia entre testigo, espectador y evento noticioso. Es profesor de Artes Mediales en la Universidad Católica de Chile y en el Programa de VideoJuegos de la Universidad Andrés Bello. Su trabajo se ha presentado tanto en Chile como Estados Unidos, Holanda, Francia, Bélgica, Austria y China.

Su obra ha sido exhibida en Santiago de Chile mediante exposiciones como “Glorias” (Galería NAC), XIII Bienal de Artes Mediales (Museo Nacional de Bellas Artes), “Agosto 2026” (Galería Concreta), “La Necesidad” (Galería Animal). También en la ciudad de Nueva York a través de muestras y screenings como “YES” (Microscope Gallery), “Ghosts of Transgression” (67 Ludlow), “Up For Debate” (BRIC Arts Media), y en otras ciudades de Estados Unidos como Wisconsin, con “Radical Invention” (John Michael Kohler Arts Center) y Detroit con “Trickle Down Electronics” en Cave Space. Su obra ha estado también en Europa y Asia, en Ars Electronica (Linz, Austria), “Grensgebieden” (CBK Emmen, Holanda) y la 798 Beijing Biennale (Beijing, China), entre otros.

UN HOMBRE QUE CAMINA

Exposiciones

DE ENRIQUE RAMÍREZ

JUL – SEP 2018

Enrique Ramírez presentará el proyecto “Un hombre que camina”, donde mostrará una instalación fílmica elaborada en el Salar de Uyuni, ubicado a 4200 metros de altura en Bolivia. Ocupará las salas 1 y 2 del MAVI entre el 7 de julio y el 16 de septiembre de 2018.

Esta obra se origina en 2009 cuando Pascale Pronnier, curadora del Estudio Nacional de Arte Contemporáneo Le Fresnoy, y Philipphe Massardier, director del Centro de Producción y Difusión de Artes Visuales Lab labanque, lo invitaron a realizar un proyecto para Béthune, como Capital Regional de la Cultura de 2011. Mientras pensaba en esto ocurrió el terremoto del 2010 en Chile. Desde entonces, este artista que vive y trabaja entre Chile y Francia, no ha podido dejar de pensar en la idea del viaje y la muerte.

Un bailarín de la Región de Antofagasta personifica al diablo del altiplano. Ha participado en diversas ceremonias populares y toda su vida ha caminado por la pampa, dejando su huella en parajes desérticos e infinitos. El personaje del diablo nortino nació en la época de la Conquista española y en un comienzo no sólo era la representación cristiana del mal sino que era una sátira del conquistador. A su vez, la diablada representaba la rebeldía del mitayo minero, que disfrazado de diablo exteriorizaba, mediante la danza, la rabia contra sus opresores y su ansia de libertad y lucha.

Luego de un viaje difícil, filmaron a este personaje que camina para no ir a ningún lugar. “Pienso que quería hacer un viaje sin horizonte, en donde el agua y el cielo fueran lo mismo, un viaje plagado de nada, un viaje auténtico, respetando las historias del altiplano, del norte chileno-boliviano, cargado de señales e imaginarios, para muchos ridículos, para otros reales, evidentes, auténticos, únicos”, explica el artista.

En su trabajo, Ramírez combina el video, la fotografía, las instalaciones y las narraciones poéticas. Él aprecia las historias dentro de historias, las ficciones solapando países y épocas, el espejismo entre el sueño y la realidad. Respecto de esta muestra en particular, Ramírez señala que tiene una dedicatoria: “Este proyecto está dedicado a todos aquellos que caminan, que caminan con la imaginación, que viajan sin moverse, a aquellos que sueñan y mueven sus ojos a través de cada imagen, a aquellos que están entre nosotros, muchas veces invisibles, caminado a nuestro lado”.

 

ENRIQUE RAMÍREZ (1979, Santiago) estudió música popular y cine en Chile antes de hacer el Posgrado en Arte Contemporáneo y Nuevos Medios de Le Fresnoy del Studio National des Arts Contemporains (Tourcoing, Francia). En 2014 ganó el Premio Découverte des Amis du Palais de Tokyo, en París. Desde entonces ha expuesto en  Le Palais de Tokyo, Centro Pompidou,  Espace Culturel Louis Vuitton y Le Grand Café, Saint-Nazaire. En América Latina ha presentado sus obras en el Museo Amparo, Puebla, México; Museo de la Memoria, Santiago; y Centro Cultural Matta, Embajada de Chile en Argentina. En 2017, la obra de Enrique Ramírez es exhibida en la exposición internacional de la Biennale di Venezia “Arte Viva Arte”, curada por Christine Macel. Debido a que “El hombre que camina” es un proyecto que continúa en proceso, en el MAVI ya presentará una nueva forma.

 

“Un Hombre que camina – a symphony of sea and open sky filmed in the salt pans of the sacred landscape of Chile. Dressed in a shamanic mask a man pulls behind him, through briny ankle-deep water, a raft of floating suits towards the distant sun, followed by a traditional South American brass band. Mesmeric and powerful this work illustrates how ritual and art can both give meaning to life and death”.

Sue Hubbard, Elephant Magazine. 19 May 2017

Fechas:

Desde el 7 de julio al 16 de septiembre.

Horario: Martes a domingo, de 11:00 a 19:00 horas.

Lugar:

Calle José Victorino Lastarria 307, Plaza Mulato Gil, Santiago centro.

  • Estaciones de metro cercanas: Universidad Católica (línea 1) y Bellas Artes (línea 5).
  • Bicicletero frente a entrada de Plaza Mulato Gil y estacionamientos pagados en calles Merced 317, Monjitas 330 y Lastarria 70.
  • El museo cuenta con ascensor, acceso para sillas de ruedas y guardarropía.

Imagen: “Un hombre que camina” (2011) de Enrique Ramírez. Fotografía film 6×7. Impresión lambda 120 x 95 cm. Cortesía de Galería Die Ecke, Santiago.

CLAVE AZUL: COLECCIÓN MAVI EN CALLE LARGA

Exposiciones, Exposiciones Itinerantes

MUESTRA ITINERANTE DE LA COLECCIÓN DE ARTE DEL MAVI

JUN – JUL

La exposición itinerante CLAVE AZUL: COLECCIÓN MAVI se traslada al Centro Cultural Pedro Aguirre Cerda de Calle Larga, Provincia de los Andes desde el 11 de junio al 30 de julio 2018, exhibición que estuvo anteriormente en Centro Cultural de los Andes.

Es una selección de obras de la Colección MAVI, en donde la curatoría se ha centrado en dialogar con la diversidad cultural, buscando obras y artistas del acervo cultural del museo que hagan sentido a la comunidad de Los Andes.

“Clave azul es el nombre que se usa como alarma activada al interior de un centro de salud, para acudir donde ocurre una emergencia que ponga en peligro la vida de un paciente. Clave azul usado como metáfora, es la alarma para acudir a la memoria, como emergencia para construir nuestro futuro desde nuestro patrimonio” (Paula Caballería Aguilera, directora de Educación e Inclusión del MAVI).

La muestra cuenta con obras de: Conchita Balmes, Guillermo Frommer, Pancha Nuñez, Gregorio Papic, Valentina Cruz, Marcela Trujillo, Palolo, Lorenzo Moya, Ruperto Cadiz, Sebastián Garretón y Oscar Barra.

Entrada liberada.

Fechas: Desde el 11 de junio al 30 de julio 2018

Horario: Martes a Viernes: 10:00 a 13:30 horas. – 15.00 a 17.00 horas

Sábado y Domingo: 15:00 a 19:00 horas.

Lugar: Centro Cultural de Pedro Aguirre Cerda, Avenida Pedro Aguirre Cerda s/n sector Pocuro, Calle Larga, Provincia de Los Andes

Teléfono: +56 034 246 2012

 

 

Imagen: “La cabeza y el corazón” de Concepción Balmes

MARES BLANCOS

Exposiciones

DE HERNÁN CRUZ

MAY – JUL 2018

El proyecto “Mares Blancos” de Hernán Cruz tiene su origen en los viajes que realizó a los salares, que dan nombre a esta muestra por la infinitud del Salar Uyuni en Bolivia. La exposición, que cuenta con la curatoría de Ricardo Loebell, se realizará desde el 16 de mayo al 15 de julio de 2018, en las salas 3 a 6 del MAVI (calle Lastarria 307, Santiago centro).

Esta muestra contempla la experiencia de los viajes registrados con pinturas, dibujos, fotografías, un video, vestigios, testimonios y cuadernos de artista que avanzan a una nueva experiencia: el paso desde la contemplación de lo vasto y lejano de los salares y el Altiplano, hacia la reconstrucción de esa inmensidad, dentro de un interior que es el Museo MAVI.

• El viaje del proyecto “Mares Blancos” comenzó el 16 de mayo de 2016 y termina exactamente dos años después, con la inauguración de la muestra en el MAVI.

• Hernán Cruz recorrió cuatro salares: Uyuni, Coipasa, El Laco y Surire.

• La exposición cuenta con 41 pinturas, dos dibujos de mapas, dos fotografías, un video y tres mesas con vestigios, testimonios y cuadernos de artista. En total, la muestra contiene cincuenta piezas de arte.

Mares Blancos consta de tres viajes realizados por el artista a distintos salares. Inició el 16 de mayo de 2016 con un primer viaje a los salares de Uyuni y Coipasa en Bolivia, y culminó en el Altiplano en el pueblo de Isluga, Aravilla. El segundo viaje fue en octubre de 2016 al Salar de El Laco en la Cordillera y el tercero lo realizó en marzo de 2017 al Salar de Surire.

En los tres viajes ejecutó acciones de arte, instalaciones artísticas en las vastas extensiones de los salares y altiplano de los Andes, como un nómada que va dejando sus rastros, sus huellas. Los viajes realizados son en sí mismos una experiencia artística, que se puede vincular con el Land-Art, como una acción y obra que queda instalada temporalmente en el territorio.

En el proceso de reconstrucción de las huellas y rastros de la extensión de los viajes, Hernán Cruz manifiesta: “Me baso en la experimentación de la materia (espesura) y en la concreción de la línea (trazos); desarrollando un lenguaje pictórico abstracto donde la mancha delineada es el tamaño junto con destellos de pigmentos, de líneas y trazos; desafiando el informalismo gestual”.

Parte del proceso creativo es traer tierras de origen que se mezclan con otras materias para lograr su espesura matérica y cromática, también incorporando vestigios de algunas instalaciones ejecutadas en el Altiplano. “Trabajo con aceites, pigmentos, arenas y tierras que se vierten sobre superficies (arpilleras, paños, totoras, cartones, papeles, metales) para alcanzar la materia pictórica”, comenta el artista.

• Contenidos de la muestra:

Sala 3: textos curatoriales, mapas de autor, fotografías, cuadernos de viajes y catálogos.
Sala4: pinturas con tierras de origen que reconstruyen los pasos y rastros de los salares.
Sala 5: video documental que relata visualmente las instalaciones y acciones de arte en el territorio; cuadernos del artista (ediciones únicas).
Sala 5b: Instalaciones (reconstrucción de “Señas” ejecutadas durante los viajes, como: arpilleras, planchas de metal, paños) y pinturas blancas sobre papel (que muestran el soplo del viento y los pasos de las aves sobre las lagunas altiplánicas).
Sala 6: vestigios (mantos de color, serie “Sama Isallu”, elogio al pueblo originario Aymara).

• Sobre el curador Ricardo Loebell:

Ricardo Loebell es Doctor en filosofía y estética de la Universidad de Frankfurt, Alemania. Actualmente, asesora proyectos de curatoría y museografía e imparte filosofía, teoría de arte contemporáneo, literatura, estética cinematográfica en magister y doctorado en las universidades de Playa Ancha, Federico Santa María y Universidad de Chile. Es docente en la Academia de Editores y Libreros Alemanes en Frankfurt.

 

HERNÁN CRUZ

Hernán Cruz (1960) comenzó en 1980 sus primeros dibujos y pinturas abstractas de fuerte color sobre papel. A partir de 1985 inicia sus series “Horizontes Cromáticos”. Su pintura es expuesta públicamente a partir de 1997, concluyendo este período con la exposición catalogada en la edición “Abstracciones” 1998-1999, en la Galería Marlborough de Santiago, Chile.

Inicia el año 2000 una nueva etapa de investigación y obra pictórica con pinturas negras sobre papel y re-interviene sus anteriores series con negro para interrumpir su continuidad cromática.

El año 2005 comienza a pintar en grandes formatos experimentando con estructuradas manchas negras, deconstruidas con destellos cromáticos y perfiladas con trazos de líneas. En 2009 cierra este período con la exposición “Poética de la Materia a la Línea” con un montaje que une el espacio cromático con el lugar concreto, que se asocia a la construcción del Sitio Específico. La obra expuesta abre una posibilidad a la pintura gestual y estructural para así crear su propio lenguaje pictórico.

En 2010 inicia en la fábrica Maruri su serie “Miasma Lumbre”. El mismo año comienza sus acciones de arte con viajes a través de ciudades y territorios que abordan lo abstracto con lo vasto.
Exposiciones individuales
“Orillas – la última luz del día”, Bodegón Cultural Los Vilos, 2015.
“Thelos”, Ciudad Abierta Ritoque, Valparaíso, 2013.
“Miasma Lumbre”, Galería La Sala, Santiago, 2012.
“Poética de la Materia a la Línea”, Taller Merced, Santiago, 2009.
“Abstracciones”, Galería A.M.S. Marlborough, Santiago, 1998.
“Dibujo los papeles de un arquitecto”, Corporación Cultural de Las Condes, Santiago 1997.
“Horizontes cromáticos”, Escuela de Arquitectura PUC de Chile, Santiago, 1997.

Exposiciones colectivas
“Abstracción de Artistas geométricos cinéticos Latinoamericanos”, Galería La Sala, Santiago 2017.
“Sobre papel”, Galería A.M.S. Marlborough, Santiago, 2000.

Viajes-Acciones de Arte
Salar de Surire, Chile, 2017.
Salares de Uyuni, Coipasa, Bolivia, 2016.
Patagonia chilena, Punta Arenas y Tierra del Fuego, 2013.
Favela Carangueijo, Niteroi, Río de Janeiro, 2011.
Bosques de Chile, Valparaíso, 2010.

Libros con dibujos
“A la menor Brisa”, “La Nieve”, poemas de Godofredo IommiAmunátegui. Ediciones e(ad), 2014

Más información sobre el artista: www.hernancruzsomavia.cl

 

Exposición “Mares Blancos”

16 de mayo al 15 de julio 2018

Salas 3 a 6 MAVI

Calle José Victorino Lastarria 307

Martes a domingo, de 11:00 a 19:00 horas

COLECCIÓN MAVI EN RANCAGUA

Exposiciones, Exposiciones Itinerantes

“LO SANTO Y LO NO TANTO”

MUESTRA ITINERANTE DE LA COLECCIÓN DE ARTE DEL MAVI

JUNIO 2018

En el mes de junio se exhibe una muestra de la Colección de Arte del MAVI en el Espacio Cultural Iglesia de la Merced, Rancagua. Las obras expuestas son de artistas como: Aura Castro – Juan Egenau – Patricia Israel – Eva Lefever – Sebastián Leyton – Rodolfo Opazo – Francisco de la Puente – Pedro Pablo Valdés – Sandra Vásquez – Bruna Truffa – Ullrich Wells.

Este espacio se encuentra ubicado en un lugar patrimonial dentro del recinto de la Iglesia de la Merced, Rancagua. Es un recinto privado perteneciente a la congregación de los mercedarios, donde también se encuentran expuestas piezas de esta agrupación religiosa.

La exposición está pensada para que las obras de artistas contemporáneos chilenos de la Colección del MAVI dialoguen con estas piezas y el lugar. Los artistas de la Colección nos muestran obras donde es posible observar detalles que hacen la diferencia, formas que remiten a la iconografía religiosa y que al mismo tiempo se despegan de esta, generando preguntas y buscando respuestas.

Una de las premisas que nos ayudan a entender el arte contemporáneo es que se involucra con las ideas e imágenes que existen en la sociedad y la cultura, generando nuevas lecturas e interpretaciones, todas ellas válidas.

Esta vez la Colección de Arte del MAVI permite observar pequeños guiños que transforman el objeto sacro en un objeto de arte y viceversa. Es la primera pregunta que se hace el arte contemporáneo, al intentar determinar qué pieza es arte y qué pieza no lo es. El museo busca el acercamiento hacia nuevos públicos, facilitando una nueva lectura de su Colección y disfrutar de la obra de artistas consagrados que forman parte de ella.

 

La exposición muestra una selección de la Colección de Arte Contemporáneo del MAVI en la ciudad de Rancagua

Fechas: 1 a 30 de junio 2018

Horario: lunes a viernes de 10:00 a 14:00 y de 15:00 a 18:00 / sábados de 10:00 a 14:00 horas.

Lugar: Espacio Cultural Iglesia de la Merced, calle José Bernardo Cuevas 399, Rancagua.

Imagen: “Inmaculada concepción” de Bruna Truffa.

MANOS A LA PARED

Extensión, extension

Inédito circuito de murales para personas ciegas en Barrio Bellas Artes y Lastarria


El 47,3% de las personas adultas en situación de discapacidad declara dificultad severa o extrema para ver sin anteojos ópticos o lentes, lo que corresponde a 1.228.342 personas que enfrentan dificultades y restricciones en la participación por este motivo,  según el área de Estudios de Servicio Nacional de la Discapacidad. Personas que no pueden ejercer su derecho para acceder, conocer y participar del patrimonio visual que forma parte de su territorio. Ante este diagnóstico, Manos a la Pared se instala para convertir el tacto y la audición en los protagonistas de una experiencia que busca derribar las barreras de acceso a la cultura.

Manos a la Pared es la iniciativa que amplía el acceso al patrimonio visual de Santiago a través de herramientas de accesibilidad que involucran el tacto y la audiodescripción. Su lanzamiento será el martes 10 de julio en el Museo de Artes Visuales (MAVI).

La iniciativa, ejecutada por la Asociación para la Cultura Inclusiva Mu.Cho en alianza con la Ilustre Municipalidad de Santiago, consiste en una inédita intervención en el patrimonio muralístico del Barrio Bellas Artes y Lastarria: un circuito de seis murales traducidos a través de placas táctiles especialmente diseñadas para las personas ciegas y de baja visión. Este proyecto es financiado por el Servicio Nacional de la Discapacidad, SENADIS, a través del Fondo Nacional de Proyectos Inclusivos 2017.

«Manos a la pared nace de la unión consciente de tres inquietas mujeres que se encontraron en el Diplomado de Gestión Cultural de la Pontificia Universidad Católica de Chile. Este proyecto se ideó bajo la premisa de romper con las barreras que impiden el acceso a las artes y las culturas. Por lo tanto, Manos a la Pared nace, crece y, esperamos, se reproduzca, para aportar en la felicidad y en el ejercicio de la ciudadanía que personas con diversidad visual pueden lograr al conocer su entorno patrimonial, artístico y cultural», dice Paula Cancino, presidenta de la Asociación para la Cultura Inclusiva Mu.Cho.

El proceso de ejecución de Manos a la Pared comenzó en octubre de 2017 con una exhaustiva curaduría liderada por la artista visual Karen Schumacher y la asesora en accesibilidad Mónica Sepúlveda. Se evaluaron todos los murales del Barrio Bellas Artes y Lastarria, de día y de noche, tanto por su contenido, posibilidades de traducción y acceso. «Los criterios involucrados en la selección de los murales guardan relación, por un lado, con el contenido representacional de cada composición, aquello que ilustran o visibilizan, su importancia cultural y el acceso que usualmente las personas ciegas tienen a tal información, por ejemplo, el rostro de Ludwig van Beethoven, de Roberto Matta o una obra original de este último. Otro elemento importante fue su accesibilidad en el recorrido», dice la artista Karen Schumacher.

Junto a Mónica Sepúlveda hicieron diversas visitas a la zona, unieron los potenciales murales y evaluaron las desventajas y barreras que pudieran presentar uno u otro trayecto. «Fue bastante complicado recorrer las calles del Barrio Bellas Artes porque en primer lugar las guías podotáctiles no correspondían a las leyes de accesibilidad», explica Mónica Sepúlveda, quien realiza el asesoramiento a partir de su propia experiencia como persona con discapacidad visual. También agrega que circuitos como Manos a la Pared son importantes «porque las personas ciegas generalmente no visitamos museos y el arte generalmente es poco inclusivo, no se permite tocar».

Finalmente, los murales seleccionados para el primer circuito de Manos a la Pared son:

  • La Debutante de Roberto Matta. Ubicación: Plaza Mulato Gil de Castro, Museo de Artes Visuales, MAVI.
  • El jugador de Palin de Francisco Maturana. Ubicación: Mosqueto #456
  • Ganza de Javier Barriga. Ubicación: Santo Domingo esquina Miraflores
  • Un Surrealista llamado Matta de Alexander Tadlock. Ubicación: Mosqueto esquina Monjitas.
  • Mosaico Ludwig van Beethoven de Jorge Campos «Pixel Art». Ubicación: Monjitas 578.
  • Lastarria Patrimonial de Luis Núñez San Martín. Ubicación: José Victorino Lastarria 290.

Las placas táctiles instaladas en los murales cuentan con una traducción a escala de la obra e información en Braille. Además, el circuito es parte de la aplicación móvil Lazarillo, un servicio utilizado por personas ciegas para facilitar su orientación por la ciudad, a pesar de los muchos y diversos obstáculos que enfrentan. Así es como las personas pueden complementar la experiencia táctil con la audiodescripción de cada mural incorporada en la aplicación móvil.

El lanzamiento de Manos a la Pared será el martes 10 de julio de 2018 en el Museo de Artes Visuales (MAVI) a las 10:45 horas. La institución ha brindado una valiosa colaboración a la ejecución del proyecto en sintonía con su línea de mediación cultural.

«Para nuestro museo la inclusión ha sido uno de los pilares fundamentales en los trabajos con nuestros públicos. Creemos que el derribar barreras de acceso físico son el primer paso de un largo camino hacia el respeto por la diversidad. El abrirnos a explorar los distintos sentidos para percibir las artes visuales (en este caso) es una riqueza tanto para los videntes como para las personas ciegas y de baja visión. Es una oportunidad de explorar nuestras maneras de percibir y disfrutar del arte en la búsqueda del acceso universal. Como Museo de Artes Visuales llevamos varios años desarrollando piezas táctiles, sonoras, olfativas así como traducciones en lenguaje de señas de nuestras exposiciones y actividades. Hoy con Manos a la Pared tenemos la alegría de extender este trabajo a nuestra Plaza Mulato Gil de Castro, nuestra puerta de entrada al museo con nuestro icónico mural de Matta: La debutante. Esperamos seguir contribuyendo a este proyecto para que la inclusión se tome todos los rincones de Barrio Arte y de nuestra ciudad» destaca la directora ejecutiva de MAVI, Cecilia Bravo.

VISITAS GUIADAS:

Al lanzamiento del circuito se sumarán visitas guiadas para que las personas ciegas, y toda la comunidad de Barrio Bellas Artes y Lastarria, puedan acceder a una experiencia que busca contribuir a uno de sus derechos fundamentales: el acceso a la cultura. La información con las fechas de las visitas guiadas estarán disponibles en el Facebook Manos a la Pared: Barrio Bellas Artes y Lastarria. Las inscripciones se pueden hacer al mail muchocultura@gmail.com

SOBRE EL EQUIPO

El equipo del proyecto Manos a la Pared está integrado por la Oficina de Discapacidad de la Subdirección de Desarrollo Social de la Ilustre Municipalidad de Santiago y por la Asociación para la Cultura Inclusiva Mu.Cho, conformada por Constanza Rojas, administrador público y gestora cultural; Alejandra Reinoso, periodista y gestora cultural; y Paula Cancino, terapeuta ocupacional y gestora cultural. Además, cuenta con la participación de Karen Schumacher, como artista principal a cargo de la curaduría y traducción de los murales; Mónica Sepúlveda, asesora de Accesibilidad para personas ciegas; el diseño de maquetas 3D de Constanza Roblero y la fotografías de Verónica Muñoz. Además se cont con el asesoramiento en diseño y accesibilidad del Centro de Cartografía Táctil (CECAT) de la Universidad Tecnológica Metropolitana.

Finalmente, para asegurar el acceso de las personas ciegas a los murales, contamos con los servicios de Lazarillo App y  BOUDEGUER Accesibilidad Universal.

SOBRE LA ASOCIACIÓN PARA LA CULTURA INCLUSIVA MU.CHO

Misión: Mu.Cho es una organización sin fines de lucro que busca ampliar el acceso a la cultura de las personas en situación de vulnerabilidad social. Somos un puente de conexión entre la diversidad de grupos humanos que sistemáticamente han sido excluidos del acceso a la cultura con las obras artísticas de la escena local e internacional. Influimos en el debate y políticas públicas a través de la investigación académica y su difusión. Este sustento teórico es nuestra base para la gestación de nuevos proyectos culturales.

Visión: Hacer realidad el acceso universal a la cultura como Derecho Humano a todas las personas que sistemáticamente son excluidas, como por ejemplo, las personas en situación de discapacidad.

 

Fecha: Martes 10 de julio 2018

Horario: 10:45 – 12:15 horas.

Lugar: Museo de Artes Visuales MAVI, José Victorino Lastarria 307

CUENTACUENTOS Y TALLER DE INSTRUMENTOS

Multimedia

INAUGURACIÓN EXPOSICIÓN “LO SANTO Y LO NO TANTO”

Multimedia

NÚMERO ESPECIAL COLECCIÓN MAVI

en Mavi, Exposiciones

N°1 Pintura Inglesa, Natalia Bavarovic

JUN 2018

Desde el sábado 16 al viernes 29 de junio, se instala en Museo de Artes Visuales la primera exposición “Número Especial Colección MAVI”. Se trata de una muestra que aborda una obra en particular de la colección de arte del museo. Una forma de conocer la vasta colección de una manera detallada y específica.

Número Especial Colección MAVI: N°1 Pintura Inglesa de Natalia Bavarovic es una serie de cuatro cuadros que serán exhibidos en la sala 2 del museo acompañados de actividades organizadas por el Área de Educación del MAVI.

El concepto de Paisaje Biográfico se encuentra presente en “Pintura Inglesa”, en donde el paisaje afectivo o biográfico se crea en la medida en que los individuos lo perciben, imaginan y valoran, percepciones subjetivas que también condicionan la relación con el mismo. Los paisajes poseen una fuerte carga emocional que los deja insertos en la biografía de cada sujeto.

“Elegimos esta pintura porque es una de las mejores dentro de la Colección MAVI y creo que es una de las mejores obras de la artista. Además, es una obra no solo importante desde el punto de vista de la historia del arte chileno, sino que además tiene una gran envergadura, físicamente es muy imponente”, manifiesta María Irene Alcalde, curadora de MAVI.

Esta muestra forma parte de una serie de exposiciones que se realizarán en el museo, denominadas Número Especial Colección MAVI, en que se mostrarán artistas u obras de a uno. El propósito es mostrar la Colección de una manera más dinámica, que involucre al público y que sea ágil y rápida.

Sobre la artista

Natalia Babarovic (1966) vive en Santiago de Chile y trabaja en pintura (óleo sobre tela y papel, acuarela) y en fotografía.

Babarovic ha desarrollado una obra eminentemente pictórica que explora los diálogos y refracciones entre la pintura y los medios técnicos de la imagen, particularmente la fotografía y más recientemente el video. Asimismo, su trabajo vuelve sobre géneros de la pintura tradicional como el retrato y el paisaje, reflexionando sobre el lugar de este medio en el mundo del arte y la cultura visual contemporáneos. Ha expuesto tanto en Chile como en Gran Bretaña, Bélgica, Francia, Estados Unidos, Perú, entre otros.

 

Fecha: 16 al 29 de junio 2018

Lugar: MAVI, calle José Victorino Lastarria #307

Metros cercanos: Metro Universidad Católica (línea 1) y Metro Bellas Artes (línea 5).

Imagen: “Pintura inglesa” (2005) de Natalia Babarovic.