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ESPACIOS COMUNES

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15 ENE – 7 MAR 2019 en sala Universidad Mayor Sede Temuco

Colección de Arte del MAVI en itinerancia con la exposición “Espacios Comunes”

Esta muestra de la Colección de Arte del MAVI propone establecer vínculos entre texto y obras, invitando a la exploración de una visión extendida del concepto de espacio, que ha sido analizado por múltiples disciplinas desde ángulos muy diversos que van desde lo teórico a lo práctico. Desde lo material a lo intangible.

  • Se incluirán obras de artistas como Santiago Aránguiz, Ernesto Banderas, José Basso, Rodrigo Cabezas, Andrés Durán, María Edwards, Ismael Frigerio, Laura Galaz, Matilde Huidobro, Gonzalo Ilabaca, Sergio Lay, Robinson Mora, Lorenzo Moya, Benito Rojo,  José Samith, Eugenio Téllez y Bernardita Vattier.

  El espacio ha sido considerado y determinado desde sus aspectos pictóricos, filosóficos, matemáticos, espirituales, geográficos, sociales y sicológicos.

  • Disciplinas como la escultura y la arquitectura han sido definidas como el arte de organizar el espacio. (Wöfflin).
  • Como concepto filosófico ya fue señalado por Aristóteles como aquello que es implicado por los cuerpos, o sea, el lugar que ocupan éstos, definición que se contrapone a la que hace Kant, que espacio y tiempo son únicamente formas de la intuición sensible. Newton nos acercó el concepto de espacio como sustancia inmaterial, inmóvil e infinita donde los objetos materiales flotan.
  • Desde la sicología, el espacio mental o perceptivo se crea en la medida en que los individuos lo perciben, imaginan y valoran, percepciones subjetivas que también condicionan la relación con el mismo.

“Espacios comunes reúne fenómenos relacionados con el espacio desde distintas perspectivas, ilustrándolos a través de obras de diferentes artistas, creando en conjunto una experiencia interactiva”, señala María Irene Alcalde, curadora del Museo de Artes Visuales.

Las obras que se exhibirán estarán bajo conceptos como agorafobia (miedo a los espacios abiertos), espacio biográfico (vínculo entre el paisaje y las emociones), espacio social (resultado de la apropiación del espacio físico y mental), espacios de memoria, espacio geográfico y espacio mental. Además, estará presente la visión newtoniana del espacio como sustancia inmaterial, inmóvil e infinita donde los objetos materiales flotan.

 

Fecha: 15 de enero a 7 de marzo 2019

Lugar: Sala de Arte Universidad Mayor, Avenida Alemania 0281, Temuco.

Imagen:Obra de Benito Rojo


 

QUÉ LEJOS ESTOY DEL SUELO DONDE HE NACIDO

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QUÉ LEJOS ESTOY DEL SUELO DONDE HE NACIDO

MIRADAS MIGRANTES EN LA COLECCIÓN DEL MAVI

 ENE-FEB 2019

Esta exposición estará en el MAVI desde el 5 de enero hasta el 10 de febrero. Plantea una reflexión en torno a la pregunta ¿Qué tan chileno es el arte chileno? Para ello se utilizará la Colección de Arte Contemporáneo chileno del museo bajo tres miradas diferentes: los artistas que llegaron, los que se fueron y las imágenes viajeras (citas).

Según la historiografía tradicional, el peruano José Gil de Castro marca el inicio de la pintura a principios del siglo XIX. Aunque tributaria de la pintura colonial, su producción constituye un material privilegiado sobre el proceso local de separación de la corona española.

En 1849, ya en plena República, la fundación de la Academia de Pintura será el primer gesto por construir un discurso visual oficial. Entre sus primeros directores y maestros encontramos italianos, alemanes, franceses y españoles.

Bastarían estos datos para entender que, desde sus inicios, nuestra historia visual acusa el influjo de artífices venidos desde otros países, posibilitando una perspectiva en que la migración se ofrece como una constante en el patrimonio cultural chileno.

Esta iniciativa que surge del área de educación del MAVI con la curatoría del historiador Rolando Báez y el diseño de Violeta Cereceda, busca mostrar mediante el arte contemporáneo, que la migración en Chile es un fenómeno que está lejos de ser algo nuevo. Más bien es un proceso que ha estado presente desde los inicios de la historia de nuestro país.

La muestra incluirá obras de José Balmes, Claudio Bravo, Roser Bru, Mario Carreño, Juan Dávila y Roberto Matta y actividades de extensión como un seminario, talleres de verano y una muestra gastronómica. Todas ellas estarán bajo la premisa de que no solo migraron las imágenes, sino también las personas.

 

RESEÑA SOBRE ROLANDO BÁEZ, CURADOR DE LA EXPOSICIÓN

Formado como historiador del arte por la Universidad de Chile, su trabajo se vincula principalmente con la gestión y administración patrimonial, específicamente en los campos de la cultura visual andina. Para ello ha realizado proyectos de inventario y catalogación de pinturas de los siglos XVI a XIX que se conservan en museos, iglesias y conventos en Santiago y regiones, así como exposiciones en que intenta cruzar este material visual con categorías de género, etnia y clase como “Para subir al cielo: la imagen colonial y popular en Chile” (2010), y “Vírgenes, mártires y santas mujeres: la imagen religiosa en la cultura visual chilena”, realizada en el Centro Cultural La Moneda en 2015. Se he desempeñado como curador del Museo La Merced y posteriormente en el Museo Histórico Nacional . Actualmente está a cargo de la implementación de un área de exhibiciones en el Archivo Nacional.

 

 

SO FAR FROM MY HOMELAND

EXHIBITION, MAVI COLLECTION

JAN|FEB 2019

How Chilean is Chilean art? According to traditional historiography, Peruvian painter José Gil de Castro marks the origin of painting in Chile at the start of the 19th century. Although a tributary of colonial painting, its creation constitutes privileged material regarding the local process of separation from the Spanish crown.

In 1849, well into the Republic, the founding of the Academy of Painting indicates the first move towards the creation of an official visual discourse. Italians, Germans, French and Spaniards were among the academy’s first directors and teachers.

This information should be enough to understand that, since its inception, our visual history denotes the influence of artisans from other countries, generating a perspective in which migration is shown as a constant in Chilean cultural heritage.

This idea continues in the production, use and circulation of painting during the 20th and 21st centuries. Advances in transportation and communications, as well as the traumatic economic and political events of our recent history, plus the need for artisans to explore new markets, have maximized the need for displacement, configuring the two key issues that are represented in the MAVI collections: on the one hand, those who arrive in this country at some point in their lives, integrating their work into the local art scene, and on the other hand, those born in Chile who for different reasons had the need to migrate, but have not completely severed ties to their country of origin.

These two forms of migration are the foundations for the exposition “How Far I Am From the Land in Which I was Born”.

 

Fecha: 5 de enero a 10 de febrero 2019

Lugar: MAVI, José Victorino Lastarria número 307. Plaza Mulato Gil de Castro, Santiago Centro.

Metros cercanos: Estación Universidad Católica y Estación Bellas Artes.

Información general: +56 2 2638 3532 – info@mavi.cl

Horario: martes a domingo de 11:00 a 19:00 horas.

Entrada: $1.000 adultos | Entrada liberada todos los días para estudiantes, menores de 8 años y mayores de 60 años | Entrada liberada todos los domingos para público en general.

Imagen: Detalle

CALENDARIO DE ACTIVIDADES

  • 8 – 11 de enero: Taller de verano para niños y niñas

Temática: La migración en un cuento

  • 15 – 18 de enero: Taller de verano para jóvenes

Temática: La migración de los fotógrafos que participaron en el golpe militar de 1973

  • 19 enero, 12:00 horas: Visita guiada a la exposición por su curador Rolando Báez
  • 22 – 25 de enero: Taller de verano para adultos mayores

Temática: La migración en la memoria

  • 26 de enero, 9.00 a 14.00 horas: Seminario “Museo, arte y migración”

Un espacio para los encuentros

  • 9 febrero: Muestra gastronómica por comunidad de mujeres migrantes.

 

Address: Jose Victorino Lastarria 307. Mulato Gil de Castro Square, downtown Santiago.

Close by Subway Stations: Catholic University Station and Fine Arts Station.

General Information: +56 2 2638 3532 – info@mavi.cl

Hours: Tuesday through Sunday 11am until 7pm

Admission: $1,000 pesos adults / Free every day for students, children under 8 years old and seniors over 60 / Sundays free.

Picture: Detail of a painting from José Balmes

CRONOMETRO

Exposiciones

DE DENISE LIRA-RATINOFF

ENE-FEB 2019

CRONOMETRO es una instalación, site-specific, bajo el concepto de One Moment Art. Cuenta con más de mil doscientos fardos de residuos sólidos destinados al reciclaje, montados de piso a techo sobre una estructura de vigas metálicas que forman un pasillo interior por donde camina cada persona que recorre la muestra.

 


En palabras de la artista:

CRONOMETRO, una instalación compuesta por fardos de residuos sólidos, instalados de piso a techo, delimitando un espacio en que solo queda un angosto pasillo por el que circula el espectador, un piso de acero altamente reflectante a modo de espejo, sintiendo el agobio de los residuos que lo rodean. Al seguir caminando, dentro de este laberinto de residuos, se encuentra con un vidrio que le cierra el paso, a través del cual se puede visualizar una fotografía de un glaciar, adosada a un muro negro. Bajo la fotografía del glaciar se encuentra un cronómetro digital que marca el paso del tiempo. El pulso, el palpitar de la constante amenaza. Todo esto escuchando en el ambiente el impactante y maravilloso sonido del canto de las ballenas.

Esta instalación, site-specific, se tiene que sentir, vivenciar, contemplar para aislarse en el silencio de la arquitectura, compuesta por los fardos de residuos como aislante de todo ruido, de tal modo que solo el sonido de las ballenas dialoga con el interior de cada ser humano.

UNA SINFONÍA DE DEVASTACIÓN.

Un mar de imágenes estará expuesto a modo de mirador donde la cascada de residuos sólidos cae como la manifestación de la fosa más profunda en el océano.

Desde la sala superior el espectador podrá visualizar, sintiendo la elevación de su propio cuerpo, este gran precipicio.

El silencio de los animales que sufren… ¿cómo podemos parar la destrucción?

La acumulación de ruido está cambiando todo el ecosistema bajo el agua.

Esta instalación concientiza y educa, con información sobre los océanos, su contaminación por residuos plásticos y la amenaza creciente que esto significa.

Este proyecto es un grito y una acción en defensa a nuestro planeta y de la vida de nuestros océanos, por lo tanto de nuestro presente y futuro. Partiendo desde el arte, quiere ser un alerta y un llamado a la acción para nuestra sociedad, respecto al creciente y alarmante problema de la contaminación.

La gran industria está llenando nuestro planeta de plástico, que en gran medida va a parar al océano, contaminando el agua y afectando la vida, desde organismos microscópicos hasta grandes mamíferos como las ballenas, y con ello a todos los ecosistemas del planeta. El cual está a su vez amenazado por el cambio climático y la deforestación, también originados por la actividad industrial.

C R O N O M E T R O quiere aportar haciendo visible el peligro que nos amenaza, ayudando a cambiar nuestros hábitos de consumo y exponiendo sobre la necesidad de disminuir la producción y uso de plásticos desechables, y cuidar nuestros océanos, tan importantes para la biodiversidad y equilibrio ecológico. Es una manifestación activa en defensa de una mejor vida y ambiente para el presente y futuro de la humanidad.

Nadie puede quedar indiferente ante las continuas muertes de animales marinos causadas por comer plástico, por la alteración de su ambiente y además la contaminación generalizada en los ecosistemas.

“El oído es la entrada del alma de una ballena.”

¡El tiempo es ahora!

Denise Lira-Ratinoff

Diciembre, 2018


 

SOBRE DENISE LIRA-RATINOFF

Denise Lira-Ratinoff explora las conexiones y relaciones entre humanidad y naturaleza a través de instalaciones que intentan establecer cercanía entre ambas. Su trabajo es una mezcla constante entre fotografía, video, sonidos, materiales orgánicos, residuos plásticos y un contacto directo con el espacio que busca despertar y experimentar cada uno de los sentidos. Ha expuesto en diversos países, como Chile, Perú, Cuba, Estados Unidos, Alemania, Suiza, entre otros. Sus trabajos están incluidos en colecciones públicas y privadas en América y Europa.

 

SOBRE ONE MOMENT ART

Hace ya cinco años que la plataforma de difusión de proyectos en artes visuales One Moment Art, dirigida por José Manuel Belmar, invita a creadores chilenos para exhibir sus piezas es espacios patrimoniales e instituciones artísticas.

En los espacios patrimoniales funcionan en formato pop-up, es decir, que en breve tiempo esas muestras aparecen y desaparecen. En las instituciones artísticas se quedan más tiempo. Así lo han hecho en reconocidos espacios artísticos como Matucana 100, GAM, Museo de Artes Decorativas, Museo Nacional de Bellas Artes, en el Centro Cultural Palacio La Moneda y en el mismo Centro Nacional de Arte Contemporáneo. Además, han mostrado lo que hacen fuera de Chile, en el Museo del Barrio de Nueva York y el Museo de Arte Contemporáneo de Lima.

 

 

CHRONOMETER

Exhibition by Denise Lira-Ratinoff

January 5th. – February 10th., 2019 in galleries 3 thru 6 at the MAVI (Museum of Visual Arts in Santiago, Chile)

 

CHRONOMETER is a site-specific installation under the One Moment Art concept.  It has more than twelve hundred bails of solid waste allocated for recycling, assembled from floor to ceiling on a structure of steel girders that form an interior corridor for each person who visits the exhibit.

 


In the artist’s words:

CHRONOMETER, an installation made by bails of solid waste, installed from floor to ceiling, demarcating a space with only a narrow hallway that the spectator visits, a highly reflective steel flooring emulating a mirror, feeling the suffocation of the waste that surrounds him. Continuing the walk within this labyrinth of waste that surrounds him he finds glass that ends the walk through which a photograph of a glacier attached to a black wall can be seen.

Under the glacier’s photograph there is a digital chronometer that indicates the passage of time. The pulse, the constant throb of time. The pulse, the constant throb of threat.  All of this being able to hear in the environment the striking chant of the whales.

This site-specific installation needs to be felt, experienced and contemplated in order to isolate oneself in the silence of the architecture, put together by the waste bails, in order to completely isolate any noise, so that the sound of the whales can dialogue with the inner-self of each human being.

A symphony in devastation.

A sea of images will be exhibited as a viewpoint, where a cascade of solid waste falls as a manifestation of the deepest fault in the ocean.

At the highest room the spectator will be able to visualize, feeling the elevation of his own body, this great precipice.

The silence of the animals that suffer…how can we stop the destruction?

The noise accumulation is completely changing the ecosystem underwater.

The installation creates awareness and educates with information regarding oceans, its contamination due to plastic waste and the growing threat that this signifies.

This project is a battle cry and an action to defend our planet and life in our oceans, therefore our present and our future.

Beginning with this fact, it hopes to be an alert and a call for action to our society regarding the growing and alarming problem of contamination.

The large industry is filling our planet with plastic that mostly goes to the oceans, contaminating the water and affecting life, from microscopic organisms to large mammals such as whales and with that said all the ecosystems in the planet.

This is already threatened by climate change and deforestation also originated by the industrial activity.

CHRONOMETER wants to contribute making the danger that threatens us visible, helping us in changing our consumption patterns and explaining the need to lessen the production and usage of disposable plastics and caring for our oceans, so important for the biodiversity and ecological balance. It is an active manifestation searching for a better life and environment for the present and future of mankind.

No-one can remain indifferent regarding the continuous death of marine animals caused by eating plastic, the alteration in their environment and in addition the generalized contamination in the ecosystems.

“The ear is the entry of the soul of a whale”.

The time is now !

Denise Lira-Ratinoff

December, 2018


 

ABOUT DENISE LIRA- RATINOFF

Denise Lira-Ratinoff explores the connections and relationships between humanity and nature through the installations that try to establish the closeness of the two. Her work is a continuos combination between photography, video, sound, organic materials, plastic waste and a direct contact with space in search of awakening and experimenting with each and every one of the senses. She has had exhibits in various countries such as Chile, Peru, Cuba, United States, Germany and Switzerland among others. Her works are held in private and public collections in the Americas and Europe.

 

ABOUT ONE MOMENT ART

It has already been five years since the platform for diffusion of projects in the visual arts directed by Jose Manuel Belmar started, inviting Chilean creators to exhibit their works in patrimonial spaces and artistic institutions.

In the patrimonial spaces they function in a  pop-up format, which is to say that in a short period of time they appear and disappear. In artistic institutions they remain for a longer period of time. This is the way that it has taken place in artistic spaces such as Matucana 100, GAM, Museum of Decorative Arts, National Museum of Fine Arts, Cultural Center of La Moneda Palace and at the National Center of Contemporary Art. In addition, they have shown what is done outside of

Chile at the Museo del Barrio in New York and at the Museum of Contemporary Art in Lima.

 

Explorando los extremos

El trabajo de la artista se apropia de lo que cada uno de nosotros sabe pero de alguna manera soslaya: el desasosiego angustioso que genera la destrucción de la naturaleza por el hombre, y específicamente de los océanos.

Mediante una puesta en escena vigorosa y dramática, Lira nos sumerge en un laberinto asfixiante que simula la falta de oxígeno y el encierro en este mar de plástico.

Construido con precisión obsesiva, el proyecto recrea el ímpetu de la artista, quien logra trasmitir su intranquilidad y desazón por la evidencia de la catástrofe solo a través de su fotografía y su instalación.

Los sonidos de las ballenas semejando incluso gemidos humanos, no hacen más que subrayar el contenido inquietante y a veces ambiguo de la muestra.

Mezcla entre denuncia y provocación crítica  la artista vuelca la intensidad que la ha llevado a recorrer hielos, arenas y aguas explorando el tema del ciclo de la vida, en la escenificación de su pesadumbre de tal manera que finalmente termina otorgando un valor estético tanto a residuos como a la catástrofe denunciada. La ambigüedad está dada entonces por esta doble lectura, donde se abre paso el impulso de vida desplegado para develarnos una hermosura insospechada dentro del clima sofocante del desastre ambiental.

La polaridad entre la silenciosa belleza de los paisajes intocados y el ruidoso acoso del hombre hacia la naturaleza quedan perfectamente evidenciados en esta rotunda instalación.

Esta buscadora ávida, ha registrado los paisajes naturales, adentrándose en lugares inhóspitos donde la supervivencia se hace dificultosa para el ser humano, explorando sus propios extremos.

Quizás eso es lo que podemos observar como subtexto en cada uno de sus trabajos, que se presentan como un gran work in  progress: Lira, como una gran superviviente, una y otra vez, opta por la vida en un giro dramático, sin concesiones ni para ella ni para el público.

Detrás de su quehacer incansable pareciera estar el apremio por no malgastar un minuto de la vida en este planeta.

María Irene Alcalde

Curadora del MAVI

 


Exploring the extremes

The artist’s work adapts itself in regards to what each one of us knows but somehow avoids the distressing destruction of nature that man generates and specifically of the oceans.

By means of a vigorous and dramatic production, Lira immerses us into an asphyxiating labyrinth that feigns the lack of oxygen and locks us into the ocean of plastic.

Built with obsessive precision, the project recreates the artist’s  force, who is able to convey her unease and her anxiety stemming from the evidence of the environmental disaster only through her photography and her installation.

The sounds of the whales resembling even human moans enforce the upsetting content and sometimes ambiguousness of the exhibit.

There is a combination between accusation and critical provocation where the artist conveys the intensity with which she has traveled through ice, sand and waters exploring the subjects of the cycles of life, in the staging of her grief in such a way, that she finally grants an aesthetic value both, to waste and to the revealed natural disaster.

This double interpretation expresses the ambiguity, where life’s impulse is shown in order to give us an unforeseen beauty within the suffocating climate of the environmental disaster.

The polarity between the silent beauty of the untouched landscapes and the relentless bombardment of man towards nature are impeccably shown in this forceful installation.

This avid hunter, has recorded natural landscapes, going deep into inhospitable sites where survival becomes fraught with difficulties for the human being, exploring its own extremes.

Maybe this is what we can explore as a subtext in each one of her works, that present themselves as a grand work in progress. Lira, as a great survivor, again and again, chooses life to have a dramatic turn, without any concessions for her or the public.

Behind her tireless work there seems to be an urgency for not waiting a minute of her life in this planet.

 

Maria Irene Alcalde

MAVI Curator

Instalación CRONOMETRO Diseño, Creación y Realización © Denise Lira-Ratinoff

Diseño y realización de montaje © Patricio Aguilar © CHILOE CINE

Maquetas virtuales © FOREVER CHILE

Registro fotográfico Instalación CRONOMETRO: © Jorge Brantmayer

Exposición Director Ejecutivo: José Manuel Belmar © One Moment Art

 

Fecha: 5 de enero a 10 de febrero 2019

Lugar: MAVI, José Victorino Lastarria número 307. Plaza Mulato Gil de Castro, Santiago Centro.

Metros cercanos: Estación Universidad Católica y Estación Bellas Artes.

Información general: +56 2 2638 3532 – info@mavi.cl

Horario: martes a domingo de 11:00 a 19:00 horas.

Entrada: $1.000 adultos | Entrada liberada todos los días para estudiantes, menores de 8 años y mayores de 60 años | Entrada liberada todos los domingos para público en general.

CHRONOMETER Installation, Design, Creation and Implementation © Denise Lira-Ratinoff

Design and Organization of the montage © Patricio Aguilar © CHILOE CINE

Virtual Layouts © FOREVER CHILE

Photography Registry Installation CHRONOMETER: © Jorge Brantmayer

Executive Exhibit Director: Jose Manuel Belmar © One Moment Art

MAVI – Visual Arts Museum

 

Address: Jose Victorino Lastarria 307. Mulato Gil de Castro Square, downtown Santiago.

Close by Subway Stations: Catholic University Station and Fine Arts Station.

General Information: +56 2 2638 3532 – info@mavi.cl

Hours: Tuesday through Sunday 11am until 7pm

Admission: $1,000 pesos adults / Free every day for students, children under 8 years old and seniors over 60 / Sundays free.

EXPOSICIÓN PERMANENTE: WENU PELON – PORTAL DE LUZ – PORTAL OF LIGHT

Exposiciones, MAS

Esta exposición se encuentra desde abril de 2015 en la Sala Museo Arqueológico de Santiago, al interior del Museo de Artes Visuales – MAVI. Superando conceptos oscurecidos por una visión hacia un pasado estático o un presente conflictivo, la muestra invita a apreciar parte de la tradición Mapuche y a comprenderla como una cultura viva.

Esta no es una muestra arqueológica de objetos inertes, sino de utensilios cotidianos y espirituales que están cargados de energía y de historia. Así lo vio Francisco Huichaqueo en el sueño que dio origen a este montaje y a la serie de piezas audiovisuales donde presenta varios aspectos de la cultura Mapuche y complementa los objetos en suspensión. De esa forma, invita a percibir desde el instinto espiritual antes que la razón.

 

Horario: martes a domingo, de 11:00 a 19:00 horas.

Ubicación: Interior del Museo de Artes Visuales – MAVI. Calle Lastarria 307, Santiago centro.

VISITAS GUIADAS SIN COSTO: CADA DOMINGO, DE 12:00 A 13:00 HORAS.

 

Existe un portal donde se conectan dos espacios distantes, es un túnel por donde viajan los objetos a reencontrarse con su sentido original.

Los objetos salen de nuestros campos, de nuestras casas, son de uso diario, pero también son nuestros objetos ceremoniales. Se dirigen ahora por el espacio hacia el resplandor del cielo, suben en forma de espiral hacia el portal de luz. Sacudiéndose el polvo dejan atrás las gavetas de conservación, las etiquetas de catalogación arqueológica desaparecen. Así, volando, agitan su energía para recobrar la condición de objetos vivos, portadores de sabiduría. Los activa nuestra energía, nuestra forma de ver y vivir el mundo hoy.

Se escuchan voces mientras los objetos se trasladan por el portal camino al Wenu Mapu, la Tierra del Cielo -no somos objetos de museo, somos una cultura viva-. Se ve una silueta, es un retrato familiar, un caballo reconoce el olor de un Kultrún, una rama de Föye /Canelo viaja por el agua del río hasta encontrar las manos de una Machi.

El proceso está en curso, ya se ha iniciado.

En este espacio y por un tiempo indefinido se elevará una rogativa día y noche. Cuando culmine el proceso nuestros objetos serán más livianos y habrán recuperado el secreto del por qué estamos acá.

El instinto espiritual antes que la razón.

Francisco Huichaqueo Pérez

Mis agradecimientos para todos quienes han formado parte de este importante proceso y en especial a: Lof Wente Wilkun Mapu, Daniel Melinao Melinao, Luis Melinao Melinao, Huenulef Melinao Montoya, Andrés Melinao Montoya, Teresa Montoya Levinao, Eliana Pulquillanca Nahuelpán, Norma Nahuel Cureo, Manuel Díaz Calfiú, Jorge Manzano, Silvia Kalfuman, Juana Paillalef, Héctor Mariano, María Huenuñir, María José Rojas, Pablo Brugnoli, Maria Irene Alcalde, Ana María Yaconi, Carlos Aldunate y Pilar Allende.

EL ARTISTA
Francisco Huichaqueo se tituló de pintura en la Universidad de Chile para luego proseguir estudios de Cine Documental en la Escuela de Cine de Chile. Ha trabajado en las curatorías de muestras de video arte, animación y cine experimental y se ha desempeñado como profesor en video experimental, animación digital, dibujo y color en distintas casas de estudios.

 

This exhibition has been held since April 2015 in the Archaeological Museum Room of Santiago, inside the Museum of Visual Arts – MAVI. Overcoming concepts obscured by a vision of a static past or a conflictive present, this exhibition invites us to appreciate part of the Mapuche tradition and understand it as a living culture.
This is not an archaeological exhibition of inert objects, but of daily and spiritual objects that are loaded with energy and history. This was how Francisco Huichaqueo saw it in the dream that gave rise to this exposition and to the series of audiovisual pieces where he presents several aspects of the Mapuche culture and complements the objects in suspension. In this way, he invites us to perceive from the spiritual instinct before reason.

 

La exposición WENU PELON se encuentra en una sala con materiales inclusivos (braille, maquetas táctiles y video en lengua de señas y audiodescriptor).

There is a portal where two distant spaces connect, it is a tunnel through which the objects travel to find their original meaning.

Objects come from our fields, from our homes, they are of daily use, but they are also our ceremonial objects. They are now heading through space into the glow of the sky, spiraling up into the portal of light. Shaking off the dust and leaving behind the conservation drawers, the archaeological cataloging tags disappear. Thus, flying, they channel their energy to recover the condition of living objects, carriers of wisdom. It activates our energy, our way of seeing and living the world today.

Voices are heard as objects move through the portal on their way to Wenu Mapu, the Land of Heaven – we are not museum objects, we are a living culture. A silhouette is seen, it is a familiar portrait, a horse recognizes the scent of a Kultrún, a branch of Föye / Canelo travels by the water of the river until finding the hands of a Machi.

The process is ongoing, it has already begun.

In this space and for an indefinite time a prayer will be raised day and night. When the process culminates, our objects will be lighter and they will have regained the secret of why we are here.

Spiritual instinct rather than reason.

Francisco Huichaqueo Pérez

My thanks to all who have been a part of this important process and especially to: Lof Wente Wilkun Mapu, Daniel Melinao Melinao, Luis Melinao Melinao, Huenulef Melinao Montoya, Andrés Melinao Montoya, Teresa Montoya Levinao, Eliana Pulquillanca Nahuelpán, Norma Nahuel Cureo, Manuel Díaz Calfiú, Jorge Manzano, Silvia Kalfuman, Juana Paillalef, Héctor Mariano, María Huenuñir, María José Rojas, Pablo Brugnoli, Maria Irene Alcalde, Ana María Yaconi, Carlos Aldunate and Pilar Allende.

The Artist

Francisco Huichaqueo graduated in painting at the University of Chile and then pursued studies of Documentary Film at the Chilean Film School. He has worked in the curatorial team of video art, animation and experimental cinema samples and has worked as a teacher in experimental video, digital animation, drawing and color in different educational institutions.

El AUTODIDACTA, LA PINTURA COMO UNA CONTRA IMAGEN

Exposiciones

DE ÁLVARO OYARZÚN

OCT – DIC 2018

Esta exposición de Álvaro Oyarzún, estará en el MAVI desde el 27 de octubre hasta el 23 de diciembre. Se fundamenta esencialmente en reafirmar y reconducir la práctica de la pintura como una experiencia de creación dentro de las artes visuales hoy en Chile, proponiendo una mirada crítica que reflexiona sobre lo real de una imagen pintada.

Es un trabajo que halla su fundamento en su propia “praxis”, en cuanto a experimentar e investigar en el propio campo de la pintura, interrogando y problematizando lo “real”, como lugar común que socialmente aúna y convoca.

“El Autodidacta”, que cuenta con la curatoría de Iván Godoy, propone una pintura que explora en el imaginario a través del rememorar. El autodidacta como indagador, experimentador y recolector del mundo visible es la figura de aquel que aprende solo, al descampado. Es el desarrollo y proceder de una particular mirada sobre lo que ocurre en un determinado “real”.

Estas imágenes pintadas identifican primeramente un autor, una figura que ejerce el oficio de la pintura y se declara autodidacta. Este autor posteriormente busca identificar un lugar, un territorio, un paisaje, un contexto que lo contenga y represente; el fragmento del cuerpo de un animal, el piso vacío de un edificio para oficinas, una serie de moluscos marinos, o la visión parcial de una carretera del sur de Chile.  Imágenes que en su diversidad y cantidad, hacen visible lo real de una pintura. La imagen pintada elabora interrogantes respecto de la representación, de la perdida de lo real y su sentido.  Más allá del lugar restrictivo de la imagen espectacular, banal e instantánea que sitúa a la pintura fuera de los discursos artísticos actuales, tal vez, de lo que se trate es de considerar la pintura como una “contra imagen”.

 


 

Álvaro Oyarzún Sardi ha realizado numerosas exposiciones en Chile, Francia, España, Alemania y Estados Unidos, entre otros países. La más reciente fue este año, con una obra in situ, en el marco de la muestra “Hard to Picture. A tribute to Ad Reinhardt”, en el Museo de Arte Moderno de Luxemburgo. Su obra se encuentra en colecciones privadas y museos de Chile, Francia y España. Y además, ha recibido varios premios y fondos, entre ellos el Fondart de Trayectoria Artística 2017, becas en Chile y Francia, además del Premio del Concurso Internacional de Pintura Vitry-sur Seine, de ese mismo país.

 

Logo Ministerio Cultura 1

Proyecto financiado por FONDART, asignación nacional, convocatoria 2017

THE AUTODIDACT, PAINTING AS A MIRROR IMAGE

This exhibition by Álvaro Oyarzún is essentially based on reaffirming and redirecting the practice of painting as a creation experience within the visual arts today in Chile, proposing a critical look that reflects on the reality of a painted image.

It is a work based on its own practice, in terms of experimenting and researching in the painting field, questioning and problematizing the “real”, as a common place that socially unites and summons.

“The Autodidact”, with Iván Godoy as curator, proposes a painting that explores into the imaginary through remembrance. The Autodidact as an inquirer, experimenter and collector of the visible world is the figure of who learns alone, in the open. It is the development and proceed from a different perspective about what happens in a certain “real”.

First these painted images identify an author, A “someone” who performs the art of painting and declares himself as a self-taught person. This author later seeks to identify a place, a territory, a landscape, a context that contains and represents him; the fragment of an animal body, the empty floor of an office building, a series of marine molluscs, or a partial vision of a southern Chilean road. Images that, in their diversity and quantity, make visible the real of a painting. The painted image brings with it questions about the representation, the loss of the real and its meaning. Beyond the restrictive place of the spectacular, banal and instant image, placing the painting outside the current artistic vision, perhaps, it’s about making the painting represent a “mirror image”.

Álvaro Oyarzún Sardi has made several exhibitions in Chile, France, Spain, Germany and the United States, among other countries. The most recent was this year, with a work on site, within the framework of the exhibition “Hard to Picture. A tribute to Ad Reinhardt “, at the Museum of Modern Art in Luxembourg. His work is in private collections and museums of Chile, France and Spain. In addition, he has received several awards and funds, including the Fondart of Artistic Career Path 2017, scholarships in Chile and France, as well as the Vitry-sur Seine International Painting Contest Prize, from that same country.

NÚMERO ESPECIAL 2 COLECCIÓN MAVI

en Mavi, Exposiciones

N°2 Fotografía de Enrique Zamudio y Mario Fonseca

SEP – DIC 2018

Desde el jueves 27 de septiembre al domingo 16 de diciembre, se instala en el Museo de Artes Visuales la segunda exposición “Número Especial Colección MAVI”.

Este montaje consiste en una exposición que aborda un número acotado de obras y artistas de la Colección de Arte Contemporáneo del Museo de Artes Visuales – MAVI. De esta manera, se presenta la posibilidad de conocer esta vasta colección de una manera detallada y específica.

La Colección MAVI es explorada esta vez desde las técnicas que proveen los procesos fotográficos. Hemos elegido la obra de dos artistas, Mario Fonseca y Enrique Zamudio, quienes trabajan con la fotografía como base de su obra.

Fonseca realiza un ejercicio de travestismo de donde su cara es trocada por la de un personaje público, mutando hacia diferentes personalidades. Subyace en esta obra el concepto de transformación, de pérdida y apropiación, utilizando para ello el recurso que entrega la fotografía.

Zamudio, por otra parte, traslada imágenes a la tela mediante una técnica fotográfica, las que luego interviene aprovechando sus claroscuros e intensificando el efecto con la superposición de capas pictóricas. En las obras presentadas, el artista rescata hechos e imágenes de la ciudad de Santiago, en una especie de recuperación de la memoria histórica.


Sobre los artistas

 

MARIO FONSECA (Lima, 1948)

Artista visual, escritor, crítico de arte, curador independiente, editor y diseñador nacido en 1948 en Lima, Perú, de nacionalidad chilena y residente en Chile desde 1966. Estudió Arte en la Universidad Católica de Chile y obtuvo posteriormente su licenciatura en Artes Visuales en la Universidad Finis Terrae.

Ha participado en exposiciones colectivas en las galerías Animal, Artespacio, La Sala, Patricia Ready, universidades Católica de Santiago y de Temuco, Fundación Telefónica, Matucana 100, y los museos de Arte Contemporáneo, Nacional de Bellas Artes, de Artes Visuales y de Arte Moderno de Chiloé, que poseen además obras suyas en sus colecciones. En el plano internacional, ha integrado también muestras colectivas en Argentina, Bélgica, Francia, Canadá, Ecuador e Italia.

 

ENRIQUE ZAMUDIO (Santiago, 1955)

Artista Visual y Máster en Artes Digitales. Inicia su educación universitaria en la Facultad de Artes de la Universidad de Chile donde, en 1979, obtiene la mención en fotografía. Su obra postula una constante experimentación entre la pintura, la gráfica y la fotografía, traspasando así los límites y conceptos tradicionales del lenguaje plástico.

Ha obtenido becas y financiamientos en proyectos de creación artística e investigación y su trabajo está reseñado en importante bibliografía de los últimos veinte años de arte en Chile. En la actualidad, desarrolla investigación artística en torno a imagen digital y estereoscópica 3D y arte sonoro con tecnologías interactivas. Ha expuesto individualmente y en muestras colectivas, integrado selecciones de Bienales internacionales, concursos y salones.

 

Fecha: 27 de septiembre a 16 de diciembre 2018

Lugar: MAVI, calle José Victorino Lastarria #307

Metros cercanos: Metro Universidad Católica (línea 1) y Metro Bellas Artes (línea 5).

Imagen: Obra de Enrique Zamudio.

SEGUIDORES DEL DILUVIO

Exposiciones

DE CRISTÓBAL CEA

SEP – DIC 2018

El proyecto “Seguidores del Diluvio”, de Cristóbal Cea, surgió de una práctica habitual en su labor como artista durante el último tiempo: observar noticias. Observar, no mirar. Reparar en lo que estas imágenes tienen en común. Esta muestra individual se expondrá en la Sala 2 del MAVI, desde el 27 de septiembre al 16 de diciembre.

Durante los últimos tres años, este artista, que obtuvo el primer lugar del Premio MAVI / BHP de Arte Joven Contemporáneo 2016, ha recopilado noticias sobre inundaciones: eventos climáticos cuya recurrencia problematiza la narrativa noticiosa tradicional.

Hoy, gracias a internet y los medios globales de comunicación, resulta más fácil que nunca darse cuenta de que existen inundaciones prácticamente todos los días del año: lo que nos fuerza a preguntarnos por la globalidad de este tipo de eventos y – en un sentido más amplio -, qué es exactamente una catástrofe en una cultura globalizada, y cómo habría de narrarse.

El playlist inabarcable de noticias sobre inundaciones a nivel global compilado a partir del 2015 se confunde con recreaciones digitales. Sus anónimos protagonistas convertidos en fantasmas, el agua devenida en simulaciones, todo compartiendo el espacio de exhibición con pequeños youtubers sedientos de atención y la reconstrucción tridimensional de un niño, el propio artista, intentando recordar lo que era ser prepubescente en Chile a comienzos de los 90. Donde en un extendido momento de transición, confundió como en un torrente la visita del Papa y el Cometa Halley, la llegada de la comida rápida, la dictadura, el plebiscito y la marea de consumo que definió nuestro retorno a la democracia.

Finalmente, “Seguidores del Diluvio” es una muestra que a partir de estas interrogantes propone una reflexión sobre el olvido, la memoria, y la posibilidad de habitar la distancia que existe entre lo subjetivo y fenómenos climáticos y sociales (ambos globales) que parecen reflejarse entre sí.

Cristobal Cea’s project “Flood Followers” project arose from a habit he turned into an artistic practice some years ago: Instead of just watching the news, he began archiving, observing and analysing news, taking time to investigate what all of these images hace in common.

Winner of the 2016 MAVI/BHP Contemporary Art Award, Cea has for years compiled news footage about floods, climatic events whose recurrence put the traditional news narrative in crisis.

Today, thanks to the Internet and global communications, it is easier than ever to notice that floods happen practically every day of the year. It forces us to consider the global nature of these types of events and in a wider sense, forces us to wonder about what constitutes a catastrophe in this new global context and how it should be narrated.

An unfathomable playlist of news about floods compiled since 2015, mixed with digital recreations. Anonymous protagonists turned into ghosts, water transformed into digital simulations, all of this sharing the exhibition space with tiny Youtubers, thirsty for attention. We behold the digital reconstruction of a child (the artist himself) trying to remember what it was like to be a teenager in Chile in the early 1990´s. During an extended moment of transition where he conflated elements like the visit of the Halley comet and the Pope, the arrival of fast food, the dictatorship, the referendum and the flood of consumption that defined our return to democracy.

“Flood Followers” is an exhibition based on these questions, and suggests thinking about memory, oblivion and the possibility of inhabiting the distance that divides subjective experience from climatic and social events, that appear to mirror one another on a global scale.

Fecha: 27 de septiembre a 16 de diciembre 2018

Lugar: MAVI, calle José Victorino Lastarria #307

Metros cercanos: Metro Universidad Católica (línea 1) y Metro Bellas Artes (línea 5).

Imagen: “Joven en Miami” de Cristóbal Cea. Fotograma video con reinterpretaciones en 3D de noticias sobre inundaciones entre 2015 y 2018.

Cristóbal Cea es un artista cuyo trabajo se enfoca en las relaciones entre tecnología y afecto. Obtuvo el primer lugar del Premio MAVI / BHP de Arte Joven Contemporáneo 2016. Actualmente, está desarrollando una serie de proyectos videográficos donde conjuga animación 3D y noticias encontradas, para profundizar en la noción de distancia entre testigo, espectador y evento noticioso. Es profesor de Artes Mediales en la Universidad Católica de Chile y en el Programa de VideoJuegos de la Universidad Andrés Bello. Su trabajo se ha presentado tanto en Chile como Estados Unidos, Holanda, Francia, Bélgica, Austria y China.

Su obra ha sido exhibida en Santiago de Chile mediante exposiciones como “Glorias” (Galería NAC), XIII Bienal de Artes Mediales (Museo Nacional de Bellas Artes), “Agosto 2026” (Galería Concreta), “La Necesidad” (Galería Animal). También en la ciudad de Nueva York a través de muestras y screenings como “YES” (Microscope Gallery), “Ghosts of Transgression” (67 Ludlow), “Up For Debate” (BRIC Arts Media), y en otras ciudades de Estados Unidos como Wisconsin, con “Radical Invention” (John Michael Kohler Arts Center) y Detroit con “Trickle Down Electronics” en Cave Space. Su obra ha estado también en Europa y Asia, en Ars Electronica (Linz, Austria), “Grensgebieden” (CBK Emmen, Holanda) y la 798 Beijing Biennale (Beijing, China), entre otros.

EXPOSICIÓN XIII PREMIO ARTE JOVEN

Exposiciones

XIII Exposición Arte Joven

El sábado 18 de agosto se realizó la ceremonia de premiación y, al mismo tiempo, la inauguración de la XIII Exposición Arte Joven en el Museo de Artes Visuales (MAVI). Esta muestra reúne las obras seleccionadas en el XIII Premio MAVI / BHP Minera Escondida Arte Joven Contemporáneo y estará abierta hasta el 20 de octubre en el museo de Barrio Lastarria.

 


El MAVI (Museo de Artes Visuales) y BHP Minera Escondida han trabajado en alianza desde 2006 con el objetivo de apoyar nuevos talentos de las artes visuales. A partir su creación, el Premio ha sido una plataforma que muestra el estado del arte joven en el medio nacional.

 

  • Esta exposición es un espacio para visibilizar y difundir el trabajo de artistas emergentes chilenos y también un escenario para proyectar sus obras en el medio profesional de las artes visuales. La muestra reúne a notables creadores, que son observados atentamente por galerías y expertos del sector debido a la validación que este Premio otorga a cada uno de los seleccionados.

 

  • La invitación a participar se extendió a creadores nacionales, de 18 a 35 años de edad, que presentaron obras inéditas. El primer premio consiste en 3 millones de pesos más una exposición individual en el MAVI y el ingreso de una obra a la Colección MAVI. Además, se entregan reconocimientos al segundo y tercer lugar, así como a menciones honrosas, y se difunden los trabajos seleccionados mediante una exposición colectiva.

 

El jurado fue integrado por María Irene Alcalde, curadora del Museo de Artes Visuales; Paula Honorato, curadora del Museo Nacional de Bellas Artes; Paula Salas, ganadora del Premio Arte Joven 2008, Licenciada en Arte y docente de la Universidad Católica; Raimundo Edwards, co-ganador del Premio Arte Joven 2009, Licenciado en Arte y docente de la Universidad Finis Terrae; e Ian Cofré, curador independiente radicado en Nueva York que vino a Chile especialmente a participar en el proceso de selección del Premio.

 

A la selección del jurado, que preseleccionó alrededor de 50 obras y determinó los primeros lugares y menciones honrosas, se sumó la votación de quienes visitaron el montaje preliminar para entregar el Premio del Público. Los y las artistas premiados son:

 

Primer lugar: LAURA GALAZ FUENTEALBA

Obra: Señal de progreso

Técnica mixta. 218 cm alto, 15 cm profundidad, 90 cm de ancho.

 

Segundo lugar: CAROLINA MUÑOZ CANCINO

Obra: Bosque Muerto

Óleo sobre tela, madera y acrílico. 1º: 112×194 cm. 2º: 30x19x5 cm

 

Tercer lugar: SAMUEL DOMÍNGUEZ ZEGERS

Obra: La Casa de Alúclito

Video. 218×75 cm

 

1º Mención honrosa: SEBASTIÁN ZARHI DACCARETT

Obra: Nunca se llega tan rápido

Tela, hilo de algodón y clavos. 270 x 150 cm

 

2º Mención honrosa: SIMÓN SEPÚLVEDA BRAITHWAITE

Obra: Paisaje migrante 4

Textil Jacqard Woven. 2 telares de 200 x 140 cms cada uno, total obra 200 x 280 cm

 

Mención honrosa regiones distintas a la Metropolitana: DANILA ILABACA ARGANDOÑA

Obra: Tercer Ensayo Nuclear

Collage. 100 x 67 cm

 

Premio del Público: ROERY HERRERA

Obra: No te dejes desanimar

Instalación. 170 x 60 cm

 

Fechas:

Desde el 18 de agosto al 20 de octubre 2018.

 

Horario:

Martes a domingo, de 11:00 a 19:00 horas.

 

Lugar:

Calle José Victorino Lastarria 307, Plaza Mulato Gil, Santiago centro.

  • Estaciones de metro cercanas: Universidad Católica (línea 1) y Bellas Artes (línea 5).
  • Bicicletero frente a entrada de Plaza Mulato Gil y estacionamientos pagados en calles Merced 317, Monjitas 330 y Lastarria 70.
  • El museo cuenta con ascensor, acceso para sillas de ruedas y guardarropía.

HAWKER HUNTER

Exposiciones, Exposiciones Itinerantes

A propósito de la no exhibición de la obra de Cristobal Cea en Correos de Chile, Antofagasta.

Por María Irene Alcalde, curadora del Museo de Artes Visuales MAVI


JUL 2018

Miro el video que conforma la obra de Cea, leo su texto y hago el ejercicio de imaginar lo que se consideró incómodo y provocó que se tratara de impedir que otros lo vieran. No puedo dejar de sentir una cierta complacencia al constatar que esto ha consagrado la obra de Cea en dos ámbitos. Por una parte, existirá mucho más curiosidad por ver lo que no estaría permitido y por otra parte cumple una de las funciones principales del arte contemporáneo cual es la de provocar la reflexión.

En la obra mencionada Hawker Haunted, que desde su nombre declara un guiño travieso, el artista opera con un icono muy cargado de significados ambivalentes, estimulando la imaginación y sugiriendo al espectador un vistazo más allá de lo evidente. La obra puede leerse desde múltiples lugares, que implican una pasada por las creencias e ideas de cada espectador.

De eso se trata el arte contemporáneo. De prestar atención a un lenguaje que la mayoría de las veces es solo visual, por lo tanto, distinto a lo que estamos habituados, un lenguaje personal que establece relaciones donde no las había, que estimula a abrir diálogos, a preguntarse, a reflexionar en conjunto, pero sobre todo a tender puentes hacia otras realidades quizás inimaginadas por nosotros pero sí por el artista.

Las personas que tenemos contacto con la producción artística sabemos el privilegio que significa adentrarse en una forma de observar el mundo diferente a la que estábamos acostumbrados, abrir la mente a propuestas que gracias al lenguaje del arte, podemos concebirlas, masticarlas y madurarlas. Operaciones a las que de otra forma nos resultaría difícil acceder y que nos permiten ampliar nuestro horizonte.

Creo que esa es la propuesta de Cea; permitir una forma de reflexión desde la visualidad, que ayude a establecer nexos, conexiones, puentes para rescatar de la conciencia un nuevo punto de vista que nos sugiere un acercamiento hacia algo que quizás no habíamos notado. Sin estridencias, con introspección, con sutileza, incluso con un gesto de humor.

La invitación es a observar que la realidad tiene muchas caras y si alguna de ellas no se ajusta exactamente a lo que pensamos, no nos convirtamos en jueces que establezcamos lo que es bueno y lo que es malo, lo que se puede decir y lo que no. No mutilemos nuestras posibilidades, sino que busquemos expandirlas.

Si censuramos al arte contemporáneo, censuramos una parte de la libre expresión; la libertad del arte es la libertad de todos nosotros.

Fechas: Desde 20 de julio 2018

Lugar: Hall central de Biblioteca Regional de Antofagasta (calle Jorge Washington 2623)


En el marco del Festival de Arte Contemporáneo de Antofagasta SACO, Correos de Chile de Antofagasta no aceptó la obra “Hawker Hunter” de Cristóbal Cea. La empresa expresó que dentro de sus instalaciones no se pueden exhibir expresiones que tengan alguna connotación política que pueda herir susceptibilidades de alguno de sus usuarios.

La obra de Cea fue la ganadora del Concurso de Arte Joven de MAVI y por eso está exponiendo en SACO. En ella, se incluye a un Hawker Hunter, perteneciente a la línea de aviones de caza británicos diseñados entre los años 50 y 60. El modelo fue usado en el bombardeo a La Moneda en el Golpe de Estado del 1973

 

Más información: proyectosaco.cl

Imagen: Detalle de video “Hawker Hunter” de Cristóbal Cea.

UN HOMBRE QUE CAMINA

Exposiciones

DE ENRIQUE RAMÍREZ

JUL – SEP 2018

Enrique Ramírez presentará el proyecto “Un hombre que camina”, donde mostrará una instalación fílmica elaborada en el Salar de Uyuni, ubicado a 4200 metros de altura en Bolivia. Ocupará las salas 1 y 2 del MAVI entre el 7 de julio y el 16 de septiembre de 2018.

Esta obra se origina en 2009 cuando Pascale Pronnier, curadora del Estudio Nacional de Arte Contemporáneo Le Fresnoy, y Philipphe Massardier, director del Centro de Producción y Difusión de Artes Visuales Lab labanque, lo invitaron a realizar un proyecto para Béthune, como Capital Regional de la Cultura de 2011. Mientras pensaba en esto ocurrió el terremoto del 2010 en Chile. Desde entonces, este artista que vive y trabaja entre Chile y Francia, no ha podido dejar de pensar en la idea del viaje y la muerte.

Un bailarín de la Región de Antofagasta personifica al diablo del altiplano. Ha participado en diversas ceremonias populares y toda su vida ha caminado por la pampa, dejando su huella en parajes desérticos e infinitos. El personaje del diablo nortino nació en la época de la Conquista española y en un comienzo no sólo era la representación cristiana del mal sino que era una sátira del conquistador. A su vez, la diablada representaba la rebeldía del mitayo minero, que disfrazado de diablo exteriorizaba, mediante la danza, la rabia contra sus opresores y su ansia de libertad y lucha.

Luego de un viaje difícil, filmaron a este personaje que camina para no ir a ningún lugar. “Pienso que quería hacer un viaje sin horizonte, en donde el agua y el cielo fueran lo mismo, un viaje plagado de nada, un viaje auténtico, respetando las historias del altiplano, del norte chileno-boliviano, cargado de señales e imaginarios, para muchos ridículos, para otros reales, evidentes, auténticos, únicos”, explica el artista.

En su trabajo, Ramírez combina el video, la fotografía, las instalaciones y las narraciones poéticas. Él aprecia las historias dentro de historias, las ficciones solapando países y épocas, el espejismo entre el sueño y la realidad. Respecto de esta muestra en particular, Ramírez señala que tiene una dedicatoria: “Este proyecto está dedicado a todos aquellos que caminan, que caminan con la imaginación, que viajan sin moverse, a aquellos que sueñan y mueven sus ojos a través de cada imagen, a aquellos que están entre nosotros, muchas veces invisibles, caminado a nuestro lado”.

 

ENRIQUE RAMÍREZ (1979, Santiago) estudió música popular y cine en Chile antes de hacer el Posgrado en Arte Contemporáneo y Nuevos Medios de Le Fresnoy del Studio National des Arts Contemporains (Tourcoing, Francia). En 2014 ganó el Premio Découverte des Amis du Palais de Tokyo, en París. Desde entonces ha expuesto en  Le Palais de Tokyo, Centro Pompidou,  Espace Culturel Louis Vuitton y Le Grand Café, Saint-Nazaire. En América Latina ha presentado sus obras en el Museo Amparo, Puebla, México; Museo de la Memoria, Santiago; y Centro Cultural Matta, Embajada de Chile en Argentina. En 2017, la obra de Enrique Ramírez es exhibida en la exposición internacional de la Biennale di Venezia “Arte Viva Arte”, curada por Christine Macel. Debido a que “El hombre que camina” es un proyecto que continúa en proceso, en el MAVI ya presentará una nueva forma.

 

“Un Hombre que camina – a symphony of sea and open sky filmed in the salt pans of the sacred landscape of Chile. Dressed in a shamanic mask a man pulls behind him, through briny ankle-deep water, a raft of floating suits towards the distant sun, followed by a traditional South American brass band. Mesmeric and powerful this work illustrates how ritual and art can both give meaning to life and death”.

Sue Hubbard, Elephant Magazine. 19 May 2017

Fechas:

Desde el 7 de julio al 16 de septiembre.

Horario: Martes a domingo, de 11:00 a 19:00 horas.

Lugar:

Calle José Victorino Lastarria 307, Plaza Mulato Gil, Santiago centro.

  • Estaciones de metro cercanas: Universidad Católica (línea 1) y Bellas Artes (línea 5).
  • Bicicletero frente a entrada de Plaza Mulato Gil y estacionamientos pagados en calles Merced 317, Monjitas 330 y Lastarria 70.
  • El museo cuenta con ascensor, acceso para sillas de ruedas y guardarropía.

Imagen: “Un hombre que camina” (2011) de Enrique Ramírez. Fotografía film 6×7. Impresión lambda 120 x 95 cm. Cortesía de Galería Die Ecke, Santiago.