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HAWKER HUNTER

Exposiciones, Exposiciones Itinerantes

A propósito de la no exhibición de la obra de Cristobal Cea en Correos de Chile, Antofagasta.

Por María Irene Alcalde, curadora del Museo de Artes Visuales MAVI


JUL 2018

Miro el video que conforma la obra de Cea, leo su texto y hago el ejercicio de imaginar lo que se consideró incómodo y provocó que se tratara de impedir que otros lo vieran. No puedo dejar de sentir una cierta complacencia al constatar que esto ha consagrado la obra de Cea en dos ámbitos. Por una parte, existirá mucho más curiosidad por ver lo que no estaría permitido y por otra parte cumple una de las funciones principales del arte contemporáneo cual es la de provocar la reflexión.

En la obra mencionada Hawker Haunted, que desde su nombre declara un guiño travieso, el artista opera con un icono muy cargado de significados ambivalentes, estimulando la imaginación y sugiriendo al espectador un vistazo más allá de lo evidente. La obra puede leerse desde múltiples lugares, que implican una pasada por las creencias e ideas de cada espectador.

De eso se trata el arte contemporáneo. De prestar atención a un lenguaje que la mayoría de las veces es solo visual, por lo tanto, distinto a lo que estamos habituados, un lenguaje personal que establece relaciones donde no las había, que estimula a abrir diálogos, a preguntarse, a reflexionar en conjunto, pero sobre todo a tender puentes hacia otras realidades quizás inimaginadas por nosotros pero sí por el artista.

Las personas que tenemos contacto con la producción artística sabemos el privilegio que significa adentrarse en una forma de observar el mundo diferente a la que estábamos acostumbrados, abrir la mente a propuestas que gracias al lenguaje del arte, podemos concebirlas, masticarlas y madurarlas. Operaciones a las que de otra forma nos resultaría difícil acceder y que nos permiten ampliar nuestro horizonte.

Creo que esa es la propuesta de Cea; permitir una forma de reflexión desde la visualidad, que ayude a establecer nexos, conexiones, puentes para rescatar de la conciencia un nuevo punto de vista que nos sugiere un acercamiento hacia algo que quizás no habíamos notado. Sin estridencias, con introspección, con sutileza, incluso con un gesto de humor.

La invitación es a observar que la realidad tiene muchas caras y si alguna de ellas no se ajusta exactamente a lo que pensamos, no nos convirtamos en jueces que establezcamos lo que es bueno y lo que es malo, lo que se puede decir y lo que no. No mutilemos nuestras posibilidades, sino que busquemos expandirlas.

Si censuramos al arte contemporáneo, censuramos una parte de la libre expresión; la libertad del arte es la libertad de todos nosotros.

Fechas: Desde 20 de julio 2018

Lugar: Hall central de Biblioteca Regional de Antofagasta (calle Jorge Washington 2623)


En el marco del Festival de Arte Contemporáneo de Antofagasta SACO, Correos de Chile de Antofagasta no aceptó la obra “Hawker Hunter” de Cristóbal Cea. La empresa expresó que dentro de sus instalaciones no se pueden exhibir expresiones que tengan alguna connotación política que pueda herir susceptibilidades de alguno de sus usuarios.

La obra de Cea fue la ganadora del Concurso de Arte Joven de MAVI y por eso está exponiendo en SACO. En ella, se incluye a un Hawker Hunter, perteneciente a la línea de aviones de caza británicos diseñados entre los años 50 y 60. El modelo fue usado en el bombardeo a La Moneda en el Golpe de Estado del 1973

 

Más información: proyectosaco.cl

Imagen: Detalle de video “Hawker Hunter” de Cristóbal Cea.

UN HOMBRE QUE CAMINA

Exposiciones

DE ENRIQUE RAMÍREZ

JUL – SEP 2018

Enrique Ramírez presentará el proyecto “Un hombre que camina”, donde mostrará una instalación fílmica elaborada en el Salar de Uyuni, ubicado a 4200 metros de altura en Bolivia. Ocupará las salas 1 y 2 del MAVI entre el 7 de julio y el 16 de septiembre de 2018.

Esta obra se origina en 2009 cuando Pascale Pronnier, curadora del Estudio Nacional de Arte Contemporáneo Le Fresnoy, y Philipphe Massardier, director del Centro de Producción y Difusión de Artes Visuales Lab labanque, lo invitaron a realizar un proyecto para Béthune, como Capital Regional de la Cultura de 2011. Mientras pensaba en esto ocurrió el terremoto del 2010 en Chile. Desde entonces, este artista que vive y trabaja entre Chile y Francia, no ha podido dejar de pensar en la idea del viaje y la muerte.

Un bailarín de la Región de Antofagasta personifica al diablo del altiplano. Ha participado en diversas ceremonias populares y toda su vida ha caminado por la pampa, dejando su huella en parajes desérticos e infinitos. El personaje del diablo nortino nació en la época de la Conquista española y en un comienzo no sólo era la representación cristiana del mal sino que era una sátira del conquistador. A su vez, la diablada representaba la rebeldía del mitayo minero, que disfrazado de diablo exteriorizaba, mediante la danza, la rabia contra sus opresores y su ansia de libertad y lucha.

Luego de un viaje difícil, filmaron a este personaje que camina para no ir a ningún lugar. “Pienso que quería hacer un viaje sin horizonte, en donde el agua y el cielo fueran lo mismo, un viaje plagado de nada, un viaje auténtico, respetando las historias del altiplano, del norte chileno-boliviano, cargado de señales e imaginarios, para muchos ridículos, para otros reales, evidentes, auténticos, únicos”, explica el artista.

En su trabajo, Ramírez combina el video, la fotografía, las instalaciones y las narraciones poéticas. Él aprecia las historias dentro de historias, las ficciones solapando países y épocas, el espejismo entre el sueño y la realidad. Respecto de esta muestra en particular, Ramírez señala que tiene una dedicatoria: “Este proyecto está dedicado a todos aquellos que caminan, que caminan con la imaginación, que viajan sin moverse, a aquellos que sueñan y mueven sus ojos a través de cada imagen, a aquellos que están entre nosotros, muchas veces invisibles, caminado a nuestro lado”.

 

ENRIQUE RAMÍREZ (1979, Santiago) estudió música popular y cine en Chile antes de hacer el Posgrado en Arte Contemporáneo y Nuevos Medios de Le Fresnoy del Studio National des Arts Contemporains (Tourcoing, Francia). En 2014 ganó el Premio Découverte des Amis du Palais de Tokyo, en París. Desde entonces ha expuesto en  Le Palais de Tokyo, Centro Pompidou,  Espace Culturel Louis Vuitton y Le Grand Café, Saint-Nazaire. En América Latina ha presentado sus obras en el Museo Amparo, Puebla, México; Museo de la Memoria, Santiago; y Centro Cultural Matta, Embajada de Chile en Argentina. En 2017, la obra de Enrique Ramírez es exhibida en la exposición internacional de la Biennale di Venezia “Arte Viva Arte”, curada por Christine Macel. Debido a que “El hombre que camina” es un proyecto que continúa en proceso, en el MAVI ya presentará una nueva forma.

 

“Un Hombre que camina – a symphony of sea and open sky filmed in the salt pans of the sacred landscape of Chile. Dressed in a shamanic mask a man pulls behind him, through briny ankle-deep water, a raft of floating suits towards the distant sun, followed by a traditional South American brass band. Mesmeric and powerful this work illustrates how ritual and art can both give meaning to life and death”.

Sue Hubbard, Elephant Magazine. 19 May 2017

Fechas:

Desde el 7 de julio al 16 de septiembre.

Horario: Martes a domingo, de 11:00 a 19:00 horas.

Lugar:

Calle José Victorino Lastarria 307, Plaza Mulato Gil, Santiago centro.

  • Estaciones de metro cercanas: Universidad Católica (línea 1) y Bellas Artes (línea 5).
  • Bicicletero frente a entrada de Plaza Mulato Gil y estacionamientos pagados en calles Merced 317, Monjitas 330 y Lastarria 70.
  • El museo cuenta con ascensor, acceso para sillas de ruedas y guardarropía.

Imagen: “Un hombre que camina” (2011) de Enrique Ramírez. Fotografía film 6×7. Impresión lambda 120 x 95 cm. Cortesía de Galería Die Ecke, Santiago.

CLAVE AZUL: COLECCIÓN MAVI EN CALLE LARGA

Exposiciones, Exposiciones Itinerantes

MUESTRA ITINERANTE DE LA COLECCIÓN DE ARTE DEL MAVI

JUN – JUL

La exposición itinerante CLAVE AZUL: COLECCIÓN MAVI se traslada al Centro Cultural Pedro Aguirre Cerda de Calle Larga, Provincia de los Andes desde el 11 de junio al 30 de julio 2018, exhibición que estuvo anteriormente en Centro Cultural de los Andes.

Es una selección de obras de la Colección MAVI, en donde la curatoría se ha centrado en dialogar con la diversidad cultural, buscando obras y artistas del acervo cultural del museo que hagan sentido a la comunidad de Los Andes.

“Clave azul es el nombre que se usa como alarma activada al interior de un centro de salud, para acudir donde ocurre una emergencia que ponga en peligro la vida de un paciente. Clave azul usado como metáfora, es la alarma para acudir a la memoria, como emergencia para construir nuestro futuro desde nuestro patrimonio” (Paula Caballería Aguilera, directora de Educación e Inclusión del MAVI).

La muestra cuenta con obras de: Conchita Balmes, Guillermo Frommer, Pancha Nuñez, Gregorio Papic, Valentina Cruz, Marcela Trujillo, Palolo, Lorenzo Moya, Ruperto Cadiz, Sebastián Garretón y Oscar Barra.

Entrada liberada.

Fechas: Desde el 11 de junio al 30 de julio 2018

Horario: Martes a Viernes: 10:00 a 13:30 horas. – 15.00 a 17.00 horas

Sábado y Domingo: 15:00 a 19:00 horas.

Lugar: Centro Cultural de Pedro Aguirre Cerda, Avenida Pedro Aguirre Cerda s/n sector Pocuro, Calle Larga, Provincia de Los Andes

Teléfono: +56 034 246 2012

 

 

Imagen: “La cabeza y el corazón” de Concepción Balmes

MARES BLANCOS

Exposiciones

DE HERNÁN CRUZ

MAY – JUL 2018

El proyecto “Mares Blancos” de Hernán Cruz tiene su origen en los viajes que realizó a los salares, que dan nombre a esta muestra por la infinitud del Salar Uyuni en Bolivia. La exposición, que cuenta con la curatoría de Ricardo Loebell, se realizará desde el 16 de mayo al 15 de julio de 2018, en las salas 3 a 6 del MAVI (calle Lastarria 307, Santiago centro).

Esta muestra contempla la experiencia de los viajes registrados con pinturas, dibujos, fotografías, un video, vestigios, testimonios y cuadernos de artista que avanzan a una nueva experiencia: el paso desde la contemplación de lo vasto y lejano de los salares y el Altiplano, hacia la reconstrucción de esa inmensidad, dentro de un interior que es el Museo MAVI.

• El viaje del proyecto “Mares Blancos” comenzó el 16 de mayo de 2016 y termina exactamente dos años después, con la inauguración de la muestra en el MAVI.

• Hernán Cruz recorrió cuatro salares: Uyuni, Coipasa, El Laco y Surire.

• La exposición cuenta con 41 pinturas, dos dibujos de mapas, dos fotografías, un video y tres mesas con vestigios, testimonios y cuadernos de artista. En total, la muestra contiene cincuenta piezas de arte.

Mares Blancos consta de tres viajes realizados por el artista a distintos salares. Inició el 16 de mayo de 2016 con un primer viaje a los salares de Uyuni y Coipasa en Bolivia, y culminó en el Altiplano en el pueblo de Isluga, Aravilla. El segundo viaje fue en octubre de 2016 al Salar de El Laco en la Cordillera y el tercero lo realizó en marzo de 2017 al Salar de Surire.

En los tres viajes ejecutó acciones de arte, instalaciones artísticas en las vastas extensiones de los salares y altiplano de los Andes, como un nómada que va dejando sus rastros, sus huellas. Los viajes realizados son en sí mismos una experiencia artística, que se puede vincular con el Land-Art, como una acción y obra que queda instalada temporalmente en el territorio.

En el proceso de reconstrucción de las huellas y rastros de la extensión de los viajes, Hernán Cruz manifiesta: “Me baso en la experimentación de la materia (espesura) y en la concreción de la línea (trazos); desarrollando un lenguaje pictórico abstracto donde la mancha delineada es el tamaño junto con destellos de pigmentos, de líneas y trazos; desafiando el informalismo gestual”.

Parte del proceso creativo es traer tierras de origen que se mezclan con otras materias para lograr su espesura matérica y cromática, también incorporando vestigios de algunas instalaciones ejecutadas en el Altiplano. “Trabajo con aceites, pigmentos, arenas y tierras que se vierten sobre superficies (arpilleras, paños, totoras, cartones, papeles, metales) para alcanzar la materia pictórica”, comenta el artista.

• Contenidos de la muestra:

Sala 3: textos curatoriales, mapas de autor, fotografías, cuadernos de viajes y catálogos.
Sala4: pinturas con tierras de origen que reconstruyen los pasos y rastros de los salares.
Sala 5: video documental que relata visualmente las instalaciones y acciones de arte en el territorio; cuadernos del artista (ediciones únicas).
Sala 5b: Instalaciones (reconstrucción de “Señas” ejecutadas durante los viajes, como: arpilleras, planchas de metal, paños) y pinturas blancas sobre papel (que muestran el soplo del viento y los pasos de las aves sobre las lagunas altiplánicas).
Sala 6: vestigios (mantos de color, serie “Sama Isallu”, elogio al pueblo originario Aymara).

• Sobre el curador Ricardo Loebell:

Ricardo Loebell es Doctor en filosofía y estética de la Universidad de Frankfurt, Alemania. Actualmente, asesora proyectos de curatoría y museografía e imparte filosofía, teoría de arte contemporáneo, literatura, estética cinematográfica en magister y doctorado en las universidades de Playa Ancha, Federico Santa María y Universidad de Chile. Es docente en la Academia de Editores y Libreros Alemanes en Frankfurt.

 

HERNÁN CRUZ

Hernán Cruz (1960) comenzó en 1980 sus primeros dibujos y pinturas abstractas de fuerte color sobre papel. A partir de 1985 inicia sus series “Horizontes Cromáticos”. Su pintura es expuesta públicamente a partir de 1997, concluyendo este período con la exposición catalogada en la edición “Abstracciones” 1998-1999, en la Galería Marlborough de Santiago, Chile.

Inicia el año 2000 una nueva etapa de investigación y obra pictórica con pinturas negras sobre papel y re-interviene sus anteriores series con negro para interrumpir su continuidad cromática.

El año 2005 comienza a pintar en grandes formatos experimentando con estructuradas manchas negras, deconstruidas con destellos cromáticos y perfiladas con trazos de líneas. En 2009 cierra este período con la exposición “Poética de la Materia a la Línea” con un montaje que une el espacio cromático con el lugar concreto, que se asocia a la construcción del Sitio Específico. La obra expuesta abre una posibilidad a la pintura gestual y estructural para así crear su propio lenguaje pictórico.

En 2010 inicia en la fábrica Maruri su serie “Miasma Lumbre”. El mismo año comienza sus acciones de arte con viajes a través de ciudades y territorios que abordan lo abstracto con lo vasto.
Exposiciones individuales
“Orillas – la última luz del día”, Bodegón Cultural Los Vilos, 2015.
“Thelos”, Ciudad Abierta Ritoque, Valparaíso, 2013.
“Miasma Lumbre”, Galería La Sala, Santiago, 2012.
“Poética de la Materia a la Línea”, Taller Merced, Santiago, 2009.
“Abstracciones”, Galería A.M.S. Marlborough, Santiago, 1998.
“Dibujo los papeles de un arquitecto”, Corporación Cultural de Las Condes, Santiago 1997.
“Horizontes cromáticos”, Escuela de Arquitectura PUC de Chile, Santiago, 1997.

Exposiciones colectivas
“Abstracción de Artistas geométricos cinéticos Latinoamericanos”, Galería La Sala, Santiago 2017.
“Sobre papel”, Galería A.M.S. Marlborough, Santiago, 2000.

Viajes-Acciones de Arte
Salar de Surire, Chile, 2017.
Salares de Uyuni, Coipasa, Bolivia, 2016.
Patagonia chilena, Punta Arenas y Tierra del Fuego, 2013.
Favela Carangueijo, Niteroi, Río de Janeiro, 2011.
Bosques de Chile, Valparaíso, 2010.

Libros con dibujos
“A la menor Brisa”, “La Nieve”, poemas de Godofredo IommiAmunátegui. Ediciones e(ad), 2014

Más información sobre el artista: www.hernancruzsomavia.cl

 

Exposición “Mares Blancos”

16 de mayo al 15 de julio 2018

Salas 3 a 6 MAVI

Calle José Victorino Lastarria 307

Martes a domingo, de 11:00 a 19:00 horas

COLECCIÓN MAVI EN RANCAGUA

Exposiciones, Exposiciones Itinerantes

“LO SANTO Y LO NO TANTO”

MUESTRA ITINERANTE DE LA COLECCIÓN DE ARTE DEL MAVI

JUNIO 2018

En el mes de junio se exhibe una muestra de la Colección de Arte del MAVI en el Espacio Cultural Iglesia de la Merced, Rancagua. Las obras expuestas son de artistas como: Aura Castro – Juan Egenau – Patricia Israel – Eva Lefever – Sebastián Leyton – Rodolfo Opazo – Francisco de la Puente – Pedro Pablo Valdés – Sandra Vásquez – Bruna Truffa – Ullrich Wells.

Este espacio se encuentra ubicado en un lugar patrimonial dentro del recinto de la Iglesia de la Merced, Rancagua. Es un recinto privado perteneciente a la congregación de los mercedarios, donde también se encuentran expuestas piezas de esta agrupación religiosa.

La exposición está pensada para que las obras de artistas contemporáneos chilenos de la Colección del MAVI dialoguen con estas piezas y el lugar. Los artistas de la Colección nos muestran obras donde es posible observar detalles que hacen la diferencia, formas que remiten a la iconografía religiosa y que al mismo tiempo se despegan de esta, generando preguntas y buscando respuestas.

Una de las premisas que nos ayudan a entender el arte contemporáneo es que se involucra con las ideas e imágenes que existen en la sociedad y la cultura, generando nuevas lecturas e interpretaciones, todas ellas válidas.

Esta vez la Colección de Arte del MAVI permite observar pequeños guiños que transforman el objeto sacro en un objeto de arte y viceversa. Es la primera pregunta que se hace el arte contemporáneo, al intentar determinar qué pieza es arte y qué pieza no lo es. El museo busca el acercamiento hacia nuevos públicos, facilitando una nueva lectura de su Colección y disfrutar de la obra de artistas consagrados que forman parte de ella.

 

La exposición muestra una selección de la Colección de Arte Contemporáneo del MAVI en la ciudad de Rancagua

Fechas: 1 a 30 de junio 2018

Horario: lunes a viernes de 10:00 a 14:00 y de 15:00 a 18:00 / sábados de 10:00 a 14:00 horas.

Lugar: Espacio Cultural Iglesia de la Merced, calle José Bernardo Cuevas 399, Rancagua.

Imagen: “Inmaculada concepción” de Bruna Truffa.

NÚMERO ESPECIAL COLECCIÓN MAVI

en Mavi, Exposiciones

N°1 Pintura Inglesa, Natalia Bavarovic

JUN 2018

Desde el sábado 16 al viernes 29 de junio, se instala en Museo de Artes Visuales la primera exposición “Número Especial Colección MAVI”. Se trata de una muestra que aborda una obra en particular de la colección de arte del museo. Una forma de conocer la vasta colección de una manera detallada y específica.

Número Especial Colección MAVI: N°1 Pintura Inglesa de Natalia Bavarovic es una serie de cuatro cuadros que serán exhibidos en la sala 2 del museo acompañados de actividades organizadas por el Área de Educación del MAVI.

El concepto de Paisaje Biográfico se encuentra presente en “Pintura Inglesa”, en donde el paisaje afectivo o biográfico se crea en la medida en que los individuos lo perciben, imaginan y valoran, percepciones subjetivas que también condicionan la relación con el mismo. Los paisajes poseen una fuerte carga emocional que los deja insertos en la biografía de cada sujeto.

“Elegimos esta pintura porque es una de las mejores dentro de la Colección MAVI y creo que es una de las mejores obras de la artista. Además, es una obra no solo importante desde el punto de vista de la historia del arte chileno, sino que además tiene una gran envergadura, físicamente es muy imponente”, manifiesta María Irene Alcalde, curadora de MAVI.

Esta muestra forma parte de una serie de exposiciones que se realizarán en el museo, denominadas Número Especial Colección MAVI, en que se mostrarán artistas u obras de a uno. El propósito es mostrar la Colección de una manera más dinámica, que involucre al público y que sea ágil y rápida.

Sobre la artista

Natalia Babarovic (1966) vive en Santiago de Chile y trabaja en pintura (óleo sobre tela y papel, acuarela) y en fotografía.

Babarovic ha desarrollado una obra eminentemente pictórica que explora los diálogos y refracciones entre la pintura y los medios técnicos de la imagen, particularmente la fotografía y más recientemente el video. Asimismo, su trabajo vuelve sobre géneros de la pintura tradicional como el retrato y el paisaje, reflexionando sobre el lugar de este medio en el mundo del arte y la cultura visual contemporáneos. Ha expuesto tanto en Chile como en Gran Bretaña, Bélgica, Francia, Estados Unidos, Perú, entre otros.

 

Fecha: 16 al 29 de junio 2018

Lugar: MAVI, calle José Victorino Lastarria #307

Metros cercanos: Metro Universidad Católica (línea 1) y Metro Bellas Artes (línea 5).

Imagen: “Pintura inglesa” (2005) de Natalia Babarovic.

PAÍS PONIENTE

Exposiciones

EXPOSICIÓN COLECTIVA

JUNIO 2018

Seis fotógrafas chilenas, seleccionadas por Paz Errázuriz (Premio Nacional de Artes Visuales 2017), exponen en el MAVI desde el 14 al 24 de junio.

Es una selección de 18 fotografías en que las artistas, desde sus distintas miradas, capturan el Chile que no se ve. La muestra cuenta con la participación de las destacadas fotógrafas Bernardita Bennett, Marcela Bruna, Cecilia Coddou, Zaida González, Carla Mc-Kay y Carola Sepúlveda.

Esta exposición fue exhibida en diferentes centros culturales del país, como GAM, La Perrera y Matucana 100 de forma alternada y en diferentes formatos, en una suerte de escalada de relatos visuales para concluir este año en MAVI. Esta muestra es una iniciativa de la Fundación Hogar de Cristo, que desde el año 2015 participa en la creación cultural a partir de temáticas sociales.

Los títulos de las propuestas de las fotógrafas dan cuenta de dónde fijaron su mirada. Cecilia Coddou en su obra “Vivienda y decoración” retrató el dormitorio de una inmigrante colombiana, en el que vive con su pareja y su hijo. Bernardita Bennet muestra la precariedad a las orillas del río Mapocho en su obra “Costanera Norte”. Y Marcela Bruna se centró en las llamadas “casas Copeva” del sector Bajos de Mena en Puente Alto, e ironizó bautizando su trabajo “El sueño de la casa propia”.

Carola Sepúlveda, por su parte, guió su trabajo a las escuelas de reingreso de Fundación Súmate, en La Granja, que se dedica a lograr la reinserción educacional de jóvenes.

Zaida González hizo un trabajo más conceptual al que llamó “Emergentes”, mientras Carla Mc-Kay realizó fotografías a tribus urbanas, con su trabajo “The boys”.

Fechas: Desde el 14 al 24 de junio.

Horario: martes a domingo, de 11:00 a 19:00 horas.

Lugar: calle José Victorino Lastarria 307, Santiago centro.

El museo cuenta con ascensor y acceso para sillas de ruedas.

 

Imagen: fotografía de Bernardita Bennett.

CLAVE AZUL: COLECCIÓN MAVI EN LOS ANDES

Exposiciones, Exposiciones Itinerantes

MUESTRA ITINERANTE DE LA COLECCIÓN DE ARTE DEL MAVI

ABR – MAY 2018

 

La exposición itinerante CLAVE AZUL: COLECCIÓN MAVI se encuentra entre el 18 de abril y el 28 de mayo de 2018 en el Centro Cultural de Los Andes, Región de Valparaíso.

 

Se trata de una selección de obras de la Colección MAVI, realizada especialmente para el espacio de este Centro Cultural. La curatoría se ha centrado en dialogar con la diversidad cultural, buscando obras y artistas del acervo cultural del museo que hagan sentido a la comunidad de Los Andes.

 

“El Museo de Artes Visuales – MAVI, viaja al valle del Aconcagua a compartir parte de la Colección de Arte Contemporáneo que alberga desde los años noventa, para salir al encuentro con nuestra diversidad cultural, buscando caminos de acercamiento y diálogo para el hombre y la mujer contemporáneas.
Clave azul es el nombre que se usa como alarma activada al interior de un centro de salud, para acudir donde ocurre una emergencia que ponga en peligro la vida de un paciente. Clave azul usado como metáfora, es la alarma para acudir a la memoria, como emergencia para construir nuestro futuro desde nuestro patrimonio” (Paula Caballería Aguilera, directora de Educación e Inclusión del MAVI).

 

En esta muestra se exhiben obras de los siguientes artistas: Conchita Balmes, Guillermo Frommer, Pancha Nuñez, Gregorio Papic, Valentina Cruz, Marcela Trujillo, Palolo, Lorenzo Moya, Ruperto Cadiz, Sebastián Garretón y Oscar Barra.

 

La exposición CLAVE AZUL muestra una selección de la Colección de Arte Contemporáneo del MAVI en la ciudad de Los Andes.

Fechas: 18 de abril a 28 de mayo de 2018.

Horario: Lunes a viernes, de 10:00 a 13:30 y de 15:00 a 21:00 horas. Sábado de 10:00 a 14:00.

Lugar: Centro Cultural de Los Andes (calle Maipú 475).

Teléfono: 34 250 7815

 

 

Imagen: “Recinto de la Cordillera N° 3” de Gregorio Papic.

DEL FUEGO

Exposiciones

NI TANTO QUE QUEME EL SANTO, NI TAN POCO QUE NO LO ALUMBRE

de BOSCO SODI

MAR – MAY

La exposición del artista mexicano Bosco Sodi, curada por Christian Viveros-Fauné, estará abierta al público desde el 17 de marzo al 6 de mayo en el Museo de Artes Visuales – MAVI.

Las cuatro salas que ocupará tendrán una gran instalación de rocas volcánicas, una pintura de escala monumental en formato “impasto,” con capas de pigmento puro, agua, pegamento y fibras naturales, y diferentes registros de una instalación realizada por el artista en Manhattan, Nueva York.

Guiado por la filosofía Wabi-Sabi, un pensamiento estético japonés que prioriza la autenticidad de la naturaleza y acoge la imperfección, Bosco Sodi emplea materiales rudos y crudos, que a menudo son elementos constitutivos de la naturaleza. Con esto, busca evocar emociones profundas respecto de la creación estética y extender el sentido de la consciencia y la aceptación de la impermanencia. La concepción de las salas del MAVI, en este caso, es reminiscente del jardín japonés Karesansui, cuya característica principal es que se encuentra poblado de esculturas pétreas. Las obras dispuestas en este espacio son extractos del mundo natural alterado y productos de un proceso altamente físico e intentan revelar la belleza a través de sus procesos creativos.

Sodi trae a escena algunas de las formaciones geológicas más antiguas de la tierra y materiales preciosos de antaño, que han sido extraídos de magma volcánico seco del volcán Cerobuco en México y aglutinados por esmalte cerámico de color rojo o dorado. Cada roca ha sido seleccionada por el artista por sus propiedades formales, y sus superficies han sido esmaltadas y luego quemadas con fuego a altas temperaturas por tres días consecutivos. Alterando la textura de la superficie de estas rocas y desplazándolas a un museo, Sodi reflexiona acerca de la percepción humana del valor y la antigüedad y genera una incongruencia en cada pieza: entre emplazamiento y origen, exterior e interior.

Las pinturas monumentales, por otra parte, son hechas a mano y dispuestas de forma horizontal al suelo. Esto responde al interés de Sodi por mantenerse físicamente próximo a la mezcla, producción y aplicación de los materiales, llevándolo a usar sus manos para crear “pinturas-objeto” de corte tridimensional. Otra parte esencial de la manufactura es el medioambiente y el clima, junto con los pigmentos pictóricos. Del mismo modo en que la energía de Sodi reside permanentemente en sus pinturas, el calor del sol las completa, forma grietas y fisuras en el proceso de secado, otorgando la impresión visual de un paisaje natural sublime.

La última sala exhibe piezas de registro del Muro que instaló Sodi en Washington Square Park en septiembre del 2016—un video, fotografías y un ladrillo. En aquella ocasión, el artista construyó un muro de mil seiscientos ladrillos de greda únicos hechos por artesanos locales de Oaxaca y él lo instaló en medio de una plaza de Manhattan. La instalación duró el transcurso de un día, ya que la audiencia derrumbó la obra ante la invitación de Sodi de remover los ladrillos y llevárselos a sus casas. El artista se desprendió del control de la obra reafirmando su preferencia por lo orgánico e impermanente, pero también poniendo en evidencia un punto creativo de importante trascendencia política en el mundo actual: que todo obstáculo puede ser derrumbado por la fuerza colectiva.

 

BOSCO SODI (1970, Ciudad de México). Sodi ha vivido en París, Barcelona y Berlín antes de instalarse en Nueva York. Trabaja en Berlín, Barcelona, México y Nueva York. Crea obras que exploran las áreas en las que la naturaleza y la humanidad se combinan y buscan la belleza implícita en la destrucción.

En sus piezas impera un sentido secular de la espiritualidad a través de lo material, mientras que trascienden sus mismas propiedades materiales a través de una suerte de minimalismo renovado. Como las materias primas varían de lugar a lugar, cada una de las pinturas y esculturas de Bosco Sodi está conectada de forma única al lugar en la que fue creada.

Ha montado exposiciones individuales en importantes museos y galerías de Alemania, Bahamas, Bélgica, Brasil, España, Estados Unidos, Inglaterra, Italia, Japón, México, Portugal y Puerto Rico. Esta es su primera muestra en Chile. Para más información sobre el artista visitar: boscosodi.com

GIVE LIGHT, BUT BURN NOT THE SAINT

By BOSCO SODI

March to May 2018

The exhibition of the Mexican artist Bosco Sodi, curated by Christian Viveros-Fauné, will be open to the public from March 17 to May 6 at the Museum of Visual Arts – MAVI. It is his first exhibition in the country.

The four rooms arranged for the exhibition will have a large installation of volcanic rocks, a monumental scale painting in impasto technique, with layers of pure pigment, water, glue and natural fibers, and different records from an installation by the artist in Manhattan, New York.

Guided by the Wabi-Sabi philosophy, a Japanese aesthetic vision that prioritizes the authenticity of nature and welcomes the imperfection, Bosco Sodi employs rough and crude materials, which are often constitutive elements of nature. With this, he seeks to evoke deep emotions regarding the aesthetic creation, extending the consciousness and the acceptance of impermanence. For this exhibition, MAVI halls/rooms have been designed in the Japanese garden style Karesansui, characterized by its stone structures. The works arranged in this space are extracts from the altered natural world and products of a highly physical process trying to reveal the beauty through its creative processes.

Sodi brings to the scene some of the oldest geological formations of the world and precious materials of yore, which have been extracted from dry volcanic magma of the Cerobuco volcano in Mexico and agglutinated by red or gold ceramic enamel. Each rock has been selected by the artist for its formal properties, and their surfaces have been glazed and then burned with high temperature fire for three consecutive days. Altering the surface texture on these rocks and moving them to a museum, Sodi reflects on the human perception on value and antiquity, generating incongruity in each piece: between placement and origin, exterior and interior.

The monumental paintings, are hand-made and horizontally arranged on the floor. This responds to Sodi’s interest in staying physically close to the mix, production and application of materials, taking his hands to create “object- paintings” in a three-dimensional way. Another essential part of his manufacturing is the environment and climate, together with the pictorial pigments. In the same way that Sodi’s energy is permanently in his paintings, the sun’s heat completes them, creating cracks and fissures in the drying process, granting a visual impression of a sublime natural landscape.

The last room exhibits pieces of the Wall that Sodi installed in Washington Square Park in September 2016 – a video, photographs and a brick. On that occasion, the artist built a wall of one thousand six hundred unique clay bricks made by local craftsmen from Oaxaca and he installed it in the middle of Manhattan’s Washington Square Park. The installation lasted one day, given that the artist invited the audience to remove the bricks and take them to their homes. The artist stepped aside from the control of the work reaffirming his preference for the organic and impermanent, but he also presents in a creative way a current political issue in the world: all obstacles can be dismantled by collective force.

BOSCO SODI (1970, Mexico City). Sodi has lived in Paris, Barcelona and Berlin before settling in New York. He works in Berlin, Barcelona, Mexico and New York. He creates works that explore the areas in which nature and humanity combine, seeking the implicit beauty in destruction.

A secular sense of spirituality prevails in his pieces through the Material/ tangible, while their material properties transcend through a kind of renewed minimalism. Since raw materials vary from place to place, each of the paintings and sculptures is connected in a unique way to the place where it was created.

He has presented individual exhibitions in important museums and galleries of Germany, Bahamas, Belgium, Brazil, Spain, United States, England, Italy, Japan, Mexico, Portugal and Puerto Rico. This is his first exhibition in Chile. For more information about the artist visit: boscosodi.com

Exposición “Del Fuego”

17 de marzo al 6 de mayo 2018. Salas 3 a 6 MAVI

Calle José Victorino Lastarria 307. Martes a domingo, de 11:00 a 19:00 horas

Video sobre la exposición "Del Fuego" de Bosco Sodi. Curada por Christian Viveros-Fauné.

VUELO VERTICAL

Exposiciones

DE PATRICIA VARGAS

MAR – MAY 2018

La artista visual y escultora Patricia Vargas expone la muestra “Vuelo Vertical” en dos salas del MAVI, desde el sábado 17 de marzo hasta el domingo 10 de junio.

Con decenas de dibujos y cuadros creados en técnica mixta, la exposición cuenta con dos partes bien definidas, una sala dedicada a la figura de una “niña que vuela” y la otra sala dedicada a la serie de retratos que hizo de su marido, a quien dibujó hasta sus últimos días de vida.

Patricia Vargas estudió en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Chile donde obtuvo la Licenciatura en Artes con mención en Pintura. Ha sido académica en la misma universidad. En su obra, mezcla diversas técnicas, entre las que se encuentran el dibujo, la fotografía, la pintura y la escultura.

 

La artista cuenta sobre el proceso de obra para la exposición “Vuelo vertical”:

“Desde hace algunos unos años que buscaba una idea para hacer volar un cuerpo, donde la gravedad pudiera desaparecer completamente. Lo pensé primero desde la escultura; pero siempre me topaba con la  pesadez del material. Hasta que en esta búsqueda sobre el volar y la gravedad me topé  con el escultor Español Chillida, que había logrado echar a volar por los aires un tremendo volumen de fierro. Chillida resuelve el problema cuando se encuentra con Santa Teresa y el tema de la levitación. En ausencia de contar con los medios técnicos para resolver desde la escultura tal como hace él, es que me decido por el camino del dibujo, volviendo a la antigua representación del vuelo de los ángeles en la pintura.

De esta manera, a comienzos del año 2012 sentí la necesidad de retomar el dibujo. Fotografié a muchos  que no me sirvieron, hasta que finalmente di con mi modelo, una niña de 4 años muy delgada y extremadamente blanca, figura con la que finalmente resuelvo el tema del vuelo. Simultáneamente a mi trabajo de taller tenía a mi esposo enfermo, que perdía cada día más el habla y por lo mismo se nos dificultaba  la comunicación.  Es por eso que idee otra forma de relacionarme con él, volviendo a lo que sé;  el dibujo. Cada vez que nos viéramos yo lo dibujaría, y decidí que lo dibujaría para siempre. Fueron 4 años de trabajo, hasta su muerte el 14 de marzo de 2016”.

 

Exhibition “Vuelo Veritcal”/ “Vertical Flight”

by Patricia Vargas
The visual artist and sculptor Patricia Vargas exhibits “Vertical Flight” in two rooms of MAVI, from Saturday March 17 to Sunday May 27.

With dozens of drawings and paintings created in mixed media, the exhibition has two well-defined parts, a room dedicated to the figure of a “girl who flies” and the other room dedicated to the series of portraits that she made of her husband, whom she drew until his last days of life.

Patricia Vargas studied at the School of Fine Arts of the University of Chile where she received a Bachelor of Arts degree with a major in Painting. She has been an academic at the same university. In her work, she mixes different techniques, among which are drawing, photograph, painting and sculpture.

The artist talks about the work process for the exhibition “Vertical Flight”:
“For some years now, I was looking for an idea to make a body fly, where gravity could disappear completely. I thought it first from sculpture; but I always came across the heaviness of the material. Until in this search on flying and gravity I came across the Spanish sculptor Chillida, who had managed to blow a tremendous volume of iron through the air. Chillida solves the problem when he meets Santa Teresa and the theme of levitation. In the absence of having the technical means to solve from the sculpture as he does, is that I decide to go on the path of drawing, returning to the old representation of the angels flight in painting.

And so, at the beginning of 2012 I felt the need to return to draw. I photographed many people that did not work for me, until finally I found my model, a very slim and extremely white 4-year-old girl, a figure with whom I finally resolved the theme of the flight. Simultaneously to my work my husband was sick, who lost his ability to speak more and more making communication difficult. That’s why, through drawing, I found a way to connect with him. Every time we saw each other I would draw him, and I decided that I would draw him forever. It was 4 years of work, until his death on March 14, 2016. “

Exposición “Vuelo Vertical”

17 de marzo al 10 de junio 2018. Salas 1 a 2 MAVI

Calle José Victorino Lastarria 307. Martes a domingo, de 11:00 a 19:00 horas