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REHACER TODA MARCHA A SU ANTOJO

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Exposición de RAIMUNDO EDWARDS

18 de mayo a 30 de junio 2019 – Salas 3 a 6 del MAVI

Esta muestra reúne los resultados más recientes de la investigación pictórica realizada por Raimundo Edwards durante los últimos 3 años, con el apoyo del Fondart Nacional Convocatoria 2019. Utilizando una técnica desarrollada por Edwards que consiste en fijar la imagen negativa de objetos encontrados en la ciudad y matrices de origen industrial mediante la aplicación de pintura spray sobre telas de distintas dimensiones, ha conformado series de pinturas que se comportan como recipientes cromáticos de acumulación, depósito, marcaje y transferencia desde la observación de nuestro entorno urbano y su desplazamiento al interior del museo.

La obra de Edwards incluye pinturas, fotografías, objetos, imágenes digitales, acciones, video e instalaciones. Ha utilizado la lógica de desplazamientos y torsiones del lenguaje pictórico para enfocarse en la relación crítica entre naturaleza y civilización.


RAIMUNDO EDWARDS (Santiago, 1979) es licenciado en Arte mención Pintura de la Universidad Finis Terrae y Magister en Artes Visuales de la Universidad de Chile.

  • Ha recibido reconocimientos como el Premio A.I.C.A. 2009, Premio MAVI – Minera Escondida 2011, Beca residencia Fundación Bloc, 1er lugar Beca Arte CCU – Residencia ISCP Brooklyn, USA, 2013-4 y Becas Fondart 2016 y 2019.
  • Sus trabajos han sido expuestos y desarrollados tanto a nivel nacional como internacional. Dentro de sus exposiciones individuales destacan: El Centro de la Tierra, Galería Metales Pesados, Santiago (2016); Hexagonal, Galería Tajamar, Santiago (2015); Freno y Aceleración, Sala de Artes CCU (2014); Lost&Found, Y Gallery, New York (2014); Subsuelo I y II, Galería Temporal, Stgo-Chile; Retorno, Museo de Artes Visuales-MAVI, Santiago (2013); Colisión, Galería Oficina Barroca, Santiago (2012); Sintaxis, Sala de Arte Aiep, Santiago (2012); Cromo (CR) , Galería Centro, Talca (2010).
  • Algunas de sus exposiciones colectivas en el extranjero son: SIART 9 Bienal Internacional, La Paz – Bolivia (2016); Ten, Cindy Rucker Gallery, curaduría Ian Cofré, New York (2014); USVtv videoicomiso, Museo de la Ciudad de Querétaro. México (2010); Artilugio Chilensis, Sala la Perrera, España (2009); Dudo,acciones en 3 museos: Louvre, D ‘Orsay y Centre Pompidou, Francia (2009).

Raimundo Edwards’ “(Willing) Reproductions in Overdrive”

May 18 – June 30, 2019 in MAVI exhibition halls 3-6

This show  represents an anthology of the most recent results of pictorial research undertaken by Raimundo Edwards in the past 3 years, with support from the National Fondart Competition for 2019. Edwards developed a technique that consists of using spray paint to fix upon canvas the photographic negatives of objects found in urban centers and industrial elements. The canvases, ranging in varying sizes, display a series of paintings, which the artist approached as chromatic receptors of collection, repository, marking and transference from the observation of our urban surroundings to its transit inside the museum.

Edwards’ work combines painting, photography, objects, digital images, actions, video and installations. He employs the rationale of pictorial language displacement and contortion to focus on the critical relationship between nature and civilization.


RAIMUNDO EDWARDS (Santiago, 1979) holds a Fine Arts degree, with specialization in Painting, from Finis Terrae University and a Masters in Visual Arts from the University of Chile.

  • His work has earned acclaim from the A.I.C.A Award for 2009, the MAVI – Minera Escondida Award for 2011, Bloc Foundation residency scholarship, first place ISCP CCU – Residency Scholarship of Brooklyn, USA, 2013-4 and Fondart Scholarships of 2016 and 2019.
  • Edwards’ work has been exhibited and carried out nationally and internationally. His Individual shows include: El Centro de la Tierra, Galería Metales Pesados, Santiago (2016); Hexagonal, Galería Tajamar, Santiago (2015); Freno y Aceleración, Sala de Artes CCU (2014); Lost&Found, Y Gallery, New York (2014); Subsuelo I y II, Galería Temporal, Stgo-Chile; Retorno, Museo de Artes Visuales-MAVI, Santiago (2013); Colisión, Galería Oficina Barroca, Santiago (2012); Sintaxis, Sala de Arte Aiep, Santiago (2012); Cromo (CR) , Galería Centro, Talca (2010).
  • Group exhibits abroad include the SIART 9 International Biennale of La Paz, Bolivia (2016); Ten, Cindy Rucker Gallery, curatorship by Ian Cofré, New York (2014); USVtv videoicomiso, Querétaro City Museum, México (2010); Artilugio Chilensis, Sala la Perrera, Spain (2009); Dudo, as well as art actions in three museums of France in 2009 (Louvre, D ‘Orsay and Centre Pompidou).

Fecha: 18 de mayo a 30 de junio 2019

Lugar: MAVI, José Victorino Lastarria número 307. Plaza Mulato Gil de Castro, Santiago centro.

Metros cercanos: Estación Universidad Católica y Estación Bellas Artes.

Información general: +56 2 2638 3532 – info@mavi.cl

Horario: martes a domingo de 11:00 a 19:00 horas.

Entrada de martes a sábado: $1.000 adultos, gratuita para estudiantes, menores de 8 años y mayores de 60 años.

Entrada domingos: gratuita para todo público.

Imagen: Detalle obra de Raimundo Edwards.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Address: Jose Victorino Lastarria 307. Mulato Gil de Castro Square, downtown Santiago.

Close by Subway Stations: Catholic University Station and Fine Arts Station.

General Information: +56 2 2638 3532 – info@mavi.cl

Hours: Tuesday through Sunday 11am until 7pm

Admission: $1,000 pesos adults / Free every day for students, children under 8 years old and seniors over 60 / Sundays free.

Picture: Detail work made by Raimundo Edwards.

BEAUTIFUL RUINS

Exposiciones

Exposición BEAUTIFUL RUINS de NICOLÁS FRANCO

18 de mayo a 30 de junio 2019 – Salas 3 a 6 del MAVI

La fotografía de un cráneo de 1,8 millón de años de un antepasado de los seres humanos sirve como punto de partida para las obras que presenta Nicolás Franco en el MAVI. La exhibición “Beautiful Ruins” muestra un conjunto de trabajos realizado ex profeso para el museo, que cuenta con la curatoría de Sebastián Vidal.

Nicolás Franco realiza pinturas de gran formato cuyo tema es, en última instancia, el proceso mismo de su creación. Central en su cuerpo de obra es la relación entre el universo de la memoria colectiva y las experiencias cotidianas, junto con la expansión de los vocabularios de la fotografía y la pintura, y su percepción.

Franco no suele capturar las imágenes que vemos en sus obras,  su trabajo es más bien el de quien procesa y reedita objetos visuales y materias impresas movido por alguna obsesión de archivo cuyo propósito no resulta evidente. Este material visual alude a reconocibles procesos culturales, económicos, geopolíticos y técnicos que marcaron el devenir del siglo XX.  Estas huellas aparecen en la obra de Franco reeditadas bajo una óptica fría, que oscila entre el formalismo y el concepto, conformando una estructura material donde el giro memorioso queda retorcido por las agencias del inconsciente.

Como en otras exhibiciones de Nicolás Franco, fotografías, textos y materiales convocan realidades distantes en el tiempo y el espacio: el arte africano, el erotismo, el colonialismo, las estrategias del montaje y la abstracción son referidas en un conjunto de obras que suspenden su definición formal y diluyen los límites entre fotografía, pintura y escultura.


NICOLÁS FRANCO (Santiago, 1973) es licenciado en Artes Visuales por la Universidad Complutense de Madrid. Ha sido artista residente en De Ateliers, Ámsterdam, y Gasworks, Londres.

  • Su trabajo ha sido objeto de doce muestras individuales en museos, incluyendo el Museo de Arte Contemporáneo de Lima; Museo de Arte Contemporáneo de Santiago; Museo Nacional de Bellas Artes de Santiago; Museo de Artes Visuales de Santiago; Museo del Barro, Asunción, y Museo Blanes de Montevideo.
  • Ha participado en exhibiciones colectivas en Norteamérica, Latinoamérica y Europa, en espacios como el Migros Museum für Gegenwartskunst, Zurich;  MEIAC Museo Extremeño Iberoamericano de Arte Contemporáneo, Badajoz; La Conservera, Ceutí; Centre of Contemporary Art Znaki Czasu, Poland; Fundación CorpArtes, Santiago; Wallspace Gallery, Nueva York y De Ateliers, Amsterdam.

Beautiful Ruins, an Exhibit by Nicolás Franco

May 18 – June 30, 2019 in MAVI Halls 3 to 6

The photograph of a 1.8-million-year-old skull of a human being ancestor is the point of departure for the work that Nicolás Franco will present at the MAVI. Beautiful Ruins features work the artist produced specifically for the museum. This exhibition is curated by Sebastián Vidal.

Over the last ten years, Nicolás Franco has explored diverse ways of revealing gaze and history through images. Central to his work is the relation between the universe of collective memory and everyday experience, together with an expansion of the vocabulary of photography and painting and its perception. His large scale paintings an assamblages focus, ultimately, on the very process of their creation.

Franco rarely captures the images we see in his work.  Rather, his procedure is to process and reuse visual objects and printed material, driven by some archivist’s obsession whose purpose is not obvious. This visual material usually makes some obligue allusion to recognizable cultural, economic, geopolitical and technical processes that marked the course of the twentieth century. These traces are reproduced in Franco’s work from a dispoassionate perspectiva thar oscillates between formalism and conceptualism, forming a material structure where the movement of memory is wrapped by the agencies of the unconscious.

As in his previous exhibitions, Nicolás Franco evokes situations distant in time and space: African art, eroticism, colonialism, installation strategies and abstractions, all of which can be gleaned from this set of works that suspend their formal definition and blur the boundaries between photography, painting and sculpture.


NICOLÁS FRANCO (Santiago, 1973) earned a degree in Visual Arts from Madrid Complutense University. He has been an artist in residence at De Ateliers in Amsterdam, and Gasworks in London.
His work has been exhibited in twelve Museum Solo Exhibitions such as the Contemporary Art Museum of Lima; the Contemporary Art Museum of Santiago; National Fine Arts Museum of Santiago; Visual Arts Museum of Santiago; the Barro Museum of Asuncion, and the Blanes Museum of Montevideo.
He has participated in group shows in the United States, Latin America and Europe, at venues such as the Migros Museum für Gegenwartskunst, Zurich; MEIAC Museo Extremeño Iberoamericano de Arte Contemporáneo, Badajoz; La Conservera, Ceutí; Centre of Contemporary Art Znaki Czasu, Poland; CorpArtes Foundation, Santiago; Wallspace Gallery, New York and De Ateliers, Amsterdam.

 

  • Fecha: 18 de mayo a 30 de junio 2019
  • Lugar: MAVI, José Victorino Lastarria número 307. Plaza Mulato Gil de Castro, Santiago centro.
  • Metros cercanos: Estación Universidad Católica y Estación Bellas Artes.
  • Información general: +56 2 2638 3532 – info@mavi.cl
  • Horario: martes a domingo de 11:00 a 19:00 horas.
  • Entrada de martes a sábado: $1.000 adultos, gratuita para estudiantes, menores de 8 años y mayores de 60 años.
  • Entrada domingos: gratuita para todo público.
  • Imagen: Detalle de obra “Falling asleep” de Nicolás Franco (2019). Fibra de vidrio, poliuretano proyectado, polvo, aceite de motor, malla de aluminio soldada, acero, tinta de pigmentos, acrílico, tinta offset UV, silicato de sodio, cemento rojo, resina acrílica, silicona y planchas de aluminio offset montadas sobre paneles de madera. 260 x 370 x 8 cm

 

 

 

 

May 18 – June 30, 2019

Address: Jose Victorino Lastarria 307. Mulato Gil de Castro Square, downtown Santiago.

Close by Subway Stations: Catholic University Station and Fine Arts Station.

General Information: +56 2 2638 3532 – info@mavi.cl

Hours: Tuesday through Sunday 11am until 7pm

Admission: $1,000 pesos adults / Free every day for students, children under 8 years old and seniors over 60 / Sundays free.

Picture: Detail “Falling Asleep” (2019) made by Nicolás Franco.

COLECCIÓN MAVI EN LOS ANDES Y CALLE LARGA

Exposiciones, Exposiciones Itinerantes

Colección de Arte del MAVI en itinerancia con la exposición “Nómades” en Los Andes y Calle Larga

Abril a junio 2019

El Museo de Artes Visuales, MAVI se ha propuesto la misión de mostrar su colección más allá de los muros de su edificio institucional de la calle José Victorino Lastarria, como una forma de acercar al arte contemporáneo chileno a un público descentralizado.

Desde fines de abril y durante mayo 2019, la exposición se encontrará en el Centro Cultural de Los Andes, ubicado en calle Maipú 475. Durante junio 2019, la muestra se traslada unos pocos kilómetros para quedarse en Calle Larga.

  • Se incluyen obras de artistas como Ciro Beltrán, Rodrigo Cabezas, Francisca Cerda, Valentina Cruz, Matías Pinto D’Aguiar, Gonzalo Díaz, Fernanda Guzmán, Roberto Polhammer, Pablo Rivera, Alejandra Rufolff, Pablo Serra, Malú Stewart, Bruna Truffa, Patricia Valle y Bernardita Vattier.

Con más de 25 años de existencia, la colección del museo tiene una historia que contar, cual es la de una ficción que comienza y se desarrolla a partir de los actos de individuos privados y cuya única justificación es una cuestión de gusto o inclinación personal por determinadas obras, lo que la distingue de la función de las instituciones públicas.

El coleccionista juega un papel esencial en la historia del arte y del gusto, muchas veces como mecenas de artistas o movimientos artísticos que sin su apoyo no hubieran tenido la importancia que tienen.

El museo alberga una colección de arte chileno que va desde los años 60 hasta la actualidad y que es fruto de un caso de coleccionismo y mecenazgo, que establece un particular reticulado dentro del ámbito local: los artistas seleccionados, las obras, la trayectoria de estos dentro del medio nacional conforman una red de relaciones que es revisada desde diferentes ángulos, proponiendo siempre nuevas lecturas.

El gesto de coleccionar está relacionado con la propia biografía, y la colección MAVI es fruto de esta acción: la pasión de los fundadores del museo y su proyección que se ve concretada en la institución que ahora llega al Valle de Aconcagua.

Fecha: Abril y mayo 2019

Lugar: Centro Cultural de Los Andes (calle Maipú 479).

 

Fecha Junio 2019

Lugar: Centro Cultural Pedro Aguirre Cerda (Avenida Pedro Aguirre Cerda s/n sector Pocuro).

 

* Imagen: Obra “La muerte de Superman / The world needs a hero” de Pablo Serra. Pintura al óleo. 200 x 130 cm

 

ESPACIOS COMUNES EN CHILLÁN

Exposiciones, Exposiciones Itinerantes

14 MARZO – 2 MAYO 2019 en CECAL (Centro de Extensión Cultural Alfonso Lagos Universidad de Concepción) de CHILLÁN

 

Colección de Arte del MAVI en itinerancia con la exposición “Espacios Comunes”

Esta muestra de la Colección de Arte del MAVI propone establecer vínculos entre texto y obras, invitando a la exploración de una visión extendida del concepto de espacio, que ha sido analizado por múltiples disciplinas desde ángulos muy diversos que van desde lo teórico a lo práctico. Desde lo material a lo intangible.

  • Se incluyen obras de artistas como Santiago Aránguiz, Ernesto Banderas, José Basso, Rodrigo Cabezas, Andrés Durán, María Edwards, Ismael Frigerio, Laura Galaz, Matilde Huidobro, Gonzalo Ilabaca, Sergio Lay, Robinson Mora, Lorenzo Moya, Benito Rojo,  José Samith, Eugenio Téllez y Bernardita Vattier.

El espacio ha sido considerado y determinado desde sus aspectos pictóricos, filosóficos, matemáticos, espirituales, geográficos, sociales y sicológicos.

  • Disciplinas como la escultura y la arquitectura han sido definidas como el arte de organizar el espacio. (Wöfflin).
  • Como concepto filosófico ya fue señalado por Aristóteles como aquello que es implicado por los cuerpos, o sea, el lugar que ocupan éstos, definición que se contrapone a la que hace Kant, que espacio y tiempo son únicamente formas de la intuición sensible. Newton nos acercó el concepto de espacio como sustancia inmaterial, inmóvil e infinita donde los objetos materiales flotan.
  • Desde la sicología, el espacio mental o perceptivo se crea en la medida en que los individuos lo perciben, imaginan y valoran, percepciones subjetivas que también condicionan la relación con el mismo.

“Espacios comunes reúne fenómenos relacionados con el espacio desde distintas perspectivas, ilustrándolos a través de obras de diferentes artistas, creando en conjunto una experiencia interactiva”, señala María Irene Alcalde, curadora del Museo de Artes Visuales.

Las obras que se exhibirán estarán bajo conceptos como agorafobia (miedo a los espacios abiertos), espacio biográfico (vínculo entre el paisaje y las emociones), espacio social (resultado de la apropiación del espacio físico y mental), espacios de memoria, espacio geográfico y espacio mental. Además, estará presente la visión newtoniana del espacio como sustancia inmaterial, inmóvil e infinita donde los objetos materiales flotan.

 

Fecha: 14 de marzo a 2 de mayo 2019

Lugar: CECAL (Centro de Extensión Cultural Alfonso Lagos Universidad de Concepción). Calle Isabel Riquelme 479, Chillán.

Imagen: Obra de José Samith


 

LOS DOMINIOS PERDIDOS

Exposiciones

LOS DOMINIOS PERDIDOS

EXPOSICIÓN COLECTIVA

 MAR-MAY 2019

Esta exposición estará en el MAVI desde el 2 de marzo hasta el 5 de mayo. 

Con la curatoría de Dermis León (Curatorial Bureau), la gran exposición “Los Dominios Perdidos” reúne en el MAVI a 25 artistas que constituyen una generación clave para entender el arte chileno post-dictadura.

La muestra presenta obras recientes de los/las artistas Carlos Araya ‘Carlanga’, Ciro Beltrán, Rodrigo Cabezas, Arturo Duclos, Coco Gonzalez Lohse, Klaudia Kemper, Sebastián Leyton, Claudia Peña, Malu Stewart, Mario Soro, Bruna Truffa, Marcela Trujillo, Kiko Zamudio y Paula Zegers. Incluye a dos artistas invitados/as, Víctor Hugo Bravo y Alicia Villarreal, más una selección de obras pertenecientes a la Colección del MAVI de Samy Benmayor, Bororo, Gonzalo Díaz, Pablo Domínguez, Omar Gatica, Pancha Núñez, Rodolfo Opazo, Francisco Smythe y Jorge Tacla.

 La mayoría de los/las artistas participantes se formaron en las aulas universitarias con la ausencia de una generación de recambio definida precedente. Esta generación formaría parte de la Revuelta Vitalista, un movimiento heterogéneo de artistas que cuestionaría la realidad tomando otros derroteros de radicalidad en su actitud de vida.

 

  • La exposición tiene como objetivo relacionar a nivel discursivo los aportes a la escena local de estos/as artistas, por lo que incluye desde obras puntuales de la década de los 80s y 90s del siglo pasado pertenecientes a la Colección del MAVI hasta la producción más reciente de sus protagonistas.
  • A partir del juego y la imagen evocativa, la exhibición se divide en áreas de confluencias relacionales, que juntan conceptos de época, testimonios, material gráfico, audiovisual y obras.
  • Se presenta dentro del espacio de exhibición la serie de 15 documentales breves realizados por Klaudia Kemper (proyecto Fondart), donde prima la voz de cada uno de los 14 artistas, la curadora y el coordinador Coco González. Se incluye además una pieza audiovisual encargada especialmente para esta muestra a Luis Navarro.

 

La exhibición, así como el proyecto editorial y audiovisual, han sido posibles gracias a Fondart, Ley de Donaciones Culturales y Espacio O.

 


CALENDARIO DE ACTIVIDADES

Todas tienen entrada liberada, son abiertas a todo público y no requieren inscripción

 

INAUGURACIÓN

Sábado 2 de marzo – 12:00 horas – MAVI

Para la ocasión, se ha invitado especialmente al músico electrónico Miguel Conejeros y su proyecto Fiat 600, nombre que alude al vehículo que tuvo que vender en los años ochenta para comenzar la banda “Pinochet Boys”.

 

DIÁLOGOS ABIERTOS “LOS DOMINIOS RECUPERADOS

Sábado 9 de marzo – 10:00 a 13:00 horas – MAVI

Se desarrollarán, tres mesas de diálogos públicos en las que participará Arturo Duclos, Carlos Araya (Carlanga) y Rodrigo Cabezas; Klaudia Kemper, Ciro Beltrán, Vicente Vargas y Claudio Romero (Karto); Miguel Conejeros, Silvio Paredes y Gonzalo Donoso.

 

SESIÓN ABIERTA MAVI – ANTENNA

Sábado 16 de marzo – 12:30 horas – MAVI

Esta actividad en la que la plataforma Antenna ofrece una conversación profunda sobre la exposición, comienza con una performance del artista Ciro Beltrán en colaboración con la coreógrafa Ana Barros.

 

PRESENTACIÓN DEL LIBRO “LOS DOMINIOS PERDIDOS”

Viernes 22 de marzo – 19:00 horas – MAVI

Se da a conocer el libro que lleva el mismo nombre de la exposición. Se trata de una publicación de 200 páginas diseñada por Vicente Vargas y coeditada por la curadora Dermis León y Coco González Lohse. Concebido como un proyecto editorial bilingüe (castellano-inglés), se estructura en varios cuerpos: el texto curatorial, 8 páginas por artista participante, una sección de investigación histórica realizada por Nadinne Canto Novoa y Claudio Guerrero Urquiza. Para el registro fotográfico se invitó especialmente a los fotógrafos Gonzalo Donoso, Jorge Brantmayer, Luis Weinstein y Yerko Yankovic.

 

The exhibition LOS DOMINIOS PERDIDOS will highlight recent artwork by artists Carlos Araya ‘Carlanga’, Ciro Beltrán, Rodrigo Cabezas, Arturo Duclos, Coco Gonzalez Lohse, Klaudia Kemper, Sebastián Leyton, Claudia Peña, Malu Stewart, Mario Soro, Bruna Truffa, Marcela Trujillo, Kiko Zamudio and Paula Zegers. Two guest artists, Víctor Hugo Bravo and Alicia Villarreal, are also included, as well as a selection of works from the MAVI Collection by Samy Benmayor, Bororo, Gonzalo Díaz, Pablo Domínguez, Omar Gatica, Pancha Núñez, Rodolfo Opazo, Francisco Smythe and Jorge Tacla.

Beyond the exhibition itself, the project will connect to the discursive contributions made to the local art scene by artists belonging to this group, while also showcasing others who shaped their esthetic choices. Through an interplay of evocative images, the exhibition will be organized by areas of correlational influences of shared concepts related to time period, testimony, graphic material, audiovisual and artwork.

LOS DOMINIOS PERDIDOS will encompass specific art that is representative of the decades of the 80s and 90s belonging to the MAVI Collection as well as more recent productions by the participant artists.

Fecha: 2 de marzo a 5 de mayo 2019

Lugar: MAVI, José Victorino Lastarria número 307. Plaza Mulato Gil de Castro, Santiago Centro.

Metros cercanos: Estación Universidad Católica y Estación Bellas Artes.

Información general: +56 2 2638 3532 – info@mavi.cl

Horario: martes a domingo de 11:00 a 19:00 horas.

Entrada: $1.000 adultos | Entrada liberada todos los días para estudiantes, menores de 8 años y mayores de 60 años | Entrada liberada todos los domingos para público en general.

Imagen: Detalle Ilustración por Vicente Vargas

Address: Jose Victorino Lastarria 307. Mulato Gil de Castro Square, downtown Santiago.

Close by Subway Stations: Catholic University Station and Fine Arts Station.

General Information: +56 2 2638 3532 – info@mavi.cl

Hours: Tuesday through Sunday 11am until 7pm

Admission: $1,000 pesos adults / Free every day for students, children under 8 years old and seniors over 60 / Sundays free.

Picture: Detail of an illustration made by Vicente Vargas

ESPACIOS COMUNES EN TEMUCO

Exposiciones, Exposiciones Itinerantes

15 ENE – 7 MAR 2019 en sala Universidad Mayor Sede Temuco

Colección de Arte del MAVI en itinerancia con la exposición “Espacios Comunes”

Esta muestra de la Colección de Arte del MAVI propone establecer vínculos entre texto y obras, invitando a la exploración de una visión extendida del concepto de espacio, que ha sido analizado por múltiples disciplinas desde ángulos muy diversos que van desde lo teórico a lo práctico. Desde lo material a lo intangible.

  • Se incluirán obras de artistas como Santiago Aránguiz, Ernesto Banderas, José Basso, Rodrigo Cabezas, Andrés Durán, María Edwards, Ismael Frigerio, Laura Galaz, Matilde Huidobro, Gonzalo Ilabaca, Sergio Lay, Robinson Mora, Lorenzo Moya, Benito Rojo,  José Samith, Eugenio Téllez y Bernardita Vattier.

  El espacio ha sido considerado y determinado desde sus aspectos pictóricos, filosóficos, matemáticos, espirituales, geográficos, sociales y sicológicos.

  • Disciplinas como la escultura y la arquitectura han sido definidas como el arte de organizar el espacio. (Wöfflin).
  • Como concepto filosófico ya fue señalado por Aristóteles como aquello que es implicado por los cuerpos, o sea, el lugar que ocupan éstos, definición que se contrapone a la que hace Kant, que espacio y tiempo son únicamente formas de la intuición sensible. Newton nos acercó el concepto de espacio como sustancia inmaterial, inmóvil e infinita donde los objetos materiales flotan.
  • Desde la sicología, el espacio mental o perceptivo se crea en la medida en que los individuos lo perciben, imaginan y valoran, percepciones subjetivas que también condicionan la relación con el mismo.

“Espacios comunes reúne fenómenos relacionados con el espacio desde distintas perspectivas, ilustrándolos a través de obras de diferentes artistas, creando en conjunto una experiencia interactiva”, señala María Irene Alcalde, curadora del Museo de Artes Visuales.

Las obras que se exhibirán estarán bajo conceptos como agorafobia (miedo a los espacios abiertos), espacio biográfico (vínculo entre el paisaje y las emociones), espacio social (resultado de la apropiación del espacio físico y mental), espacios de memoria, espacio geográfico y espacio mental. Además, estará presente la visión newtoniana del espacio como sustancia inmaterial, inmóvil e infinita donde los objetos materiales flotan.

 

Fecha: 15 de enero a 7 de marzo 2019

Lugar: Sala de Arte Universidad Mayor, Avenida Alemania 0281, Temuco.

Imagen:Obra de Benito Rojo


 

QUÉ LEJOS ESTOY DEL SUELO DONDE HE NACIDO

Exposiciones

QUÉ LEJOS ESTOY DEL SUELO DONDE HE NACIDO

MIRADAS MIGRANTES EN LA COLECCIÓN DEL MAVI

 ENE-FEB 2019

Esta exposición estará en el MAVI desde el 5 de enero hasta el 10 de febrero. Plantea una reflexión en torno a la pregunta ¿Qué tan chileno es el arte chileno? Para ello se utilizará la Colección de Arte Contemporáneo chileno del museo bajo tres miradas diferentes: los artistas que llegaron, los que se fueron y las imágenes viajeras (citas).

Según la historiografía tradicional, el peruano José Gil de Castro marca el inicio de la pintura a principios del siglo XIX. Aunque tributaria de la pintura colonial, su producción constituye un material privilegiado sobre el proceso local de separación de la corona española.

En 1849, ya en plena República, la fundación de la Academia de Pintura será el primer gesto por construir un discurso visual oficial. Entre sus primeros directores y maestros encontramos italianos, alemanes, franceses y españoles.

Bastarían estos datos para entender que, desde sus inicios, nuestra historia visual acusa el influjo de artífices venidos desde otros países, posibilitando una perspectiva en que la migración se ofrece como una constante en el patrimonio cultural chileno.

Esta iniciativa que surge del área de educación del MAVI con la curatoría del historiador Rolando Báez y el diseño de Violeta Cereceda, busca mostrar mediante el arte contemporáneo, que la migración en Chile es un fenómeno que está lejos de ser algo nuevo. Más bien es un proceso que ha estado presente desde los inicios de la historia de nuestro país.

La muestra incluirá obras de José Balmes, Claudio Bravo, Roser Bru, Mario Carreño, Juan Dávila y Roberto Matta y actividades de extensión como un seminario, talleres de verano y una muestra gastronómica. Todas ellas estarán bajo la premisa de que no solo migraron las imágenes, sino también las personas.

 

RESEÑA SOBRE ROLANDO BÁEZ, CURADOR DE LA EXPOSICIÓN

Formado como historiador del arte por la Universidad de Chile, su trabajo se vincula principalmente con la gestión y administración patrimonial, específicamente en los campos de la cultura visual andina. Para ello ha realizado proyectos de inventario y catalogación de pinturas de los siglos XVI a XIX que se conservan en museos, iglesias y conventos en Santiago y regiones, así como exposiciones en que intenta cruzar este material visual con categorías de género, etnia y clase como “Para subir al cielo: la imagen colonial y popular en Chile” (2010), y “Vírgenes, mártires y santas mujeres: la imagen religiosa en la cultura visual chilena”, realizada en el Centro Cultural La Moneda en 2015. Se he desempeñado como curador del Museo La Merced y posteriormente en el Museo Histórico Nacional . Actualmente está a cargo de la implementación de un área de exhibiciones en el Archivo Nacional.

 

 

SO FAR FROM MY HOMELAND

EXHIBITION, MAVI COLLECTION

JAN|FEB 2019

How Chilean is Chilean art? According to traditional historiography, Peruvian painter José Gil de Castro marks the origin of painting in Chile at the start of the 19th century. Although a tributary of colonial painting, its creation constitutes privileged material regarding the local process of separation from the Spanish crown.

In 1849, well into the Republic, the founding of the Academy of Painting indicates the first move towards the creation of an official visual discourse. Italians, Germans, French and Spaniards were among the academy’s first directors and teachers.

This information should be enough to understand that, since its inception, our visual history denotes the influence of artisans from other countries, generating a perspective in which migration is shown as a constant in Chilean cultural heritage.

This idea continues in the production, use and circulation of painting during the 20th and 21st centuries. Advances in transportation and communications, as well as the traumatic economic and political events of our recent history, plus the need for artisans to explore new markets, have maximized the need for displacement, configuring the two key issues that are represented in the MAVI collections: on the one hand, those who arrive in this country at some point in their lives, integrating their work into the local art scene, and on the other hand, those born in Chile who for different reasons had the need to migrate, but have not completely severed ties to their country of origin.

These two forms of migration are the foundations for the exposition “How Far I Am From the Land in Which I was Born”.

 

Fecha: 5 de enero a 10 de febrero 2019

Lugar: MAVI, José Victorino Lastarria número 307. Plaza Mulato Gil de Castro, Santiago Centro.

Metros cercanos: Estación Universidad Católica y Estación Bellas Artes.

Información general: +56 2 2638 3532 – info@mavi.cl

Horario: martes a domingo de 11:00 a 19:00 horas.

Entrada: $1.000 adultos | Entrada liberada todos los días para estudiantes, menores de 8 años y mayores de 60 años | Entrada liberada todos los domingos para público en general.

Imagen: Detalle

CALENDARIO DE ACTIVIDADES

  • 8 – 11 de enero: Taller de verano para niños y niñas

Temática: La migración en un cuento

  • 15 – 18 de enero: Taller de verano para jóvenes

Temática: La migración de los fotógrafos que participaron en el golpe militar de 1973

  • 19 enero, 12:00 horas: Visita guiada a la exposición por su curador Rolando Báez
  • 22 – 25 de enero: Taller de verano para adultos mayores

Temática: La migración en la memoria

  • 26 de enero, 9.00 a 14.00 horas: Seminario “Museo, arte y migración”

Un espacio para los encuentros

  • 10 de  febrero: Muestra gastronómica por comunidad de mujeres migrantes.

 

Address: Jose Victorino Lastarria 307. Mulato Gil de Castro Square, downtown Santiago.

Close by Subway Stations: Catholic University Station and Fine Arts Station.

General Information: +56 2 2638 3532 – info@mavi.cl

Hours: Tuesday through Sunday 11am until 7pm

Admission: $1,000 pesos adults / Free every day for students, children under 8 years old and seniors over 60 / Sundays free.

Picture: Detail of a painting from José Balmes

CRONOMETRO

Exposiciones

DE DENISE LIRA-RATINOFF

ENE-FEB 2019

CRONOMETRO es una instalación, site-specific, bajo el concepto de One Moment Art. Cuenta con más de mil doscientos fardos de residuos sólidos destinados al reciclaje, montados de piso a techo sobre una estructura de vigas metálicas que forman un pasillo interior por donde camina cada persona que recorre la muestra.

 


En palabras de la artista:

CRONOMETRO, una instalación compuesta por fardos de residuos sólidos, instalados de piso a techo, delimitando un espacio en que solo queda un angosto pasillo por el que circula el espectador, un piso de acero altamente reflectante a modo de espejo, sintiendo el agobio de los residuos que lo rodean. Al seguir caminando, dentro de este laberinto de residuos, se encuentra con un vidrio que le cierra el paso, a través del cual se puede visualizar una fotografía de un glaciar, adosada a un muro negro. Bajo la fotografía del glaciar se encuentra un cronómetro digital que marca el paso del tiempo. El pulso, el palpitar de la constante amenaza. Todo esto escuchando en el ambiente el impactante y maravilloso sonido del canto de las ballenas.

Esta instalación, site-specific, se tiene que sentir, vivenciar, contemplar para aislarse en el silencio de la arquitectura, compuesta por los fardos de residuos como aislante de todo ruido, de tal modo que solo el sonido de las ballenas dialoga con el interior de cada ser humano.

UNA SINFONÍA DE DEVASTACIÓN.

Un mar de imágenes estará expuesto a modo de mirador donde la cascada de residuos sólidos cae como la manifestación de la fosa más profunda en el océano.

Desde la sala superior el espectador podrá visualizar, sintiendo la elevación de su propio cuerpo, este gran precipicio.

El silencio de los animales que sufren… ¿cómo podemos parar la destrucción?

La acumulación de ruido está cambiando todo el ecosistema bajo el agua.

Esta instalación concientiza y educa, con información sobre los océanos, su contaminación por residuos plásticos y la amenaza creciente que esto significa.

Este proyecto es un grito y una acción en defensa a nuestro planeta y de la vida de nuestros océanos, por lo tanto de nuestro presente y futuro. Partiendo desde el arte, quiere ser un alerta y un llamado a la acción para nuestra sociedad, respecto al creciente y alarmante problema de la contaminación.

La gran industria está llenando nuestro planeta de plástico, que en gran medida va a parar al océano, contaminando el agua y afectando la vida, desde organismos microscópicos hasta grandes mamíferos como las ballenas, y con ello a todos los ecosistemas del planeta. El cual está a su vez amenazado por el cambio climático y la deforestación, también originados por la actividad industrial.

C R O N O M E T R O quiere aportar haciendo visible el peligro que nos amenaza, ayudando a cambiar nuestros hábitos de consumo y exponiendo sobre la necesidad de disminuir la producción y uso de plásticos desechables, y cuidar nuestros océanos, tan importantes para la biodiversidad y equilibrio ecológico. Es una manifestación activa en defensa de una mejor vida y ambiente para el presente y futuro de la humanidad.

Nadie puede quedar indiferente ante las continuas muertes de animales marinos causadas por comer plástico, por la alteración de su ambiente y además la contaminación generalizada en los ecosistemas.

“El oído es la entrada del alma de una ballena.”

¡El tiempo es ahora!

Denise Lira-Ratinoff

Diciembre, 2018


 

SOBRE DENISE LIRA-RATINOFF

Denise Lira-Ratinoff explora las conexiones y relaciones entre humanidad y naturaleza a través de instalaciones que intentan establecer cercanía entre ambas. Su trabajo es una mezcla constante entre fotografía, video, sonidos, materiales orgánicos, residuos plásticos y un contacto directo con el espacio que busca despertar y experimentar cada uno de los sentidos. Ha expuesto en diversos países, como Chile, Perú, Cuba, Estados Unidos, Alemania, Suiza, entre otros. Sus trabajos están incluidos en colecciones públicas y privadas en América y Europa.

 

SOBRE ONE MOMENT ART

Hace ya cinco años que la plataforma de difusión de proyectos en artes visuales One Moment Art, dirigida por José Manuel Belmar, invita a creadores chilenos para exhibir sus piezas es espacios patrimoniales e instituciones artísticas.

En los espacios patrimoniales funcionan en formato pop-up, es decir, que en breve tiempo esas muestras aparecen y desaparecen. En las instituciones artísticas se quedan más tiempo. Así lo han hecho en reconocidos espacios artísticos como Matucana 100, GAM, Museo de Artes Decorativas, Museo Nacional de Bellas Artes, en el Centro Cultural Palacio La Moneda y en el mismo Centro Nacional de Arte Contemporáneo. Además, han mostrado lo que hacen fuera de Chile, en el Museo del Barrio de Nueva York y el Museo de Arte Contemporáneo de Lima.

 

 

CHRONOMETER

Exhibition by Denise Lira-Ratinoff

January 5th. – February 10th., 2019 in galleries 3 thru 6 at the MAVI (Museum of Visual Arts in Santiago, Chile)

 

CHRONOMETER is a site-specific installation under the One Moment Art concept.  It has more than twelve hundred bails of solid waste allocated for recycling, assembled from floor to ceiling on a structure of steel girders that form an interior corridor for each person who visits the exhibit.

 


In the artist’s words:

CHRONOMETER, an installation made by bails of solid waste, installed from floor to ceiling, demarcating a space with only a narrow hallway that the spectator visits, a highly reflective steel flooring emulating a mirror, feeling the suffocation of the waste that surrounds him. Continuing the walk within this labyrinth of waste that surrounds him he finds glass that ends the walk through which a photograph of a glacier attached to a black wall can be seen.

Under the glacier’s photograph there is a digital chronometer that indicates the passage of time. The pulse, the constant throb of time. The pulse, the constant throb of threat.  All of this being able to hear in the environment the striking chant of the whales.

This site-specific installation needs to be felt, experienced and contemplated in order to isolate oneself in the silence of the architecture, put together by the waste bails, in order to completely isolate any noise, so that the sound of the whales can dialogue with the inner-self of each human being.

A symphony in devastation.

A sea of images will be exhibited as a viewpoint, where a cascade of solid waste falls as a manifestation of the deepest fault in the ocean.

At the highest room the spectator will be able to visualize, feeling the elevation of his own body, this great precipice.

The silence of the animals that suffer…how can we stop the destruction?

The noise accumulation is completely changing the ecosystem underwater.

The installation creates awareness and educates with information regarding oceans, its contamination due to plastic waste and the growing threat that this signifies.

This project is a battle cry and an action to defend our planet and life in our oceans, therefore our present and our future.

Beginning with this fact, it hopes to be an alert and a call for action to our society regarding the growing and alarming problem of contamination.

The large industry is filling our planet with plastic that mostly goes to the oceans, contaminating the water and affecting life, from microscopic organisms to large mammals such as whales and with that said all the ecosystems in the planet.

This is already threatened by climate change and deforestation also originated by the industrial activity.

CHRONOMETER wants to contribute making the danger that threatens us visible, helping us in changing our consumption patterns and explaining the need to lessen the production and usage of disposable plastics and caring for our oceans, so important for the biodiversity and ecological balance. It is an active manifestation searching for a better life and environment for the present and future of mankind.

No-one can remain indifferent regarding the continuous death of marine animals caused by eating plastic, the alteration in their environment and in addition the generalized contamination in the ecosystems.

“The ear is the entry of the soul of a whale”.

The time is now !

Denise Lira-Ratinoff

December, 2018


 

ABOUT DENISE LIRA- RATINOFF

Denise Lira-Ratinoff explores the connections and relationships between humanity and nature through the installations that try to establish the closeness of the two. Her work is a continuos combination between photography, video, sound, organic materials, plastic waste and a direct contact with space in search of awakening and experimenting with each and every one of the senses. She has had exhibits in various countries such as Chile, Peru, Cuba, United States, Germany and Switzerland among others. Her works are held in private and public collections in the Americas and Europe.

 

ABOUT ONE MOMENT ART

It has already been five years since the platform for diffusion of projects in the visual arts directed by Jose Manuel Belmar started, inviting Chilean creators to exhibit their works in patrimonial spaces and artistic institutions.

In the patrimonial spaces they function in a  pop-up format, which is to say that in a short period of time they appear and disappear. In artistic institutions they remain for a longer period of time. This is the way that it has taken place in artistic spaces such as Matucana 100, GAM, Museum of Decorative Arts, National Museum of Fine Arts, Cultural Center of La Moneda Palace and at the National Center of Contemporary Art. In addition, they have shown what is done outside of

Chile at the Museo del Barrio in New York and at the Museum of Contemporary Art in Lima.

 

Explorando los extremos

El trabajo de la artista se apropia de lo que cada uno de nosotros sabe pero de alguna manera soslaya: el desasosiego angustioso que genera la destrucción de la naturaleza por el hombre, y específicamente de los océanos.

Mediante una puesta en escena vigorosa y dramática, Lira nos sumerge en un laberinto asfixiante que simula la falta de oxígeno y el encierro en este mar de plástico.

Construido con precisión obsesiva, el proyecto recrea el ímpetu de la artista, quien logra trasmitir su intranquilidad y desazón por la evidencia de la catástrofe solo a través de su fotografía y su instalación.

Los sonidos de las ballenas semejando incluso gemidos humanos, no hacen más que subrayar el contenido inquietante y a veces ambiguo de la muestra.

Mezcla entre denuncia y provocación crítica  la artista vuelca la intensidad que la ha llevado a recorrer hielos, arenas y aguas explorando el tema del ciclo de la vida, en la escenificación de su pesadumbre de tal manera que finalmente termina otorgando un valor estético tanto a residuos como a la catástrofe denunciada. La ambigüedad está dada entonces por esta doble lectura, donde se abre paso el impulso de vida desplegado para develarnos una hermosura insospechada dentro del clima sofocante del desastre ambiental.

La polaridad entre la silenciosa belleza de los paisajes intocados y el ruidoso acoso del hombre hacia la naturaleza quedan perfectamente evidenciados en esta rotunda instalación.

Esta buscadora ávida, ha registrado los paisajes naturales, adentrándose en lugares inhóspitos donde la supervivencia se hace dificultosa para el ser humano, explorando sus propios extremos.

Quizás eso es lo que podemos observar como subtexto en cada uno de sus trabajos, que se presentan como un gran work in  progress: Lira, como una gran superviviente, una y otra vez, opta por la vida en un giro dramático, sin concesiones ni para ella ni para el público.

Detrás de su quehacer incansable pareciera estar el apremio por no malgastar un minuto de la vida en este planeta.

María Irene Alcalde

Curadora del MAVI

 


Exploring the extremes

The artist’s work adapts itself in regards to what each one of us knows but somehow avoids the distressing destruction of nature that man generates and specifically of the oceans.

By means of a vigorous and dramatic production, Lira immerses us into an asphyxiating labyrinth that feigns the lack of oxygen and locks us into the ocean of plastic.

Built with obsessive precision, the project recreates the artist’s  force, who is able to convey her unease and her anxiety stemming from the evidence of the environmental disaster only through her photography and her installation.

The sounds of the whales resembling even human moans enforce the upsetting content and sometimes ambiguousness of the exhibit.

There is a combination between accusation and critical provocation where the artist conveys the intensity with which she has traveled through ice, sand and waters exploring the subjects of the cycles of life, in the staging of her grief in such a way, that she finally grants an aesthetic value both, to waste and to the revealed natural disaster.

This double interpretation expresses the ambiguity, where life’s impulse is shown in order to give us an unforeseen beauty within the suffocating climate of the environmental disaster.

The polarity between the silent beauty of the untouched landscapes and the relentless bombardment of man towards nature are impeccably shown in this forceful installation.

This avid hunter, has recorded natural landscapes, going deep into inhospitable sites where survival becomes fraught with difficulties for the human being, exploring its own extremes.

Maybe this is what we can explore as a subtext in each one of her works, that present themselves as a grand work in progress. Lira, as a great survivor, again and again, chooses life to have a dramatic turn, without any concessions for her or the public.

Behind her tireless work there seems to be an urgency for not waiting a minute of her life in this planet.

 

Maria Irene Alcalde

MAVI Curator

Instalación CRONOMETRO Diseño, Creación y Realización © Denise Lira-Ratinoff

Diseño y realización de montaje © Patricio Aguilar © CHILOE CINE

Maquetas virtuales © FOREVER CHILE

Registro fotográfico Instalación CRONOMETRO: © Jorge Brantmayer

Exposición Director Ejecutivo: José Manuel Belmar © One Moment Art

 

Fecha: 5 de enero a 10 de febrero 2019

Lugar: MAVI, José Victorino Lastarria número 307. Plaza Mulato Gil de Castro, Santiago Centro.

Metros cercanos: Estación Universidad Católica y Estación Bellas Artes.

Información general: +56 2 2638 3532 – info@mavi.cl

Horario: martes a domingo de 11:00 a 19:00 horas.

Entrada: $1.000 adultos | Entrada liberada todos los días para estudiantes, menores de 8 años y mayores de 60 años | Entrada liberada todos los domingos para público en general.

CHRONOMETER Installation, Design, Creation and Implementation © Denise Lira-Ratinoff

Design and Organization of the montage © Patricio Aguilar © CHILOE CINE

Virtual Layouts © FOREVER CHILE

Photography Registry Installation CHRONOMETER: © Jorge Brantmayer

Executive Exhibit Director: Jose Manuel Belmar © One Moment Art

MAVI – Visual Arts Museum

 

Address: Jose Victorino Lastarria 307. Mulato Gil de Castro Square, downtown Santiago.

Close by Subway Stations: Catholic University Station and Fine Arts Station.

General Information: +56 2 2638 3532 – info@mavi.cl

Hours: Tuesday through Sunday 11am until 7pm

Admission: $1,000 pesos adults / Free every day for students, children under 8 years old and seniors over 60 / Sundays free.

EXPOSICIÓN PERMANENTE: WENU PELON – PORTAL DE LUZ – PORTAL OF LIGHT

Exposiciones, MAS

Esta exposición se encuentra desde abril de 2015 en la Sala Museo Arqueológico de Santiago, al interior del Museo de Artes Visuales – MAVI. Superando conceptos oscurecidos por una visión hacia un pasado estático o un presente conflictivo, la muestra invita a apreciar parte de la tradición Mapuche y a comprenderla como una cultura viva.

Esta no es una muestra arqueológica de objetos inertes, sino de utensilios cotidianos y espirituales que están cargados de energía y de historia. Así lo vio Francisco Huichaqueo en el sueño que dio origen a este montaje y a la serie de piezas audiovisuales donde presenta varios aspectos de la cultura Mapuche y complementa los objetos en suspensión. De esa forma, invita a percibir desde el instinto espiritual antes que la razón.

 

Horario: martes a domingo, de 11:00 a 19:00 horas.

Ubicación: Interior del Museo de Artes Visuales – MAVI. Calle Lastarria 307, Santiago centro.

VISITAS GUIADAS SIN COSTO: CADA DOMINGO, DE 12:00 A 13:00 HORAS.

 

Existe un portal donde se conectan dos espacios distantes, es un túnel por donde viajan los objetos a reencontrarse con su sentido original.

Los objetos salen de nuestros campos, de nuestras casas, son de uso diario, pero también son nuestros objetos ceremoniales. Se dirigen ahora por el espacio hacia el resplandor del cielo, suben en forma de espiral hacia el portal de luz. Sacudiéndose el polvo dejan atrás las gavetas de conservación, las etiquetas de catalogación arqueológica desaparecen. Así, volando, agitan su energía para recobrar la condición de objetos vivos, portadores de sabiduría. Los activa nuestra energía, nuestra forma de ver y vivir el mundo hoy.

Se escuchan voces mientras los objetos se trasladan por el portal camino al Wenu Mapu, la Tierra del Cielo -no somos objetos de museo, somos una cultura viva-. Se ve una silueta, es un retrato familiar, un caballo reconoce el olor de un Kultrún, una rama de Föye /Canelo viaja por el agua del río hasta encontrar las manos de una Machi.

El proceso está en curso, ya se ha iniciado.

En este espacio y por un tiempo indefinido se elevará una rogativa día y noche. Cuando culmine el proceso nuestros objetos serán más livianos y habrán recuperado el secreto del por qué estamos acá.

El instinto espiritual antes que la razón.

Francisco Huichaqueo Pérez

Mis agradecimientos para todos quienes han formado parte de este importante proceso y en especial a: Lof Wente Wilkun Mapu, Daniel Melinao Melinao, Luis Melinao Melinao, Huenulef Melinao Montoya, Andrés Melinao Montoya, Teresa Montoya Levinao, Eliana Pulquillanca Nahuelpán, Norma Nahuel Cureo, Manuel Díaz Calfiú, Jorge Manzano, Silvia Kalfuman, Juana Paillalef, Héctor Mariano, María Huenuñir, María José Rojas, Pablo Brugnoli, Maria Irene Alcalde, Ana María Yaconi, Carlos Aldunate y Pilar Allende.

EL ARTISTA
Francisco Huichaqueo se tituló de pintura en la Universidad de Chile para luego proseguir estudios de Cine Documental en la Escuela de Cine de Chile. Ha trabajado en las curatorías de muestras de video arte, animación y cine experimental y se ha desempeñado como profesor en video experimental, animación digital, dibujo y color en distintas casas de estudios.

 

This exhibition has been held since April 2015 in the Archaeological Museum Room of Santiago, inside the Museum of Visual Arts – MAVI. Overcoming concepts obscured by a vision of a static past or a conflictive present, this exhibition invites us to appreciate part of the Mapuche tradition and understand it as a living culture.
This is not an archaeological exhibition of inert objects, but of daily and spiritual objects that are loaded with energy and history. This was how Francisco Huichaqueo saw it in the dream that gave rise to this exposition and to the series of audiovisual pieces where he presents several aspects of the Mapuche culture and complements the objects in suspension. In this way, he invites us to perceive from the spiritual instinct before reason.

 

La exposición WENU PELON se encuentra en una sala con materiales inclusivos (braille, maquetas táctiles y video en lengua de señas y audiodescriptor).

There is a portal where two distant spaces connect, it is a tunnel through which the objects travel to find their original meaning.

Objects come from our fields, from our homes, they are of daily use, but they are also our ceremonial objects. They are now heading through space into the glow of the sky, spiraling up into the portal of light. Shaking off the dust and leaving behind the conservation drawers, the archaeological cataloging tags disappear. Thus, flying, they channel their energy to recover the condition of living objects, carriers of wisdom. It activates our energy, our way of seeing and living the world today.

Voices are heard as objects move through the portal on their way to Wenu Mapu, the Land of Heaven – we are not museum objects, we are a living culture. A silhouette is seen, it is a familiar portrait, a horse recognizes the scent of a Kultrún, a branch of Föye / Canelo travels by the water of the river until finding the hands of a Machi.

The process is ongoing, it has already begun.

In this space and for an indefinite time a prayer will be raised day and night. When the process culminates, our objects will be lighter and they will have regained the secret of why we are here.

Spiritual instinct rather than reason.

Francisco Huichaqueo Pérez

My thanks to all who have been a part of this important process and especially to: Lof Wente Wilkun Mapu, Daniel Melinao Melinao, Luis Melinao Melinao, Huenulef Melinao Montoya, Andrés Melinao Montoya, Teresa Montoya Levinao, Eliana Pulquillanca Nahuelpán, Norma Nahuel Cureo, Manuel Díaz Calfiú, Jorge Manzano, Silvia Kalfuman, Juana Paillalef, Héctor Mariano, María Huenuñir, María José Rojas, Pablo Brugnoli, Maria Irene Alcalde, Ana María Yaconi, Carlos Aldunate and Pilar Allende.

The Artist

Francisco Huichaqueo graduated in painting at the University of Chile and then pursued studies of Documentary Film at the Chilean Film School. He has worked in the curatorial team of video art, animation and experimental cinema samples and has worked as a teacher in experimental video, digital animation, drawing and color in different educational institutions.

El AUTODIDACTA, LA PINTURA COMO UNA CONTRA IMAGEN

Exposiciones

DE ÁLVARO OYARZÚN

OCT – DIC 2018

Esta exposición de Álvaro Oyarzún, estará en el MAVI desde el 27 de octubre hasta el 23 de diciembre. Se fundamenta esencialmente en reafirmar y reconducir la práctica de la pintura como una experiencia de creación dentro de las artes visuales hoy en Chile, proponiendo una mirada crítica que reflexiona sobre lo real de una imagen pintada.

Es un trabajo que halla su fundamento en su propia “praxis”, en cuanto a experimentar e investigar en el propio campo de la pintura, interrogando y problematizando lo “real”, como lugar común que socialmente aúna y convoca.

“El Autodidacta”, que cuenta con la curatoría de Iván Godoy, propone una pintura que explora en el imaginario a través del rememorar. El autodidacta como indagador, experimentador y recolector del mundo visible es la figura de aquel que aprende solo, al descampado. Es el desarrollo y proceder de una particular mirada sobre lo que ocurre en un determinado “real”.

Estas imágenes pintadas identifican primeramente un autor, una figura que ejerce el oficio de la pintura y se declara autodidacta. Este autor posteriormente busca identificar un lugar, un territorio, un paisaje, un contexto que lo contenga y represente; el fragmento del cuerpo de un animal, el piso vacío de un edificio para oficinas, una serie de moluscos marinos, o la visión parcial de una carretera del sur de Chile.  Imágenes que en su diversidad y cantidad, hacen visible lo real de una pintura. La imagen pintada elabora interrogantes respecto de la representación, de la perdida de lo real y su sentido.  Más allá del lugar restrictivo de la imagen espectacular, banal e instantánea que sitúa a la pintura fuera de los discursos artísticos actuales, tal vez, de lo que se trate es de considerar la pintura como una “contra imagen”.

 


 

Álvaro Oyarzún Sardi ha realizado numerosas exposiciones en Chile, Francia, España, Alemania y Estados Unidos, entre otros países. La más reciente fue este año, con una obra in situ, en el marco de la muestra “Hard to Picture. A tribute to Ad Reinhardt”, en el Museo de Arte Moderno de Luxemburgo. Su obra se encuentra en colecciones privadas y museos de Chile, Francia y España. Y además, ha recibido varios premios y fondos, entre ellos el Fondart de Trayectoria Artística 2017, becas en Chile y Francia, además del Premio del Concurso Internacional de Pintura Vitry-sur Seine, de ese mismo país.

 

Logo Ministerio Cultura 1

Proyecto financiado por FONDART, asignación nacional, convocatoria 2017

THE AUTODIDACT, PAINTING AS A MIRROR IMAGE

This exhibition by Álvaro Oyarzún is essentially based on reaffirming and redirecting the practice of painting as a creation experience within the visual arts today in Chile, proposing a critical look that reflects on the reality of a painted image.

It is a work based on its own practice, in terms of experimenting and researching in the painting field, questioning and problematizing the “real”, as a common place that socially unites and summons.

“The Autodidact”, with Iván Godoy as curator, proposes a painting that explores into the imaginary through remembrance. The Autodidact as an inquirer, experimenter and collector of the visible world is the figure of who learns alone, in the open. It is the development and proceed from a different perspective about what happens in a certain “real”.

First these painted images identify an author, A “someone” who performs the art of painting and declares himself as a self-taught person. This author later seeks to identify a place, a territory, a landscape, a context that contains and represents him; the fragment of an animal body, the empty floor of an office building, a series of marine molluscs, or a partial vision of a southern Chilean road. Images that, in their diversity and quantity, make visible the real of a painting. The painted image brings with it questions about the representation, the loss of the real and its meaning. Beyond the restrictive place of the spectacular, banal and instant image, placing the painting outside the current artistic vision, perhaps, it’s about making the painting represent a “mirror image”.

Álvaro Oyarzún Sardi has made several exhibitions in Chile, France, Spain, Germany and the United States, among other countries. The most recent was this year, with a work on site, within the framework of the exhibition “Hard to Picture. A tribute to Ad Reinhardt “, at the Museum of Modern Art in Luxembourg. His work is in private collections and museums of Chile, France and Spain. In addition, he has received several awards and funds, including the Fondart of Artistic Career Path 2017, scholarships in Chile and France, as well as the Vitry-sur Seine International Painting Contest Prize, from that same country.