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LOCUS

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DE GIANFRANCO FOSCHINO

AGO – OCT 2016

El agua es el principal protagonista de LOCUS, la nueva exhibición de Gianfranco Foschino, curada por el crítico e historiador de arte Justo Pastor Mellado.

La muestra exhibirá una pieza inédita denominada OJOS DE AGUA, video escultura de cristal de 5 x 3 x 0,5 metros que busca transportar al espectador hacia las aguas de deshielo del río Futaleufú, uno de los más torrentosos del Mundo.

Gianfranco Foschino ha logrado una reconocida carrera a nivel internacional, exponiendo en dos ocasiones en la Bienal de Venecia (2011, 2014), 9na Bienal de Santa Fe, Nuevo México (2014), 18vo Festival Videobrasil, Sao Paulo (2013) y la 10ma Bienal de Artes Mediales, Santiago (2012) entre otras participaciones en países como Argentina, México, Alemania, Austria, España y China.

LOCUS es la tercera muestra individual de Foschino en Chile y la más importante. En esta exhibición vuelve a sorprender con su trabajo que ya casi es una marca registrada: videos silenciosos en tiempo real y cámara fija, que parecieran ser fotografías, ventanas o portales a paisajes que, con un poco más de atención, van develando sus ritmos internos a través de sutiles, y casi imperceptibles, movimientos.

 

 

LOCUS

BY GIANFRANCO FOSCHINO

AGU – OCT 2016

The theme of LOCUS is water, the new exhibition of Gianfranco Foschino, curated by the art critic and historian Julio Pastor Mellado.

The exhibition will show an unknown piece of art called OJOS DE AGUA/ WATER EYES, a crystal video sculpture of 5 x 3 x 0,5 meters which purpose is to transport the spectator to the thawing waters of Futaleufú river, one of the most torrential in the world.

Gianfranco Foschino, who has achieved international recognition, presented two times in the Venice Biennale (2011, 2014), 9th Biennal show of Santa Fe, New Mexico (2014), 18th Video Brasil festival, San Paulo (2013) and the 10th Biennal show of Media Arts, Santiago (2012) among other countries such as: Argentina, Mexico, Germany, Austria, Spain and China.

LOCUS is the third and most important individual exhibition of Foschino in Chile. In this exhibition he will surprise us with his work that consists in silent streaming videos with a fixed camera which seems to be photographs, windows or landscapes and if you pay attention you will see subtle and almost imperceptible movements.

 

WONDERLAND

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DE BRUNA TRUFFA Y RODRIGO CABEZAS

JUN – AGO 2016

La presente muestra exhibe el trabajo individual y más reciente de ambos artistas visuales, más una selección del trabajo del colectivo que ambos componen.

En un ejercicio poco habitual esta dupla de artistas comparte no solo su proyecto colectivo, sino que además invita a explorar sus creaciones particulares, otorgando al público la posibilidad de conocer los procesos creativos individuales de estos artistas.

Wonderland sugiere fantasía y sueño. Un país de maravillas e ilusión, como ya es habitual en Truffa y Cabezas se trata de una ironía. El sueño de la felicidad, la promesa incumplida de la realización neoliberal asumidas por el dúo desde los noventas, toma aquí -eso sí- un carácter más ambiguo que en sus obras anteriores. Si antes el sueño encarnó en la imagen del jaguar o en el jurel tipo salmón aquí lo hace bajo la forma del paisaje y la naturaleza muerta, y deriva, quizás, hacia unas formas que pese a su brillo y exuberancia resultan melancólicas.

La copia y la imitación recorren el fondo de estas pinturas recientes.

Bruna Truffa toma imágenes de las fuentes más diversas. Antiguas o recientes, impresas o digitales, de la alta o de la baja cultura. Da igual, todas se transforman en el taller y concurren a la tela para habitarla y transformarla en la ilusión de un mundo que parece cerrado y autosuficiente.

Por su lado Rodrigo Cabezas expone una serie de obras que nacen de la exploración de los famosos test visuales de Rorschach y Zulliger, transformándolos en composiciones simétricas e intrincadas y que conducen al espectador a un proceso de proyección, en busca de sentido, entre lo que no son más que manchas. La utilización de la mancha como herramienta pictórica les concede a estas obras un carácter más ambiguo y sugerente, que los trabajos anteriores de este autor.

Finalmente las obras de Truffa + Cabezas expuestas, dan cuenta de un quehacer colectivo, en la forma de un Abecedario que ambos realizaron para la publicación del libro “Mitos de Chile” de la premio nacional Sonia Montecino Aguirre.

 

 

WONDERLAND

This exhibition shows the individual and most recent work of both visual artists and a selection of the work produced by the collective.

This time the artist don’t show only their work in common but also show their own personal work giving the audience the possibility of getting to know the individual creative processes of each artist.

Wonderland suggests fantasy and dreams. A country of wonders and illusion, as usual in Truffa and Cabezas it is about irony. The happiness dream, the unreliable promise of the neo-liberalism realization assumed by both artists in the 90, at this point the pieces of work turn more ambiguous that their past pieces of work. The difference is that before the dream incarnated in a jaguar image or in a mackerel, this time it incarnates in a landscape and still life, and transform in shapes that despite its brightness and exuberance seem melancholic.

La copia y la imitación recorren el fondo de estas pinturas recientes.

Bruna Truffa takes images from diverse sources, old or recent, printed or digital, high or low culture. It doesn’t really matter because all of them transform in the studio and come alive in the fabric and then transform in the illusion of a world that seem private and self-sufficient.

Rodrigo Cabezas exhibits pieces of work that emerge from the exploration of the famous tests Rorschach y Zulliger, transforming them in symmetric and intrinsic compositions that lead the spectator to a projection process trying to find sense in something where you can only see spots. The use of spots as a pictorial tool gives the piece of work an ambiguous and intriguing character than the past pieces of work of this author.

Finally, Truffa + Cabezas exhibited pieces of work give a collective job in the form of an alphabet that both made for the publication of a book called “Mitos de Chile”/” Myths of Chile” by Sonia Montecino Aguirre, national award.

 

FRONTERA

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DE GONZALO CONTRERAS

JUN – JUL 2016

La obra de Gonzalo Contreras sorprende.

Escultor de impecable oficio, el ganador del IX Premio MAVI/Minera Escondida Arte Joven Contemporáneo expone por primera vez de manera individual en Santiago, ofreciendo un trabajo totalmente distinto al que le hizo acreedor al premio. Siempre deudor de la cultura pop, Contreras nos enfrenta esta vez con grandes aparatos derivados de un uso corriente, con un fino guiño a nuestra sociedad de deshecho.

Innumerables figuras de juguetes dados de baja se entremezclan en una relación donde no hay jerarquías ni orden aparente, sino simplemente actúan como testigos del abandono, contenidas por correctas estructuras geométricas en contradicción al caos que parece existir en lo interno.

El pop es una vertiente poco reconocida dentro de nuestro medio y Contreras se arriesga una primera vez contrastando su impecable técnica escultórica con imágenes que remiten también a juguetes archi conocidos. En ese contraste logra la sobresaliente pieza que conquisto el premio.

Nada de expresión, nada de abstracción, solo una correcta síntesis.

El contraste se da también en la elección de materiales, ya que el perfecto uso de la piedra que ha sido su marca de fábrica, se combina, para inquietar al espectador, con una imaginería alejada por norma de materiales nobles. En sus últimos trabajos también nos enfrenta, esta vez desde materiales y técnicas que sí se refieren al mundo popular pero en una condición que vuelve a desencajar.  Enormes estructuras que solemos ver en la ciudad, fabricadas en cemento, se alivianan para invitarnos a mirar un contenido que observamos con curiosidad y algo de recelo.

Ahora se arriesga nuevamente y lo vuelve a lograr. Extraños y familiares al mismo tiempo, los exactos tetrápodos interpelan y provocan un extraño malestar desde el interior de la sociedad de lo efímero.

Lo de Gonzalo Contreras es incomodar con una semi sonrisa, apelar a las contradicciones para descolocarnos un poco, no mucho.

 

 

BORDER

BY GONZALO CONTRERAS

JUN – JUL 2016

The surprising piece of art of Gonzalo Contreras

Sculptor and winner of the IX MAVI / Escondida Mine Contemporary Young Art award, will exhibit his individual work for the first time in Santiago offering something totally different to the piece of work that made him the winner of the award. Contreras uses toys that would normally been thrown away to make his big pieces of work.

Countless toys that nobody used were mixed in a relation where there is no hierarchy or order; they are part of a story of abandonment shown by geometric structures which are a contradiction of the inner chaos.

Pop is an unrecognized aspect in our media and Contreras takes the risk contrasting his impeccable sculptural technic with images of very famous toys. Because of the contrast accomplished in this piece of work he won the award.

No expression, no abstraction, just a correct synthesis.

There is contrast shown in the election of materials, a perfect work of stone combined with imagery made of fine materials to worry the observer. In his latest work he surprises us with popular technics and materials but in a condition that makes the spectator feel strange. Huge structures made of cement that we can see in the city are made in a way that we can observe the structure that we commonly see with curiosity and mistrust.

Now he takes a risk again and makes it. These strange and familiar pieces of work evoke feelings since we can’t be indifferent to what the toys mean for each person.

Gonzalo Contreras likes to make people uncomfortable, he appeals to contradiction just to make us feel a little uncomfortable but not so much.

 

YA NADA SERÁ COMO ANTES

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DE GRACE WEINRIB

ABR – JUN 2016

El Museo de Artes Visuales y Beca AMA se complacen en presentar la obra de Grace Weinrib (Los Ángeles, EEUU, 1983), joven artista que se ha dedicado profusa y extensamente a la pintura.

YA NADA SERÁ COMO ANTES

Grace Weinrib se apropia de imágenes recortadas de revistas de arte y fotografía, de cómics, de manuales didácticos de pintura y dibujo, postales y fotografías. Muchas de ellas provienen de las cajas acumuladas que se encontraban en la casa donde creció. Otras son de su propia colección. Aún así, todas pertenecen a una misma época, entre los años sesenta y ochenta. Ella interviene estas imágenes con pintura al agua, acrílico, témpera y acuarela. Brochazos  breves y secos,  suaves  degradaciones de  color,  pinceladas  que mezclan los colores sobre la superficie de la pintura y suaves aguadas, disimulan, borran o resaltan ciertos elementos del fondo.

En la pintura de Grace se goza del color y de la expresión, cuando en ella se confronta a diversos problemas relacionados con la materialidad y los colores. Pero también presenciamos lo que sucede cuando en la pintura el Yo se confronta a su pasado y al desafío de relacionarse con él desde el presente. Por la poca distancia hacia el pasado es que el espacio pictórico está colmado, es obra abundante y llena de expresión. En este pasaje, el color es un medio que evoca distintos estados emocionales y permite elaborar las complejas relaciones al otro.

Fue durante la ayudantía del curso de Color I, junto a Eduardo Vilches, que la práctica del color encauza su trabajo hacia una experimentación detallada de éste. Si bien el color es percibido por un ojo educado en  una “…sociedad que ‘hace’ el color, que le da sus significados y definiciones, que construye sus códigos y sus valores…”  según los saberes

de su época, cada ojo ve como ningún otro y está más o menos ejercitado para hacerlo. Es la particularidad de la mirada sensible, influenciada por su propia historia e inserta en un mundo que no acaba de aprehender. Es un ojo abierto a lo invisible. A través del color, Grace revela, para sí y para el espectador, la singularidad de cada percepción. Detrás de su pintura hay una voluntad que insiste en validar la mirada propia e irremplazable de cada persona.

Ya nada será como antes es la prolongación de su residencia enGasworks. Al llegar a Londres,  Grace trabajaba provisoriamente en un taller del antiguo edificio industrial de Cremer St. destinado a la demolición. Al realizar la fotografía de este espacio, The Studio Seems to be a Painting (2015), Grace se pregunta si está frente a un espacio representado o a un espacio real. La porosidad entre la realidad y la pintura se manifiesta en esta pieza; la puerta parchada como un collage, la pintura blanca utilizada para ocultar y matizar las capas anteriores y las aristas de la pieza donde se acumulan y entrevén los antiguos colores.

Pero aún más, ¿no parece esta pieza contener el misterio de la pintura? Este espacio está cargado de historia y el misterio en la pintura de Weinrib, pienso, se produce precisamente en los espacios en que se construye la memoria, donde se encuentran “…los tesoros de innumerables imágenes de toda clase de cosas acarreadas por los sentidos”2. Allí algunos recuerdos más ocultos que otros se preservan y emergen cuando se les llama.

En La poética del espacio, Gaston Bachelard bosqueja una fenomenología de las imágenes poéticas del secreto, como lo son el cajón, los cofres y los armarios, lugares donde “…vive un centro que protege a toda la casa contra un desorden sin límites”. En la pintura de Grace hay muchos armarios. Como las cajas secretas japonesas realizadas en marquetería, las pinturas de esta muestra, principalmente abstractas, se van subdividiendo en espacios cada vez más pequeños, secretos e íntimos.

Esta segmentación está cuidadosamente elaborada por la interacción del color. Colores disonantes  y  ambiguos ­muchas veces esquivos de un nombre propio­ se cruzan con grandes planos y con vislumbres de color puro que reafirman la determinación de unos, versus la aparente indefinición de otros, al dialogar en la línea de encuentro. Desde los planos más amplios a los más estrechos el color goza de su transformación. Las composiciones podrían pertenecer al armario de André Breton, quien escribe: “El armario está  lleno de lienzos / Hay incluso rayos de luna que puedo desdoblar”. Para Grace

Weinrib, “La pintura es un refugio” ­inscripción en la puerta de su taller­ ya que creo, es ahí donde se organiza la vida psicológica secreta. Y el color es la luz que emana de ella y que se despliega e interactúa sin prejuicios. Emociona.

Apuntes (2015­2016) se compone de las páginas sueltas del diario de la artista. Refleja los múltiples cruces que se operan mientras recorre los parques, barrios, museos y ferias de Londres. Esquemas, diagramas, notas y dibujos revelan el proceso en que la memoria episódica y la semántica se van desenvolviendo.

Durante sus recorridos ­que podemos ver a través de las fotografías Notas al Pie (2016)­ Grace observa los edificios en demolición, frecuentes en Londres. Los espacios interiores de estas construcciones quedan expuestos a la vista de todos durante su destrucción. Se abre una vista cenital de la intimidad. Así como en los edificios a medio demoler en la serie Travelogue (2016), los espacios pictóricos se deconstruyen y se revelan zonas ocultas al cortar la pintura y plegar su reverso hacia adelante.

En La Pieza, the Piece, the Room (2016), Grace interviene un libro con fotografías de los espacios interiores y del mobiliario que desarrolló la comunidad Shaker. Estas construcciones son un reflejo de su pensamiento y creencias: simplicidad, utilidad y honestidad. Este mobiliario de rápida y fácil manufactura se vuelve común en Estados Unidos, donde Grace crece. A través de la intervención de este libro la artista rescata un pasado. Estos interiores, de extremo rigor, ella los habita; son su pieza, sus armarios. La pintura en numerosas capas, es rica y abundante, enteramente íntima y luminosa. La luz de cada pintura parece corresponder a la luz de una hora del día; desde el amanecer al ocaso los inscribe en un presente cotidiano. Al contrario, el blanco de cuatro de ellas las resta del tiempo: son acontecimientos suspendidos.

Finalmente, Olivier (2016) es una serie de pinturas sobre pedazos de cartón de pequeño y mediano formato. Las formas irregulares de las superficies hacen pensar que no son más que fragmentos de una pintura mayor, tal como las reconstituciones arqueológicas de los bajorrelieves egipcios o las pinturas de los muros restaurados del Neues Museum de Berlín, que visita la artista. Así, desde algunas operaciones de la memoria, como la fragmentación, la restitución, la contextualización y la sacralización, y desde la imposibilidad que tiene la memoria de abarcarlo todo, en esta exposición la inmensidad de la pintura se hace presente.

Ya nada será como antes anuncia un nuevo comienzo. Contempla la pérdida y la transformación que se produce en distintos momentos de la vida. En esta ocasión este comienzo se origina al volver del viaje, cuando Grace pinta blanco su taller. Después de serpentear por lasNymphéas de Claude Monet en L’Orangerie, de presenciar una parte de la historia de la pintura en la National Gallery, de ver las flores en el New Covent Garden Market, ya nada será como antes.

 

 

NOTHING WILL EVER BE AS BEFORE

BY GRACE WEINRIB

ABR – JUN 2016

The Museum of Visual Arts and the AMA Scholarship are pleased to present the work of Grace Weinrib (Los Angeles, USA, 1983), a young artist who has extensively devoted herself to painting.

NOTHING WILL EVER BE AS BEFORE

Grace Weinrib uses cut images of art and photography magazines, comics, didactic painting and drawing manuals, postcards and photographs. Many of them come from the accumulated boxes that were in the house where he grew up.

Others are from her own collection. Even so, they all belong to the same period, between the sixties and eighties. She intervenes these images with water-based painting, acrylic, gouache and watercolor. Brief and dry lines, soft color degradations, brushstrokes that mix colors on the surface of the painting and smooth water-colours, dissimulate, erase or highlight certain elements of the background.

In Grace’s painting she enjoys color and expression, when in it she confronts several problems related to materiality and colors. But we also witness what happens when in painting the ego confronts its past and the challenge of relating to it from the present. Because of the little distance with the past is that the pictorial space is full, it is abundant and full of expression. In this, color is the mean that evokes different emotional states and allows to elaborate complex relationships to the other.

It was during the assistant of the class of Color I, with Eduardo Vilches, that the practice of color leads her work towards a detailed experimentation of this.

Although the color is perceived by an eye educated in a “… society that ‘makes’ color, gives it its meanings and definitions, which builds its codes and values …” according to the knowledge of its time, each eye sees as no Another and is more or less exercised to do it. It is the particularity of the sensitive eye, influenced by its own history and inserted in a world that has not just learned. It is an open eye to the invisible. Through color, Grace reveals, for herself and the viewer, the uniqueness of each perception. Behind her painting there is a will that insists on validating the personal and irreplaceable look of each person.

Nothing will ever be as before is the extension of her residence in Gasworks. Arriving at London, Grace worked provisionally in a workshop at the old industrial building at Cremer St. doomed for demolition. Photographing this space, The Studio Seems to Be a Painting (2015), Grace wonders whether she is in front of a represented space or a real space. The dilemma between reality and painting is manifested in this piece; The patched door like a collage, the white paint used to hide and tint the previous layers and the edges of the room where you can see the old colors.

But even more, does this space not seem to contain the mystery of painting? It is full of history and the mystery in Weinrib’s painting, I think, occurs precisely in the spaces where memory is built, where “the treasures of innumerable images of
all sorts of things carried by the senses” are found. Some more hidden memories than others are preserved and emerge when they are called.

In Poetics of Space, Gaston Bachelard outlines a phenomenology of the poetic images of secrecy, such as the drawer, the coffers and the closets, places where “… Lives a center that protects the whole house against a mess without limits.” There are many cabinets in Grace’s painting. Like the Japanese secret boxes, the paintings of this exhibition, mainly abstract, are subdivided into increasingly smaller, secret and intimate spaces.

This segmentation is carefully crafted by the interaction of color. Dissonant and ambiguous colors – often elusive of a proper name – are interspersed with large spaces and glimpses of pure color that reaffirm the determination of some, versus the
apparent indefinition of others, on the line of encounter. From wide to narrow spaces the color enjoys its transformation. The compositions could belong to André Breton’s closet, who writes: “The closet is full of canvases / There are even moonbeams I can unfold.” To Grace Weinrib, “Painting is a refuge” ¬inscription at the door of her workshop – as I believe, this is where secret psychological life is organized. And the color is the light that emanates from it and that unfolds and interacts without prejudice.

Notes (2015-2016) from loose pages of the artist’s diary. It reflects the multiple crosses that run while she walks through parks, neighborhoods, museums and fairs of London. Diagrams, notes and drawings reveal the process in which episodic memory and semantics are unfold.During her tours which we can see through the photographs “Footnotes (2016) “ /”Notas al pie”, Grace observes the buildings in demolition, frequent in London. The interior spaces of these constructions are exposed to the sight of all during their destruction. It shows up the intimacy of the space. As in the half-demolished buildings in the Travelogue series (2016), the pictorial spaces are deconstructed and hidden areas are revealed by cutting the paint and folding its reverse forward.

In “La pieza, the Piece, the Room (2016)”, Grace intervenes a book with photographs of the interior spaces and the urban furniture that was developed by the Shaker community. These constructions are a reflection of her thinking and beliefs: simplicity, utility and honesty. This fast and easy-to-manufacture urban furniture becomes common in the United States, where Grace grows. Through the intervention of this book the artist rescues a past. These interiors, of extreme rigor, she inhabits them; Are his piece, his closets. The painting in numerous layers, is rich and abundant, entirely intimate and luminous. The light of each painting seems to correspond to the light of an hour of the day; From sunrise to sunset, inscribes them in an everyday present. On the contrary, the target of four of them is subtracted from time: they are suspended events.

Finally, Olivier (2016) is a series of paintings on pieces of cardboard of small and medium format. Irregular forms of surfaces suggest that they are nothing more than fragments of a larger painting, such as the archaeological reconstitutions of the Egyptian low-reliefs or the paintings of the restored walls of the Neues Museum of Berlin, which the artist visits. Thus, from some memory operations, such as fragmentation, restitution, contextualization and sacralization, and from the impossibility of the memory to cover everything, in this exhibition the immensity of painting becomes present.

Nothing will ever be as before announces a new beginning. It contemplates the loss and transformation that occurs at different moments of life. On this occasion this beginning originates returning from the trip, when Grace paints white her workshop. After winding through the Nymphéas by Claude Monet at L’Orangerie, to witness a part of the history of painting at the National Gallery, to see the flowers at the New Covent Garden Market, nothing will ever be as before.

 

LA FALSA MODESTIA

Exposiciones

DE IGNACIO GUMUCIO

ABR – MAY 2016

LA FALSA MODESTIA es una exposición compuesta de cuadros, una pintura mural y videos realizados entre  los años 2014 y 2016, que recibió el apoyo del Fondo Nacional para el Desarrollo de las Artes FONDART, del Consejo Nacional de la Cultura y las Artes de Chile.

Es la décima exposición individual de Ignacio Gumucio, que el arista describe como el décimo ejemplo de “no progreso productivo” con el que caracteriza su experiencia en el taller.

“Repetidamente he tenido la convicción de entender cómo pinto y luego veo como esta certeza es borrada por otro modo contrario de pintar, a la hora de comenzar un cuadro los años de experiencia no parecen ofrecer ninguna base desde donde sustentar la apuesta, se suceden los años y no hay progreso. Expongo por décima vez como si fuera la primera o la última,  en cada oportunidad aprendo mucho y olvido lo mismo”.

Gumucio se propone mostrar los modos dispares de contar pintando; intenta a su manera los géneros más recurrentes de la pintura: el paisaje, las escenas, la alegoría y el retrato.

LA FALSA MODESTIA incluye también una película ficción de 25 min. escrita y realizada por Gumucio, en la que se relatan cinco historias ejemplares a propósito de la relación maestro-discípulo en la enseñanza del arte.

Se exhiben además videos realizados en colaboración con los artistas Luis Cosiña, Álvaro Díaz, Gonzalo Aguirre, Pier Stockholm y Carolina Saquel.

“A los artistas hay que creerles poco cuando hablan de la relación que mantienen con su obra. Suelen mostrarse exageradamente arrogantes o ridículamente humildes.

Yo también me he balanceado entre estos dos polos, evadiendo así entregar respuestas directas a los que me interpelan y me preguntan por qué pinto.

Esforzándome por ser sincero; digo que pinto para mostrar. Que lo hago desde el año 1996. Que las diez exposiciones que he presentado desde entonces son todas como fue la primera y como imagino será la última. Que cada vez no puedo evitar mostrar todo lo que sé hacer y lanzar los dardos en todas las direcciones al mismo tiempo como si fuera un candidato ansioso en una audición de talentos.

La falsa modestia que nubla y desvirtúa mi pensamiento, a la hora de definir como son mis pinturas, es la que me permite seguir enganchado al taller y las exposiciones. Los años de experiencia no parecieran ofrecer ninguna base desde donde sustentar una apuesta nueva.

Pinto sin progresar, sin consolidar, haciendo diez veces mis primeras armas.”

Ignacio Gumucio

 

THE FALSE MODESTY

BY IGNACIO GUMUCIO

APR – MAY 2016

LA FALSA MODESTIA/ The False Modesty is an exhibition that contains paintings, wall paintings and videos made in between 2014 and 2016 which received the support from the National Fund for the Development of Culture and Arts (FONDART) and the National Council of Culture and Arts (CNCA) in Chile.

It’s the tenth individual exhibition of Ignacio Gumucio which the artist describes as the tenth example of ”no productive progress” as he characterizes his experience in the studio.

“Many times I have had the conviction of the way I like to paint but then this conviction is gone when I find another completely different way of painting. At the moment when I start a painting, the experience doesn´t give me a base to support a new project, years go by and there is no progress. This will be my 10th exhibition and It’s going to be as if it was the first one or the last one, in each opportunity I learn very much and forget the same I forgot before.”

Gumucio proposes to show the different ways of counting painting; Tries in his own way the most recurrent genres of painting: the landscape, the scenes, the allegory and the portrait.

LA FALSA MODESTIA/ The False Modesty includes a 25 minute fiction film written and made by Gumucio, where five exemplary stories related to the relationship between a master and a disciple of art teaching is narrated.

There are also videos made in collaboration with some artists like Luis Cosiña, Álvaro Diaz, Gonzalo Aguirre, Pier Stockholm and Carolina Saguel.

“We shouldn’t believe everything the artists say about their relation with their piece of work. They usually show themselves extremely arrogant or ridiculously humble. I have been between both poles trying not to give direct answers to the people who request information or ask me the reason I like to paint.

Trying to be honest I say I paint to show my work of art, I do it since 1996. Also all the exhibitions I have presented have been like the first one and as I imagine will be the last one. I can’t help showing everything I know.

False modesty is what affects and twists my thinking when I try to define my pieces of art, which is what makes me want to come back to the studio and the exhibitions. Years of experience doesn´t give you a base to support a new project. I paint without progress, without consolidation, making ten times my first weapons”.

Ignacio Gumucio

 

PROFUNDO

Exposiciones

CLAUDIA BITRÁN

ENE – MAR 2016

Es su fascinación por el pop la que la llevó a fijarse en la ultra popular película “Titanic” que James Cameron estrenó en 1997. ¿Su idea? Rehacer esta famosa cinta, pero con materiales de desecho, como cartón y plastilina que hacen de escenografía a las diferentes escenas que protagoniza, dirige y produce la misma Claudia Bitrán, junto con amigos, artistas y desconocidos que han aportado con sus actuaciones.

Es, también, uno de los mayores proyectos que esta artista visual chilena- estadounidense, egresada de la Pontificia Universidad Católica, ha desarrollado a lo largo de su carrera. ¿Qué exhibirá? Una exposición que muestra todo el backstage de su trabajo para llegar a filmar “Titanic, una emoción profunda”, la cinta que rehace al archiconocido filme y que trabaja desde hace un año y medio.

La muestra lleva por nombre “Profundo” y expone fotografías, videos, esculturas de cartón, papel y plastilina, entre otros trabajos que han dado vida a su película y que pone en evidencia lo que fue el monumental barco Titanic. “En esta exhibición los espectadores podrán sumergirse en las fantasías seductoras, oscuras, humorísticas y sorprendentemente profundas del mundo pop”, explica Claudia Bitrán, quien además es conocida por su participación en el programa de canal 13 Mi nombre es, donde interpretó meticulosamente a Britney Spears.

Acerca de la muestra, la artista cuenta: “Al entrar al Museo de Artes Visuales (MAVI), el espectador recorrerá un laberinto con dibujos de storyboards, esculturas de cartón, de papel y de plastilina, con fotografías y videos. Al mismo tiempo, los espectadores podrán interactuar con las instalaciones de gran escala que consisten en una enorme escenografía del Titanic, un muro gigante de agua falsa, entre otras obras que funcionan como telones cinematográficos para quieres los quieran activar”.

La exhibición “Profundo” se inaugura el 14 de enero de 2016, a las 19.30 horas. La muestra se exhibirá hasta el 27 de marzo en MAVI, ubicado en José Victorino Lastarria 307.

La artista.

Claudia Bitrán es una artista chilena-estadounidense que vive en Nueva York.  Estudió arte en la Universidad Católica de Chile (2009) y luego un Magíster en pintura en Rhode Island School of Design (2013). Es una artista multidisciplinaria que trabaja con pintura, video, performance y sonido.  Ha participado de numerosas residencias, de exhibiciones de arte y festivales de videos internacionales. En Chile, recientemente, obtuvo la primera Mención honrosa en el concurso Juan Downey de la Bienal de Artes Mediales.

 

 

DEEP/ PROFUNDO

CLAUDIA BITRÁN

ENE – MAR 2016

It is her fascination with pop that took her to look at the ultra-popular “Titanic” movie that James Cameron premiered in 1997. Her idea? Remake this famous film, but with waste materials such as cardboard and plasticine to create the scenographies of different scenes that Claudia Bitrán stars,directs and produces along with friends, artists and strangers who have contributed with their performances.

It is also one of the largest projects that this Chilean-American visual artist, graduated from the Pontificia Universidad Católica, has developed throughout her career. What will she exhibit? An exhibition that shows the whole backstage of her work to get to the film “Titanic, a deep emotion,” the film that remakes the well-known film and that she has been working for a year and a half.

The exhibition is named “Profundo” / “Deep” and it exposes photographs, videos, cardboard sculptures, paper and plasticine, among other works that have given life to her film and that reveals how monumental the Titanic Ship was. “In this exhibition, viewers will be able to immerse themselves in the seductive, obscure, humorous and surprisingly deep fantasies of the pop world,” explains Claudia Bitrán, who is also known for her participation in the channel 13 program Mi nombre es/ My Name is…, where she interpreted meticulously as Britney Spears.

About the exhibition, the artist says: “E ntering the Museum of Visual Arts (MAVI), the spectator will walk through a hall way with drawings of storyboards, cardboard sculptures, paper and plasticine, with photographs and videos. At the same time, viewers will be able to interact with big installations, of a huge set of Titanic, a giant wall of fake water, among other works that act as movie screens for those who want to activate them.

The “Profundo” “Deep”exhibition will be inaugurated on January 14, 2016, at 7:30 p.m. The exhibition will be exhibited until March 27 in MAVI, located in José Victorino Lastarria 307.

The artist.

Claudia Bitrán is a Chilean-American artist living in New York. She studied art at the Catholic
University of Chile (2009) and then a master’s degree in painting at Rhode Island School of Design (2013). She is a multidisciplinary artist who works with painting, video, performance and sound. She has participated in several residencies, art exhibitions and international video festivals. In Chile, she recently won the first Honorable Mention in the Juan Downey Contest of the Biennial of Media Arts.

 

X PREMIO MAVI / MINERA ESCONDIDA ARTE JOVEN CONTEMPORÁNEO

Exposiciones

DIC 2015 – MAR 2016

Cumplimos 10 años.

Estamos de aniversario, cumplimos 10 años realizando el Concurso de Arte Joven y lo celebramos con la consecución de una meta: una década junto a Minera Escondida, sacando a la luz e impulsando a los nuevos talentos de las artes visuales de nuestro país.

Podemos decir que casi una generación de artistas ha sido impulsada por el concurso que ha concentrado a jóvenes que ahora se desenvuelven dentro del medio nacional e internacional, otorgando la posibilidad de demostrar su valor a un segmento de artistas para los cuales la instancia de exposición en museos es escasa.

El X Premio MAVI/Minera Escondida Arte Joven Contemporáneo se realiza dentro del marco de difusión y promoción del arte contemporáneo, escenario que para el Museo de Artes Visuales representa una pieza clave dentro de sus objetivos.

Este año además, se realiza por segunda vez la residencia de un artista de Antofagasta en la ciudad de Santiago, premio que junto con el concurso, suscribe al objetivo de ambas instituciones por apoyar la creación de los artistas jóvenes del país.

El jurado del X Premio MAVI/Minera Escondida Arte Joven Contemporáneo está compuesto este año, por Jorge Brantmayer, fotógrafo, Maria Irene Alcalde, curadora colección MAVI y por tres reconocidos artistas cuya obra podemos ver actualmente en Santiago:

Teresa Gazitúa, en MAVI con la exposición Tiempo de Piedras, Raimundo Edwards, en galería Tajamar, con Hexagonal y Joaquín Sánchez, jurado internacional, quien se encuentra exponiendo en el MNBA en la exposición Cruces Líquidos.

 

 

X MAVI MINERA ESCONDIDA YOUNG CONTEMPORARY ART AWARD

DIC 2015 – MAR 2016

We celebrate our 10th anniversary

Today is the 10th anniversary of the Young Art contest and we celebrate it with the achievement of a goal: one decade with Escondida Mine showing and helping new talents of visual arts in our country.

We can say there is almost a whole generation of artists that have grown because of the contest that gathered young people who are participating in national and international media giving the possibility of showing the value of a segment of artists which have low possibilities of showing their exhibition in a museum.

X MAVI MINERA ESCONDIDA YOUNG CONTEMPORARY ART AWARD is made to promote and disseminate contemporary art. This is important for Museum of Visual Arts because is one of their most important objectives.

Also, this year we receive an Artist-in-residence for second time in Santiago from Antofagasta that with the award and the contest endorses the objective of both institutions which is to support the creation of young artists of the country.

The judges of the X MAVI MINERA ESCONDIDA YOUNG CONTEMPORARY ART contest is composed by the photographer Jorge Brantmayer, Curator of MAVI collection Maria Irene Alcalde and three recognized artists who are exposing their pieces of work presently in Santiago:

Teresa Gazitúa at MAVI with an exposition named Tiempo de Piedras/ Stones Time, Raimundo Edwards at the Tajamar gallery with the expositions Hexagonal and Joaquín Sánchez (national judge) at MNBA in an exposition called Cruces Líquidos/ Liquid Cross.

 

HOMO VIATOR

Exposiciones

DE EUGENIO TÉLLEZ

OCT – DIC 2015

“Estas pinturas son bitácoras de viajes que cruzan y traspasan el lugar de origen o el destino. Más bien, se movilizan en una infinita trayectoria de rumbos contradictorios, incómodos e irreparables, como los desenlaces negros e impredecibles de la vida”, sentencia la investigadora Soledad García, acerca del trabajo que desde el 9 de octubre se podrá ver en el Museo de Artes Visuales, MAVI.

En la muestra el artista transmite su visión de mundo a través de estrategias pictóricas y  experimentaciones plásticas. Es el caso de su serie Batallas, donde toma el devenir humano y los procesos colonizadores. Además de realizar una suerte de visión radiográfica, en la que asocia mapas cartográficos con descripciones anatómicas del cuerpo humano.

En la exposición, Téllez reflexiona sobre la identidad cultural de diversas partes del mundo y de personajes míticos de diversas culturas, centrándose en el reconocimiento de poetas y escritores que se despliegan en sus pinturas. Asimismo, se observan tiempos y espacios dispares donde cohabitan sacrificios ancestrales, guerreros desnudos con misiles transcontinentales y aviones supersónicos con dibujos de tira cómica o citas de la historia del arte.

“Téllez compone un bestiario de muertes. Algunas trágicas y repentinas, otras voluntarias y arrojadas. Muertes aferradas al deseo imposible de desaparecer, asociadas al afán de mantener la identidad irreconocible en vida. Estas pinturas visten la actitud del otro para ceder y sobrepasar el viaje de uno. Un trayecto que tal vez sólo es posible recomponiendo un cierto lugar origen y sobre todo, el destino”, finaliza García.

El artista.

Eugenio Téllez nació en Santiago en 1939. Estudió en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Chile y desde 1960 trabajó con Stanley William Hayter, uno de los grabadores británicos más importantes del siglo XX y, también, con el artista Marcel Duchamp. Se ha desempeñado como profesor en la Universidad de Illinois y en la Escuela de Pintura y Escultura Skowhegan, ambas de Estados Unidos, además de la Escuela de Bellas Artes en la Universidad de York en Canadá.

El artista tiene la característica de trabajar varias telas al mismo tiempo. Entre sus técnicas usa pigmentos al agua que combina con óleo al manchar la tela y luego poner capas sucesivas de este producto, lo que le permite hacer incisiones en la superficie para que aparezcan los colores subyacentes. Ha incursionado en el video y la acción de arte y en las obras del último período, ha hecho series de pinturas en las que vincula los acontecimientos históricos con obras de gran formato y con títulos como Santa Fe, El entierro de Luciano, Isidore Ducasse.

Ha sido distinguido con el Premio de Grabado de la Bienal de París, Francia; de la Bienal de Latinoamérica de la Casa de Las Américas en Cuba; y el reconocimiento de la Crítica de Chile, entre otros.

 

HOMO VIATOR

BY EUGENIO TÉLLEZ

OCT – DIC 2015

“These paintings are a travelogue that goes beyond the place of origin or the destination. These paintings move in an infinite trajectory of contradictory directions, uncomfortable and irreparable as the dark and unpredictable endings in life”, said the researcher, Soledad Garcia, about the exhibition we will be able to see from the 9 of October in Museum of Visual Arts, MAVI.

In this piece of work, the artist transmits his vision of the world through pictorial strategies and plastic experimentations. For example, in his battle series he explains the human evolution and the colonial process. Besides, making kind of a radiographic vision in which he associates cartographic maps with anatomic descriptions of the human body.

In the exhibition, Téllez reflects on the cultural identity of different parts of the world and mythical figures of different cultures, focusing on the recognition of poets and writers you can see on his paintings. Additionally, you can observe different time and spaces where ancestral sacrifices, naked warriors with transcontinental missiles and supersonic planes with comic strip drawings or art history quotes cohabitate.

Téllez forms a death bestiary. Some of these deaths are sudden and tragic and others brave and voluntary. Deaths stubborn to the impossible desire of disappearing associated to the eagerness of maintaining their identity unrecognizable while living. This paintings use the other’s attitude to transfer and overtake the journey of one. A trajectory that is only possible repairing a place of origin and above everything, the destination” said García.

The artist

Eugenio Tellez was born in Santiago in 1939. He studied in the School of Fine Arts of Universidad de Chile university and since 1960 he worked with Stanley William Hayter, one of the most important print makers of Britain in the XX Century, also with other artist called Marcel Duchamp. He has been a teacher in the University of Illinois and in the school of paintings and sculptures Skowhegan, both in the United States besides the School of Fine Arts at the University of York in Canada.

This artist has the characteristic of working with several canvases. Among his technics he uses water-based pigments which he mixes with oil painting when he paints and then he puts lots of layers of it to make underlying colors appear.

He has dabbled in video and action art and in the pieces of work of the last period, he has made a series of paintings where he links historical events with large-format works with titles such as SantaFe/ Holy faith, El entierro de Luciano/ The burial of Luciano, Isidore Ducasse.

He has been honored with the Engraving Award in the Biennial of Paris, France; the Biennial of Latin America in la Casa de Las Américas in Cuba and, the honor of the critics of Chile among others.

 

LO QUE SE MUEVE EN LA MEMORIA

Exposiciones

DE CARLA RIPPEY

JUL – OCT 2015

La artista visual presenta 75 fotografías rescatadas entre los años 2001 y 2010 que se adentran en la realidad de diversos habitantes de “las Américas”, como los Selk’nam y los Inuit, o las experiencias de migrantes mexicanos y colonos europeos. La exposición también examina las imágenes que arroja la búsqueda en internet de  las palabras: Mujeres, fuego y objetos peligrosos.

Asimismo, explora “las formas en que nos proyectamos, los disfraces que asumimos frente a la sociedad, sobre todo referente al género que nos toca, ya sea el masculino o el femenino”, explica.

En esta oportunidad se exhibe por primera vez Imagen espejo, compuesta por quince dibujos que visibilizan ritos y prácticas antropológicas, como ceremonias, donde se presenta la idea del enmascaramiento y cuerpos pintados.

“La particularidad de su discurso artístico radica en que expandió los márgenes que usualmente han constreñido al dibujo. En su caso las utilizó para compilar un atlas de imágenes donde la apropiación, selección y edición se alzan como las estrategias relevantes, desplazando el interés sobre lo ‘artesanal’ y ‘manual’ con que se describe la destreza en el dibujo”, dice el curador de la muestra Carlos E. Palacios.

La artista.

Carla Rippey (Kansas City, EE.UU, 1950) estudió artes visuales en la Sorbona y en la Universidad de Nueva York. Vivió en Santiago, donde aprendió grabado en los talleres de la Universidad de Chile y Católica. Participó del Movimiento Feminista de Boston y fue simpatizante del Movimiento de Izquierda Revolucionaria (MIR), durante el gobierno de Salvador Allende. Actualmente vive en México donde trabaja su obra e imparte el curso Gráfica Alternativa en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado, La Esmeralda.

La artista afirma que su obra gráfica fue influida por la cultura estadounidense de los años 60, el movimiento feminista, su estadía en Chile y su participación en el movimiento infrarrealista de México (donde compartió con el escritor nacional Roberto Bolaño) y en el grupo de arte experimental Peyote y la Compañía.

 

WHAT MOVES IN THE MEMORY

OF CARLA RIPPEY

JUL – OCT 2015

This visual artist presents 75 photographs in between 2001 and 2010 from the reality of diverse habitants of “the Americas” including Selk’nam and Inuit people or the experiences of the Mexican emigrants and the European colonists. The exposition examines the images of the results in internet of the words: Women, fire and dangerous objects

Also, it explores “the way we project ourselves, the masks we assume in front of society, especially in our gender depending if you are a women or a men”, she explains.

This is the first time that a mirror image is exhibited; it is made of 15 drawings that perceive anthropological rituals and practices such as ceremonies, where the idea of masking and body painting is presented.

“The distinctive feature of her artistic speech consists in the expansion she made in the edges usually used in drawings. In this case she used it to compile an atlas of images where the appropriations, selection and edition rises like the relevant strategies, moving the interest on “handcraft” and “handmade”, as certainty is described in drawings”, said the curator of the exhibition Carlos E. Palacios.

The Artist

Carla Rippey (Kansas City, EE.UU, 1950) studied visual arts in Sorbona y at the University of New York. She lived in Santiago, where she learned printing in Universidad de Chile and Universidad Católica universities. She participated in the feminist movement in Boston and was sympathizer of the Leftist Revolutionary Movement (MIR), during Salvador Allende government. Today, she lives in Mexico where she works her pieces of art and gives alternative graphic courses in the National School of Painting, Sculpture and Printing, La Esmeralda.

The artist affirms that her graphic piece of work was influenced by the United States culture of the 60, the feminist movement, her stay in Chile and her participation in the infrarrealism movement of Mexico (where she spent time with the national writer Roberto Bolaño) and in the experimental art group Peyote y la Compañia/” The Company”.

 

TIEMPO DE PIEDRAS

Exposiciones

DE TERESA GAZITÚA

JUL – SEP 2015

“Esta exposición agrupa quince años de trabajo constante, meticuloso, abierto a las innovaciones técnicas y conceptuales y rico en sus resultados. Todas estas obras se relacionan con las rocas, utilizadas por la artista en tres acepciones básicas: como materia prima que forma, tal cual, o apenas modificada, parte del corpus de varias obras, o captada en fotografías base de otros trabajos.

Y, desde luego, como metáfora, alusión y símbolo del tiempo.

Las obras fueron creadas a partir de búsquedas realizadas en el río Maipo, tomando elementos que le son constitutivos, como su caudal y los cantos rodados que arrastra y transforma. Otras fuentes han sido las rocas de Tunquén, y los pedregales de Neuquén (Argentina), roqueríos de la costa de la 5a Región, piedras pizarra de Cobquecura y fragmentos pétreos encontrados en Buchupureo. Cada elemento recolectado o fotografiado tiene sus propias y peculiares características.

El intenso sentimiento de la artista hacia el mundo natural deriva de su existencia personal, de los vínculos que ha desarrollado con el entorno. Aprendió allí a leer sus signos, procesos y ciclos, desarrollando una capacidad interpretativa del espacio y del tiempo.

Estos dos conceptos, espacio y tiempo, constituyen el corpus conceptual de su obra…”

 

 

STONES TIME

TERESA GAZITÚA

JUL – SEP 2015

“This exposition is made of 15 years of constant, meticulous, open to technic and conceptual innovation with very good results. All the pieces of work al related to rocks which are used by the artist in three basic meanings: as a raw material or slightly modified, as part of the corpus of different works or captured in photographs based in other works.

Also, as a metaphor, an allusion and a time symbol.

The pieces of work were created based on the search carried out in The Maipo River, taking and transforming constituting elements like its flow and river stones. Other sources used have been the rocks of Tunquén, rocky ground of Neuquén (Argentina), rocky ground of the 5th region, slate of Cobquequra and rocky pieces found in Buchupureo. Each element collected or photographed has its own peculiar characteristics.

The intense feeling of the artist towards the natural world come from his personal existence and the bonds he has established with the environment. He learnt to read his signs, processes and cycles, developing an interpreting capacity of time and space. This two concepts, time and space, form the conceptual corpus of his piece of work…”