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EXPOSICIÓN PERMANENTE: WENU PELON – PORTAL DE LUZ – PORTAL OF LIGHT

Exposiciones, MAS

Esta exposición se encuentra desde abril de 2015 en la Sala Museo Arqueológico de Santiago, al interior del Museo de Artes Visuales – MAVI. Superando conceptos oscurecidos por una visión hacia un pasado estático o un presente conflictivo, la muestra invita a apreciar parte de la tradición Mapuche y a comprenderla como una cultura viva.

Esta no es una muestra arqueológica de objetos inertes, sino de utensilios cotidianos y espirituales que están cargados de energía y de historia. Así lo vio Francisco Huichaqueo en el sueño que dio origen a este montaje y a la serie de piezas audiovisuales donde presenta varios aspectos de la cultura Mapuche y complementa los objetos en suspensión. De esa forma, invita a percibir desde el instinto espiritual antes que la razón.

 

Horario: martes a domingo, de 11:00 a 19:00 horas.

Ubicación: Interior del Museo de Artes Visuales – MAVI. Calle Lastarria 307, Santiago centro.

VISITAS GUIADAS SIN COSTO: CADA DOMINGO, DE 12:00 A 13:00 HORAS.

 

Existe un portal donde se conectan dos espacios distantes, es un túnel por donde viajan los objetos a reencontrarse con su sentido original.

Los objetos salen de nuestros campos, de nuestras casas, son de uso diario, pero también son nuestros objetos ceremoniales. Se dirigen ahora por el espacio hacia el resplandor del cielo, suben en forma de espiral hacia el portal de luz. Sacudiéndose el polvo dejan atrás las gavetas de conservación, las etiquetas de catalogación arqueológica desaparecen. Así, volando, agitan su energía para recobrar la condición de objetos vivos, portadores de sabiduría. Los activa nuestra energía, nuestra forma de ver y vivir el mundo hoy.

Se escuchan voces mientras los objetos se trasladan por el portal camino al Wenu Mapu, la Tierra del Cielo -no somos objetos de museo, somos una cultura viva-. Se ve una silueta, es un retrato familiar, un caballo reconoce el olor de un Kultrún, una rama de Föye /Canelo viaja por el agua del río hasta encontrar las manos de una Machi.

El proceso está en curso, ya se ha iniciado.

En este espacio y por un tiempo indefinido se elevará una rogativa día y noche. Cuando culmine el proceso nuestros objetos serán más livianos y habrán recuperado el secreto del por qué estamos acá.

El instinto espiritual antes que la razón.

Francisco Huichaqueo Pérez

Mis agradecimientos para todos quienes han formado parte de este importante proceso y en especial a: Lof Wente Wilkun Mapu, Daniel Melinao Melinao, Luis Melinao Melinao, Huenulef Melinao Montoya, Andrés Melinao Montoya, Teresa Montoya Levinao, Eliana Pulquillanca Nahuelpán, Norma Nahuel Cureo, Manuel Díaz Calfiú, Jorge Manzano, Silvia Kalfuman, Juana Paillalef, Héctor Mariano, María Huenuñir, María José Rojas, Pablo Brugnoli, Maria Irene Alcalde, Ana María Yaconi, Carlos Aldunate y Pilar Allende.

EL ARTISTA
Francisco Huichaqueo se tituló de pintura en la Universidad de Chile para luego proseguir estudios de Cine Documental en la Escuela de Cine de Chile. Ha trabajado en las curatorías de muestras de video arte, animación y cine experimental y se ha desempeñado como profesor en video experimental, animación digital, dibujo y color en distintas casas de estudios.

 

This exhibition has been held since April 2015 in the Archaeological Museum Room of Santiago, inside the Museum of Visual Arts – MAVI. Overcoming concepts obscured by a vision of a static past or a conflictive present, this exhibition invites us to appreciate part of the Mapuche tradition and understand it as a living culture.
This is not an archaeological exhibition of inert objects, but of daily and spiritual objects that are loaded with energy and history. This was how Francisco Huichaqueo saw it in the dream that gave rise to this exposition and to the series of audiovisual pieces where he presents several aspects of the Mapuche culture and complements the objects in suspension. In this way, he invites us to perceive from the spiritual instinct before reason.

 

La exposición WENU PELON se encuentra en una sala con materiales inclusivos (braille, maquetas táctiles y video en lengua de señas y audiodescriptor).

There is a portal where two distant spaces connect, it is a tunnel through which the objects travel to find their original meaning.

Objects come from our fields, from our homes, they are of daily use, but they are also our ceremonial objects. They are now heading through space into the glow of the sky, spiraling up into the portal of light. Shaking off the dust and leaving behind the conservation drawers, the archaeological cataloging tags disappear. Thus, flying, they channel their energy to recover the condition of living objects, carriers of wisdom. It activates our energy, our way of seeing and living the world today.

Voices are heard as objects move through the portal on their way to Wenu Mapu, the Land of Heaven – we are not museum objects, we are a living culture. A silhouette is seen, it is a familiar portrait, a horse recognizes the scent of a Kultrún, a branch of Föye / Canelo travels by the water of the river until finding the hands of a Machi.

The process is ongoing, it has already begun.

In this space and for an indefinite time a prayer will be raised day and night. When the process culminates, our objects will be lighter and they will have regained the secret of why we are here.

Spiritual instinct rather than reason.

Francisco Huichaqueo Pérez

My thanks to all who have been a part of this important process and especially to: Lof Wente Wilkun Mapu, Daniel Melinao Melinao, Luis Melinao Melinao, Huenulef Melinao Montoya, Andrés Melinao Montoya, Teresa Montoya Levinao, Eliana Pulquillanca Nahuelpán, Norma Nahuel Cureo, Manuel Díaz Calfiú, Jorge Manzano, Silvia Kalfuman, Juana Paillalef, Héctor Mariano, María Huenuñir, María José Rojas, Pablo Brugnoli, Maria Irene Alcalde, Ana María Yaconi, Carlos Aldunate and Pilar Allende.

The Artist

Francisco Huichaqueo graduated in painting at the University of Chile and then pursued studies of Documentary Film at the Chilean Film School. He has worked in the curatorial team of video art, animation and experimental cinema samples and has worked as a teacher in experimental video, digital animation, drawing and color in different educational institutions.

El AUTODIDACTA, LA PINTURA COMO UNA CONTRA IMAGEN

Exposiciones

DE ÁLVARO OYARZÚN

OCT – DIC 2018

Esta exposición de Álvaro Oyarzún, estará en el MAVI desde el 27 de octubre hasta el 23 de diciembre. Se fundamenta esencialmente en reafirmar y reconducir la práctica de la pintura como una experiencia de creación dentro de las artes visuales hoy en Chile, proponiendo una mirada crítica que reflexiona sobre lo real de una imagen pintada.

Es un trabajo que halla su fundamento en su propia “praxis”, en cuanto a experimentar e investigar en el propio campo de la pintura, interrogando y problematizando lo “real”, como lugar común que socialmente aúna y convoca.

“El Autodidacta”, que cuenta con la curatoría de Iván Godoy, propone una pintura que explora en el imaginario a través del rememorar. El autodidacta como indagador, experimentador y recolector del mundo visible es la figura de aquel que aprende solo, al descampado. Es el desarrollo y proceder de una particular mirada sobre lo que ocurre en un determinado “real”.

Estas imágenes pintadas identifican primeramente un autor, una figura que ejerce el oficio de la pintura y se declara autodidacta. Este autor posteriormente busca identificar un lugar, un territorio, un paisaje, un contexto que lo contenga y represente; el fragmento del cuerpo de un animal, el piso vacío de un edificio para oficinas, una serie de moluscos marinos, o la visión parcial de una carretera del sur de Chile.  Imágenes que en su diversidad y cantidad, hacen visible lo real de una pintura. La imagen pintada elabora interrogantes respecto de la representación, de la perdida de lo real y su sentido.  Más allá del lugar restrictivo de la imagen espectacular, banal e instantánea que sitúa a la pintura fuera de los discursos artísticos actuales, tal vez, de lo que se trate es de considerar la pintura como una “contra imagen”.

 


 

Álvaro Oyarzún Sardi ha realizado numerosas exposiciones en Chile, Francia, España, Alemania y Estados Unidos, entre otros países. La más reciente fue este año, con una obra in situ, en el marco de la muestra “Hard to Picture. A tribute to Ad Reinhardt”, en el Museo de Arte Moderno de Luxemburgo. Su obra se encuentra en colecciones privadas y museos de Chile, Francia y España. Y además, ha recibido varios premios y fondos, entre ellos el Fondart de Trayectoria Artística 2017, becas en Chile y Francia, además del Premio del Concurso Internacional de Pintura Vitry-sur Seine, de ese mismo país.

 

Logo Ministerio Cultura 1

Proyecto financiado por FONDART, asignación nacional, convocatoria 2017

THE AUTODIDACT, PAINTING AS A MIRROR IMAGE

This exhibition by Álvaro Oyarzún is essentially based on reaffirming and redirecting the practice of painting as a creation experience within the visual arts today in Chile, proposing a critical look that reflects on the reality of a painted image.

It is a work based on its own practice, in terms of experimenting and researching in the painting field, questioning and problematizing the “real”, as a common place that socially unites and summons.

“The Autodidact”, with Iván Godoy as curator, proposes a painting that explores into the imaginary through remembrance. The Autodidact as an inquirer, experimenter and collector of the visible world is the figure of who learns alone, in the open. It is the development and proceed from a different perspective about what happens in a certain “real”.

First these painted images identify an author, A “someone” who performs the art of painting and declares himself as a self-taught person. This author later seeks to identify a place, a territory, a landscape, a context that contains and represents him; the fragment of an animal body, the empty floor of an office building, a series of marine molluscs, or a partial vision of a southern Chilean road. Images that, in their diversity and quantity, make visible the real of a painting. The painted image brings with it questions about the representation, the loss of the real and its meaning. Beyond the restrictive place of the spectacular, banal and instant image, placing the painting outside the current artistic vision, perhaps, it’s about making the painting represent a “mirror image”.

Álvaro Oyarzún Sardi has made several exhibitions in Chile, France, Spain, Germany and the United States, among other countries. The most recent was this year, with a work on site, within the framework of the exhibition “Hard to Picture. A tribute to Ad Reinhardt “, at the Museum of Modern Art in Luxembourg. His work is in private collections and museums of Chile, France and Spain. In addition, he has received several awards and funds, including the Fondart of Artistic Career Path 2017, scholarships in Chile and France, as well as the Vitry-sur Seine International Painting Contest Prize, from that same country.

NÚMERO ESPECIAL 2 COLECCIÓN MAVI

en Mavi, Exposiciones

N°2 Fotografía de Enrique Zamudio y Mario Fonseca

SEP – NOV 2018

Desde el jueves 27 de septiembre al domingo 16 de noviembre, se instala en el Museo de Artes Visuales la segunda exposición “Número Especial Colección MAVI”.

Este montaje consiste en una exposición que aborda un número acotado de obras y artistas de la Colección de Arte Contemporáneo del Museo de Artes Visuales – MAVI. De esta manera, se presenta la posibilidad de conocer esta vasta colección de una manera detallada y específica.

La Colección MAVI es explorada esta vez desde las técnicas que proveen los procesos fotográficos. Hemos elegido la obra de dos artistas, Mario Fonseca y Enrique Zamudio, quienes trabajan con la fotografía como base de su obra.

Fonseca realiza un ejercicio de travestismo de donde su cara es trocada por la de un personaje público, mutando hacia diferentes personalidades. Subyace en esta obra el concepto de transformación, de pérdida y apropiación, utilizando para ello el recurso que entrega la fotografía.

Zamudio, por otra parte, traslada imágenes a la tela mediante una técnica fotográfica, las que luego interviene aprovechando sus claroscuros e intensificando el efecto con la superposición de capas pictóricas. En las obras presentadas, el artista rescata hechos e imágenes de la ciudad de Santiago, en una especie de recuperación de la memoria histórica.


Sobre los artistas

 

MARIO FONSECA (Lima, 1948)

Artista visual, escritor, crítico de arte, curador independiente, editor y diseñador nacido en 1948 en Lima, Perú, de nacionalidad chilena y residente en Chile desde 1966. Estudió Arte en la Universidad Católica de Chile y obtuvo posteriormente su licenciatura en Artes Visuales en la Universidad Finis Terrae.

Ha participado en exposiciones colectivas en las galerías Animal, Artespacio, La Sala, Patricia Ready, universidades Católica de Santiago y de Temuco, Fundación Telefónica, Matucana 100, y los museos de Arte Contemporáneo, Nacional de Bellas Artes, de Artes Visuales y de Arte Moderno de Chiloé, que poseen además obras suyas en sus colecciones. En el plano internacional, ha integrado también muestras colectivas en Argentina, Bélgica, Francia, Canadá, Ecuador e Italia.

 

ENRIQUE ZAMUDIO (Santiago, 1955)

Artista Visual y Máster en Artes Digitales. Inicia su educación universitaria en la Facultad de Artes de la Universidad de Chile donde, en 1979, obtiene la mención en fotografía. Su obra postula una constante experimentación entre la pintura, la gráfica y la fotografía, traspasando así los límites y conceptos tradicionales del lenguaje plástico.

Ha obtenido becas y financiamientos en proyectos de creación artística e investigación y su trabajo está reseñado en importante bibliografía de los últimos veinte años de arte en Chile. En la actualidad, desarrolla investigación artística en torno a imagen digital y estereoscópica 3D y arte sonoro con tecnologías interactivas. Ha expuesto individualmente y en muestras colectivas, integrado selecciones de Bienales internacionales, concursos y salones.

 

Fecha: 27 de septiembre a 16 de noviembre 2018

Lugar: MAVI, calle José Victorino Lastarria #307

Metros cercanos: Metro Universidad Católica (línea 1) y Metro Bellas Artes (línea 5).

Imagen: Obra de Enrique Zamudio.

SEGUIDORES DEL DILUVIO

Exposiciones

DE CRISTÓBAL CEA

SEP – NOV 2018

El proyecto “Seguidores del Diluvio”, de Cristóbal Cea, surgió de una práctica habitual en su labor como artista durante el último tiempo: observar noticias. Observar, no mirar. Reparar en lo que estas imágenes tienen en común. Esta muestra individual se expondrá en la Sala 2 del MAVI, desde el 27 de septiembre al 16 de noviembre.

Durante los últimos tres años, este artista, que obtuvo el primer lugar del Premio MAVI / BHP de Arte Joven Contemporáneo 2016, ha recopilado noticias sobre inundaciones: eventos climáticos cuya recurrencia problematiza la narrativa noticiosa tradicional.

Hoy, gracias a internet y los medios globales de comunicación, resulta más fácil que nunca darse cuenta de que existen inundaciones prácticamente todos los días del año: lo que nos fuerza a preguntarnos por la globalidad de este tipo de eventos y – en un sentido más amplio -, qué es exactamente una catástrofe en una cultura globalizada, y cómo habría de narrarse.

El playlist inabarcable de noticias sobre inundaciones a nivel global compilado a partir del 2015 se confunde con recreaciones digitales. Sus anónimos protagonistas convertidos en fantasmas, el agua devenida en simulaciones, todo compartiendo el espacio de exhibición con pequeños youtubers sedientos de atención y la reconstrucción tridimensional de un niño, el propio artista, intentando recordar lo que era ser prepubescente en Chile a comienzos de los 90. Donde en un extendido momento de transición, confundió como en un torrente la visita del Papa y el Cometa Halley, la llegada de la comida rápida, la dictadura, el plebiscito y la marea de consumo que definió nuestro retorno a la democracia.

Finalmente, “Seguidores del Diluvio” es una muestra que a partir de estas interrogantes propone una reflexión sobre el olvido, la memoria, y la posibilidad de habitar la distancia que existe entre lo subjetivo y fenómenos climáticos y sociales (ambos globales) que parecen reflejarse entre sí.

Cristobal Cea’s project “Flood Followers” project arose from a habit he turned into an artistic practice some years ago: Instead of just watching the news, he began archiving, observing and analysing news, taking time to investigate what all of these images hace in common.

Winner of the 2016 MAVI/BHP Contemporary Art Award, Cea has for years compiled news footage about floods, climatic events whose recurrence put the traditional news narrative in crisis.

Today, thanks to the Internet and global communications, it is easier than ever to notice that floods happen practically every day of the year. It forces us to consider the global nature of these types of events and in a wider sense, forces us to wonder about what constitutes a catastrophe in this new global context and how it should be narrated.

An unfathomable playlist of news about floods compiled since 2015, mixed with digital recreations. Anonymous protagonists turned into ghosts, water transformed into digital simulations, all of this sharing the exhibition space with tiny Youtubers, thirsty for attention. We behold the digital reconstruction of a child (the artist himself) trying to remember what it was like to be a teenager in Chile in the early 1990´s. During an extended moment of transition where he conflated elements like the visit of the Halley comet and the Pope, the arrival of fast food, the dictatorship, the referendum and the flood of consumption that defined our return to democracy.

“Flood Followers” is an exhibition based on these questions, and suggests thinking about memory, oblivion and the possibility of inhabiting the distance that divides subjective experience from climatic and social events, that appear to mirror one another on a global scale.

Fecha: 27 de septiembre a 16 de noviembre 2018

Lugar: MAVI, calle José Victorino Lastarria #307

Metros cercanos: Metro Universidad Católica (línea 1) y Metro Bellas Artes (línea 5).

Imagen: “Joven en Miami” de Cristóbal Cea. Fotograma video con reinterpretaciones en 3D de noticias sobre inundaciones entre 2015 y 2018.

Cristóbal Cea es un artista cuyo trabajo se enfoca en las relaciones entre tecnología y afecto. Obtuvo el primer lugar del Premio MAVI / BHP de Arte Joven Contemporáneo 2016. Actualmente, está desarrollando una serie de proyectos videográficos donde conjuga animación 3D y noticias encontradas, para profundizar en la noción de distancia entre testigo, espectador y evento noticioso. Es profesor de Artes Mediales en la Universidad Católica de Chile y en el Programa de VideoJuegos de la Universidad Andrés Bello. Su trabajo se ha presentado tanto en Chile como Estados Unidos, Holanda, Francia, Bélgica, Austria y China.

Su obra ha sido exhibida en Santiago de Chile mediante exposiciones como “Glorias” (Galería NAC), XIII Bienal de Artes Mediales (Museo Nacional de Bellas Artes), “Agosto 2026” (Galería Concreta), “La Necesidad” (Galería Animal). También en la ciudad de Nueva York a través de muestras y screenings como “YES” (Microscope Gallery), “Ghosts of Transgression” (67 Ludlow), “Up For Debate” (BRIC Arts Media), y en otras ciudades de Estados Unidos como Wisconsin, con “Radical Invention” (John Michael Kohler Arts Center) y Detroit con “Trickle Down Electronics” en Cave Space. Su obra ha estado también en Europa y Asia, en Ars Electronica (Linz, Austria), “Grensgebieden” (CBK Emmen, Holanda) y la 798 Beijing Biennale (Beijing, China), entre otros.

EXPOSICIÓN XIII PREMIO ARTE JOVEN

Exposiciones

XIII Exposición Arte Joven

El sábado 18 de agosto se realizó la ceremonia de premiación y, al mismo tiempo, la inauguración de la XIII Exposición Arte Joven en el Museo de Artes Visuales (MAVI). Esta muestra reúne las obras seleccionadas en el XIII Premio MAVI / BHP Minera Escondida Arte Joven Contemporáneo y estará abierta hasta el 20 de octubre en el museo de Barrio Lastarria.

 


El MAVI (Museo de Artes Visuales) y BHP Minera Escondida han trabajado en alianza desde 2006 con el objetivo de apoyar nuevos talentos de las artes visuales. A partir su creación, el Premio ha sido una plataforma que muestra el estado del arte joven en el medio nacional.

 

  • Esta exposición es un espacio para visibilizar y difundir el trabajo de artistas emergentes chilenos y también un escenario para proyectar sus obras en el medio profesional de las artes visuales. La muestra reúne a notables creadores, que son observados atentamente por galerías y expertos del sector debido a la validación que este Premio otorga a cada uno de los seleccionados.

 

  • La invitación a participar se extendió a creadores nacionales, de 18 a 35 años de edad, que presentaron obras inéditas. El primer premio consiste en 3 millones de pesos más una exposición individual en el MAVI y el ingreso de una obra a la Colección MAVI. Además, se entregan reconocimientos al segundo y tercer lugar, así como a menciones honrosas, y se difunden los trabajos seleccionados mediante una exposición colectiva.

 

El jurado fue integrado por María Irene Alcalde, curadora del Museo de Artes Visuales; Paula Honorato, curadora del Museo Nacional de Bellas Artes; Paula Salas, ganadora del Premio Arte Joven 2008, Licenciada en Arte y docente de la Universidad Católica; Raimundo Edwards, co-ganador del Premio Arte Joven 2009, Licenciado en Arte y docente de la Universidad Finis Terrae; e Ian Cofré, curador independiente radicado en Nueva York que vino a Chile especialmente a participar en el proceso de selección del Premio.

 

A la selección del jurado, que preseleccionó alrededor de 50 obras y determinó los primeros lugares y menciones honrosas, se sumó la votación de quienes visitaron el montaje preliminar para entregar el Premio del Público. Los y las artistas premiados son:

 

Primer lugar: LAURA GALAZ FUENTEALBA

Obra: Señal de progreso

Técnica mixta. 218 cm alto, 15 cm profundidad, 90 cm de ancho.

 

Segundo lugar: CAROLINA MUÑOZ CANCINO

Obra: Bosque Muerto

Óleo sobre tela, madera y acrílico. 1º: 112×194 cm. 2º: 30x19x5 cm

 

Tercer lugar: SAMUEL DOMÍNGUEZ ZEGERS

Obra: La Casa de Alúclito

Video. 218×75 cm

 

1º Mención honrosa: SEBASTIÁN ZARHI DACCARETT

Obra: Nunca se llega tan rápido

Tela, hilo de algodón y clavos. 270 x 150 cm

 

2º Mención honrosa: SIMÓN SEPÚLVEDA BRAITHWAITE

Obra: Paisaje migrante 4

Textil Jacqard Woven. 2 telares de 200 x 140 cms cada uno, total obra 200 x 280 cm

 

Mención honrosa regiones distintas a la Metropolitana: DANILA ILABACA ARGANDOÑA

Obra: Tercer Ensayo Nuclear

Collage. 100 x 67 cm

 

Premio del Público: ROERY HERRERA

Obra: No te dejes desanimar

Instalación. 170 x 60 cm

 

Fechas:

Desde el 18 de agosto al 20 de octubre 2018.

 

Horario:

Martes a domingo, de 11:00 a 19:00 horas.

 

Lugar:

Calle José Victorino Lastarria 307, Plaza Mulato Gil, Santiago centro.

  • Estaciones de metro cercanas: Universidad Católica (línea 1) y Bellas Artes (línea 5).
  • Bicicletero frente a entrada de Plaza Mulato Gil y estacionamientos pagados en calles Merced 317, Monjitas 330 y Lastarria 70.
  • El museo cuenta con ascensor, acceso para sillas de ruedas y guardarropía.

HAWKER HUNTER

Exposiciones, Exposiciones Itinerantes

A propósito de la no exhibición de la obra de Cristobal Cea en Correos de Chile, Antofagasta.

Por María Irene Alcalde, curadora del Museo de Artes Visuales MAVI


JUL 2018

Miro el video que conforma la obra de Cea, leo su texto y hago el ejercicio de imaginar lo que se consideró incómodo y provocó que se tratara de impedir que otros lo vieran. No puedo dejar de sentir una cierta complacencia al constatar que esto ha consagrado la obra de Cea en dos ámbitos. Por una parte, existirá mucho más curiosidad por ver lo que no estaría permitido y por otra parte cumple una de las funciones principales del arte contemporáneo cual es la de provocar la reflexión.

En la obra mencionada Hawker Haunted, que desde su nombre declara un guiño travieso, el artista opera con un icono muy cargado de significados ambivalentes, estimulando la imaginación y sugiriendo al espectador un vistazo más allá de lo evidente. La obra puede leerse desde múltiples lugares, que implican una pasada por las creencias e ideas de cada espectador.

De eso se trata el arte contemporáneo. De prestar atención a un lenguaje que la mayoría de las veces es solo visual, por lo tanto, distinto a lo que estamos habituados, un lenguaje personal que establece relaciones donde no las había, que estimula a abrir diálogos, a preguntarse, a reflexionar en conjunto, pero sobre todo a tender puentes hacia otras realidades quizás inimaginadas por nosotros pero sí por el artista.

Las personas que tenemos contacto con la producción artística sabemos el privilegio que significa adentrarse en una forma de observar el mundo diferente a la que estábamos acostumbrados, abrir la mente a propuestas que gracias al lenguaje del arte, podemos concebirlas, masticarlas y madurarlas. Operaciones a las que de otra forma nos resultaría difícil acceder y que nos permiten ampliar nuestro horizonte.

Creo que esa es la propuesta de Cea; permitir una forma de reflexión desde la visualidad, que ayude a establecer nexos, conexiones, puentes para rescatar de la conciencia un nuevo punto de vista que nos sugiere un acercamiento hacia algo que quizás no habíamos notado. Sin estridencias, con introspección, con sutileza, incluso con un gesto de humor.

La invitación es a observar que la realidad tiene muchas caras y si alguna de ellas no se ajusta exactamente a lo que pensamos, no nos convirtamos en jueces que establezcamos lo que es bueno y lo que es malo, lo que se puede decir y lo que no. No mutilemos nuestras posibilidades, sino que busquemos expandirlas.

Si censuramos al arte contemporáneo, censuramos una parte de la libre expresión; la libertad del arte es la libertad de todos nosotros.

Fechas: Desde 20 de julio 2018

Lugar: Hall central de Biblioteca Regional de Antofagasta (calle Jorge Washington 2623)


En el marco del Festival de Arte Contemporáneo de Antofagasta SACO, Correos de Chile de Antofagasta no aceptó la obra “Hawker Hunter” de Cristóbal Cea. La empresa expresó que dentro de sus instalaciones no se pueden exhibir expresiones que tengan alguna connotación política que pueda herir susceptibilidades de alguno de sus usuarios.

La obra de Cea fue la ganadora del Concurso de Arte Joven de MAVI y por eso está exponiendo en SACO. En ella, se incluye a un Hawker Hunter, perteneciente a la línea de aviones de caza británicos diseñados entre los años 50 y 60. El modelo fue usado en el bombardeo a La Moneda en el Golpe de Estado del 1973

 

Más información: proyectosaco.cl

Imagen: Detalle de video “Hawker Hunter” de Cristóbal Cea.

UN HOMBRE QUE CAMINA

Exposiciones

DE ENRIQUE RAMÍREZ

JUL – SEP 2018

Enrique Ramírez presentará el proyecto “Un hombre que camina”, donde mostrará una instalación fílmica elaborada en el Salar de Uyuni, ubicado a 4200 metros de altura en Bolivia. Ocupará las salas 1 y 2 del MAVI entre el 7 de julio y el 16 de septiembre de 2018.

Esta obra se origina en 2009 cuando Pascale Pronnier, curadora del Estudio Nacional de Arte Contemporáneo Le Fresnoy, y Philipphe Massardier, director del Centro de Producción y Difusión de Artes Visuales Lab labanque, lo invitaron a realizar un proyecto para Béthune, como Capital Regional de la Cultura de 2011. Mientras pensaba en esto ocurrió el terremoto del 2010 en Chile. Desde entonces, este artista que vive y trabaja entre Chile y Francia, no ha podido dejar de pensar en la idea del viaje y la muerte.

Un bailarín de la Región de Antofagasta personifica al diablo del altiplano. Ha participado en diversas ceremonias populares y toda su vida ha caminado por la pampa, dejando su huella en parajes desérticos e infinitos. El personaje del diablo nortino nació en la época de la Conquista española y en un comienzo no sólo era la representación cristiana del mal sino que era una sátira del conquistador. A su vez, la diablada representaba la rebeldía del mitayo minero, que disfrazado de diablo exteriorizaba, mediante la danza, la rabia contra sus opresores y su ansia de libertad y lucha.

Luego de un viaje difícil, filmaron a este personaje que camina para no ir a ningún lugar. “Pienso que quería hacer un viaje sin horizonte, en donde el agua y el cielo fueran lo mismo, un viaje plagado de nada, un viaje auténtico, respetando las historias del altiplano, del norte chileno-boliviano, cargado de señales e imaginarios, para muchos ridículos, para otros reales, evidentes, auténticos, únicos”, explica el artista.

En su trabajo, Ramírez combina el video, la fotografía, las instalaciones y las narraciones poéticas. Él aprecia las historias dentro de historias, las ficciones solapando países y épocas, el espejismo entre el sueño y la realidad. Respecto de esta muestra en particular, Ramírez señala que tiene una dedicatoria: “Este proyecto está dedicado a todos aquellos que caminan, que caminan con la imaginación, que viajan sin moverse, a aquellos que sueñan y mueven sus ojos a través de cada imagen, a aquellos que están entre nosotros, muchas veces invisibles, caminado a nuestro lado”.

 

ENRIQUE RAMÍREZ (1979, Santiago) estudió música popular y cine en Chile antes de hacer el Posgrado en Arte Contemporáneo y Nuevos Medios de Le Fresnoy del Studio National des Arts Contemporains (Tourcoing, Francia). En 2014 ganó el Premio Découverte des Amis du Palais de Tokyo, en París. Desde entonces ha expuesto en  Le Palais de Tokyo, Centro Pompidou,  Espace Culturel Louis Vuitton y Le Grand Café, Saint-Nazaire. En América Latina ha presentado sus obras en el Museo Amparo, Puebla, México; Museo de la Memoria, Santiago; y Centro Cultural Matta, Embajada de Chile en Argentina. En 2017, la obra de Enrique Ramírez es exhibida en la exposición internacional de la Biennale di Venezia “Arte Viva Arte”, curada por Christine Macel. Debido a que “El hombre que camina” es un proyecto que continúa en proceso, en el MAVI ya presentará una nueva forma.

 

“Un Hombre que camina – a symphony of sea and open sky filmed in the salt pans of the sacred landscape of Chile. Dressed in a shamanic mask a man pulls behind him, through briny ankle-deep water, a raft of floating suits towards the distant sun, followed by a traditional South American brass band. Mesmeric and powerful this work illustrates how ritual and art can both give meaning to life and death”.

Sue Hubbard, Elephant Magazine. 19 May 2017

Fechas:

Desde el 7 de julio al 16 de septiembre.

Horario: Martes a domingo, de 11:00 a 19:00 horas.

Lugar:

Calle José Victorino Lastarria 307, Plaza Mulato Gil, Santiago centro.

  • Estaciones de metro cercanas: Universidad Católica (línea 1) y Bellas Artes (línea 5).
  • Bicicletero frente a entrada de Plaza Mulato Gil y estacionamientos pagados en calles Merced 317, Monjitas 330 y Lastarria 70.
  • El museo cuenta con ascensor, acceso para sillas de ruedas y guardarropía.

Imagen: “Un hombre que camina” (2011) de Enrique Ramírez. Fotografía film 6×7. Impresión lambda 120 x 95 cm. Cortesía de Galería Die Ecke, Santiago.

CLAVE AZUL: COLECCIÓN MAVI EN CALLE LARGA

Exposiciones, Exposiciones Itinerantes

MUESTRA ITINERANTE DE LA COLECCIÓN DE ARTE DEL MAVI

JUN – JUL

La exposición itinerante CLAVE AZUL: COLECCIÓN MAVI se traslada al Centro Cultural Pedro Aguirre Cerda de Calle Larga, Provincia de los Andes desde el 11 de junio al 30 de julio 2018, exhibición que estuvo anteriormente en Centro Cultural de los Andes.

Es una selección de obras de la Colección MAVI, en donde la curatoría se ha centrado en dialogar con la diversidad cultural, buscando obras y artistas del acervo cultural del museo que hagan sentido a la comunidad de Los Andes.

“Clave azul es el nombre que se usa como alarma activada al interior de un centro de salud, para acudir donde ocurre una emergencia que ponga en peligro la vida de un paciente. Clave azul usado como metáfora, es la alarma para acudir a la memoria, como emergencia para construir nuestro futuro desde nuestro patrimonio” (Paula Caballería Aguilera, directora de Educación e Inclusión del MAVI).

La muestra cuenta con obras de: Conchita Balmes, Guillermo Frommer, Pancha Nuñez, Gregorio Papic, Valentina Cruz, Marcela Trujillo, Palolo, Lorenzo Moya, Ruperto Cadiz, Sebastián Garretón y Oscar Barra.

Entrada liberada.

Fechas: Desde el 11 de junio al 30 de julio 2018

Horario: Martes a Viernes: 10:00 a 13:30 horas. – 15.00 a 17.00 horas

Sábado y Domingo: 15:00 a 19:00 horas.

Lugar: Centro Cultural de Pedro Aguirre Cerda, Avenida Pedro Aguirre Cerda s/n sector Pocuro, Calle Larga, Provincia de Los Andes

Teléfono: +56 034 246 2012

 

 

Imagen: “La cabeza y el corazón” de Concepción Balmes

MARES BLANCOS

Exposiciones

DE HERNÁN CRUZ

MAY – JUL 2018

El proyecto “Mares Blancos” de Hernán Cruz tiene su origen en los viajes que realizó a los salares, que dan nombre a esta muestra por la infinitud del Salar Uyuni en Bolivia. La exposición, que cuenta con la curatoría de Ricardo Loebell, se realizará desde el 16 de mayo al 15 de julio de 2018, en las salas 3 a 6 del MAVI (calle Lastarria 307, Santiago centro).

Esta muestra contempla la experiencia de los viajes registrados con pinturas, dibujos, fotografías, un video, vestigios, testimonios y cuadernos de artista que avanzan a una nueva experiencia: el paso desde la contemplación de lo vasto y lejano de los salares y el Altiplano, hacia la reconstrucción de esa inmensidad, dentro de un interior que es el Museo MAVI.

• El viaje del proyecto “Mares Blancos” comenzó el 16 de mayo de 2016 y termina exactamente dos años después, con la inauguración de la muestra en el MAVI.

• Hernán Cruz recorrió cuatro salares: Uyuni, Coipasa, El Laco y Surire.

• La exposición cuenta con 41 pinturas, dos dibujos de mapas, dos fotografías, un video y tres mesas con vestigios, testimonios y cuadernos de artista. En total, la muestra contiene cincuenta piezas de arte.

Mares Blancos consta de tres viajes realizados por el artista a distintos salares. Inició el 16 de mayo de 2016 con un primer viaje a los salares de Uyuni y Coipasa en Bolivia, y culminó en el Altiplano en el pueblo de Isluga, Aravilla. El segundo viaje fue en octubre de 2016 al Salar de El Laco en la Cordillera y el tercero lo realizó en marzo de 2017 al Salar de Surire.

En los tres viajes ejecutó acciones de arte, instalaciones artísticas en las vastas extensiones de los salares y altiplano de los Andes, como un nómada que va dejando sus rastros, sus huellas. Los viajes realizados son en sí mismos una experiencia artística, que se puede vincular con el Land-Art, como una acción y obra que queda instalada temporalmente en el territorio.

En el proceso de reconstrucción de las huellas y rastros de la extensión de los viajes, Hernán Cruz manifiesta: “Me baso en la experimentación de la materia (espesura) y en la concreción de la línea (trazos); desarrollando un lenguaje pictórico abstracto donde la mancha delineada es el tamaño junto con destellos de pigmentos, de líneas y trazos; desafiando el informalismo gestual”.

Parte del proceso creativo es traer tierras de origen que se mezclan con otras materias para lograr su espesura matérica y cromática, también incorporando vestigios de algunas instalaciones ejecutadas en el Altiplano. “Trabajo con aceites, pigmentos, arenas y tierras que se vierten sobre superficies (arpilleras, paños, totoras, cartones, papeles, metales) para alcanzar la materia pictórica”, comenta el artista.

• Contenidos de la muestra:

Sala 3: textos curatoriales, mapas de autor, fotografías, cuadernos de viajes y catálogos.
Sala4: pinturas con tierras de origen que reconstruyen los pasos y rastros de los salares.
Sala 5: video documental que relata visualmente las instalaciones y acciones de arte en el territorio; cuadernos del artista (ediciones únicas).
Sala 5b: Instalaciones (reconstrucción de “Señas” ejecutadas durante los viajes, como: arpilleras, planchas de metal, paños) y pinturas blancas sobre papel (que muestran el soplo del viento y los pasos de las aves sobre las lagunas altiplánicas).
Sala 6: vestigios (mantos de color, serie “Sama Isallu”, elogio al pueblo originario Aymara).

• Sobre el curador Ricardo Loebell:

Ricardo Loebell es Doctor en filosofía y estética de la Universidad de Frankfurt, Alemania. Actualmente, asesora proyectos de curatoría y museografía e imparte filosofía, teoría de arte contemporáneo, literatura, estética cinematográfica en magister y doctorado en las universidades de Playa Ancha, Federico Santa María y Universidad de Chile. Es docente en la Academia de Editores y Libreros Alemanes en Frankfurt.

 

HERNÁN CRUZ

Hernán Cruz (1960) comenzó en 1980 sus primeros dibujos y pinturas abstractas de fuerte color sobre papel. A partir de 1985 inicia sus series “Horizontes Cromáticos”. Su pintura es expuesta públicamente a partir de 1997, concluyendo este período con la exposición catalogada en la edición “Abstracciones” 1998-1999, en la Galería Marlborough de Santiago, Chile.

Inicia el año 2000 una nueva etapa de investigación y obra pictórica con pinturas negras sobre papel y re-interviene sus anteriores series con negro para interrumpir su continuidad cromática.

El año 2005 comienza a pintar en grandes formatos experimentando con estructuradas manchas negras, deconstruidas con destellos cromáticos y perfiladas con trazos de líneas. En 2009 cierra este período con la exposición “Poética de la Materia a la Línea” con un montaje que une el espacio cromático con el lugar concreto, que se asocia a la construcción del Sitio Específico. La obra expuesta abre una posibilidad a la pintura gestual y estructural para así crear su propio lenguaje pictórico.

En 2010 inicia en la fábrica Maruri su serie “Miasma Lumbre”. El mismo año comienza sus acciones de arte con viajes a través de ciudades y territorios que abordan lo abstracto con lo vasto.
Exposiciones individuales
“Orillas – la última luz del día”, Bodegón Cultural Los Vilos, 2015.
“Thelos”, Ciudad Abierta Ritoque, Valparaíso, 2013.
“Miasma Lumbre”, Galería La Sala, Santiago, 2012.
“Poética de la Materia a la Línea”, Taller Merced, Santiago, 2009.
“Abstracciones”, Galería A.M.S. Marlborough, Santiago, 1998.
“Dibujo los papeles de un arquitecto”, Corporación Cultural de Las Condes, Santiago 1997.
“Horizontes cromáticos”, Escuela de Arquitectura PUC de Chile, Santiago, 1997.

Exposiciones colectivas
“Abstracción de Artistas geométricos cinéticos Latinoamericanos”, Galería La Sala, Santiago 2017.
“Sobre papel”, Galería A.M.S. Marlborough, Santiago, 2000.

Viajes-Acciones de Arte
Salar de Surire, Chile, 2017.
Salares de Uyuni, Coipasa, Bolivia, 2016.
Patagonia chilena, Punta Arenas y Tierra del Fuego, 2013.
Favela Carangueijo, Niteroi, Río de Janeiro, 2011.
Bosques de Chile, Valparaíso, 2010.

Libros con dibujos
“A la menor Brisa”, “La Nieve”, poemas de Godofredo IommiAmunátegui. Ediciones e(ad), 2014

Más información sobre el artista: www.hernancruzsomavia.cl

 

Exposición “Mares Blancos”

16 de mayo al 15 de julio 2018

Salas 3 a 6 MAVI

Calle José Victorino Lastarria 307

Martes a domingo, de 11:00 a 19:00 horas

COLECCIÓN MAVI EN RANCAGUA

Exposiciones, Exposiciones Itinerantes

“LO SANTO Y LO NO TANTO”

MUESTRA ITINERANTE DE LA COLECCIÓN DE ARTE DEL MAVI

JUNIO 2018

En el mes de junio se exhibe una muestra de la Colección de Arte del MAVI en el Espacio Cultural Iglesia de la Merced, Rancagua. Las obras expuestas son de artistas como: Aura Castro – Juan Egenau – Patricia Israel – Eva Lefever – Sebastián Leyton – Rodolfo Opazo – Francisco de la Puente – Pedro Pablo Valdés – Sandra Vásquez – Bruna Truffa – Ullrich Wells.

Este espacio se encuentra ubicado en un lugar patrimonial dentro del recinto de la Iglesia de la Merced, Rancagua. Es un recinto privado perteneciente a la congregación de los mercedarios, donde también se encuentran expuestas piezas de esta agrupación religiosa.

La exposición está pensada para que las obras de artistas contemporáneos chilenos de la Colección del MAVI dialoguen con estas piezas y el lugar. Los artistas de la Colección nos muestran obras donde es posible observar detalles que hacen la diferencia, formas que remiten a la iconografía religiosa y que al mismo tiempo se despegan de esta, generando preguntas y buscando respuestas.

Una de las premisas que nos ayudan a entender el arte contemporáneo es que se involucra con las ideas e imágenes que existen en la sociedad y la cultura, generando nuevas lecturas e interpretaciones, todas ellas válidas.

Esta vez la Colección de Arte del MAVI permite observar pequeños guiños que transforman el objeto sacro en un objeto de arte y viceversa. Es la primera pregunta que se hace el arte contemporáneo, al intentar determinar qué pieza es arte y qué pieza no lo es. El museo busca el acercamiento hacia nuevos públicos, facilitando una nueva lectura de su Colección y disfrutar de la obra de artistas consagrados que forman parte de ella.

 

La exposición muestra una selección de la Colección de Arte Contemporáneo del MAVI en la ciudad de Rancagua

Fechas: 1 a 30 de junio 2018

Horario: lunes a viernes de 10:00 a 14:00 y de 15:00 a 18:00 / sábados de 10:00 a 14:00 horas.

Lugar: Espacio Cultural Iglesia de la Merced, calle José Bernardo Cuevas 399, Rancagua.

Imagen: “Inmaculada concepción” de Bruna Truffa.