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REVISTIENDO

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DE MARÍA FERNANDA GUZMÁN

ABR – JUN 2015

Revistiendo es el nombre de la muestra que Guzmán presentará desde el 28 de abril. Ésta pretende extremar el acto doméstico de revestir mobiliario. La exhibición “se compone, principalmente, de dos instalaciones modulares en las que han sido alterados algunos factores”, cuenta la artista.

Para lograrlo, pondrá un paño que no sólo cubrirá un mueble, sino que también un espacio del museo. En ese contexto, “el paño se despoja de su condición de objeto, transformándose en algo vivo. Cubre el espacio, lo protege y altera al mismo tiempo con la intención de generar distintas lecturas”, explica.

 

La artista.

María Fernanda Guzmán es licenciada en Artes Visuales de la Universidad de Chile. Recibió el Premio MAVI/MINERA ESCONDIDA: Arte Joven Contemporáneo por su escultura de cerámica Revestir 2, propuesta que se originó a partir de la reflexión en torno al hecho de cubrir los objetos mobiliarios con pequeños manteles tejidos a crochet.

 

 

REVISTIENDO/RECOVERING

BY MARÍA FERNANDA GUZMÁN

APR – JUN 2015

The exhibition that Guzmán will present the 28th of April is named Revistiendo/Recovering. It expects to increase the domestic act of covering furniture. The exhibition “is made of two modular installations were some factors have been modified”, said the artist.

In order to make that happen, he puts a cloth that will not only cover the furniture but will cover part of the museum. In this context, the cloth stops being an object and transforms in something alive. It covers, protects and modifies the space with the intention of generating different interpretations”, he explains.

The artist

María Fernanda Guzmán studied Visual Arts at Universidad de Chile University. She received the MAVI / ESCONDIDA MINE : Contemporary Young Art Award because of her ceramic sculpture Revestir 2/Recover2, design which origins come from the reflection about covering furniture objects with small crochet tablecloths.

 

ALGO SUSPENDIDO / ALGO

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DE BENJAMÍN OSSA

ABR – JUN 2015

La idea que rodea al conjunto de obras que presenta Benjamín Ossa en Algo suspendido/ Algo, hace del cuerpo y el espacio el sistema de cognición. El objetivo, dice, es “disponer de nuestra inestabilidad perceptiva para trabajar en un ambiente de referentes y expresar que el entendimiento está sujeto al tiempo y experiencia, a lo que falta o se encuentra suspendido”.

Sus piezas tienen que ver con la constante transformación de las cosas, con la búsqueda del conocimiento y con los contextos arquitectónicos donde se presentan los dibujos.

El artista.

Benjamín Ossa tiene estudios de artes visuales y diseño. Su obra aborda problemas de percepción entre individuo y espacio, el estudio de los fenómenos y sus desplazamientos a instalaciones que apelan a la experiencia utilizando la luz como material y herramienta de trabajo. Ha expuesto en distintas galerías de Santiago, como también en Montevideo, Uruguay. Además, publicó el Libro Temprano (Ediciones Daga) del año 2013.

 

SOMETHING SUSPENDED / SOMETHING

BY BENJAMÍN OSSA

APR – JUN 2015

The idea in all the pieces of Algo Suspendido/Algo – Something suspended/ Something of Benjamin Ossa is making the body and space a cognition system. The objective is to make use of our perceptive instability to work in a model environment and express that the understanding depends on the time and experience, what is missing or suspended”, he said. His pieces have something to do with the continuous transformation of things, the pursue of knowledge and architectural contexts where drawings are presented.

The Artist

Benjamin Ossa has studies in visual arts and design. His pieces of work present problems based on perception between the individual and the space, the study of phenomena and their movement to installations that appeal to experience using light as a material and a tool for work. He has exhibited his pieces of work in different galleries of Santiago as well as in Montevideo, Uruguay. Also, he published a book called Libro Temprano/ Early Book (Daga Editions), 2013.

 

COLECCIÓN PEDRO MONTES, SELECCIÓN DE OBRAS JUSTO PASTOR MELLADO

Exposiciones

MAR – JUN 2015

EL ARTE DE LOS 70 Y 80 REUNIDOS EN LA COLECCIÓN DE PEDRO MONTES.

Pedro Montes, abogado y dueño de Galería D21, se ha dedicado a rastrear y rescatar obras de los artistas más emblemáticos de los años 70 y 80, como Eugenio Dittborn, Carlos Leppe y Paz Errázuriz.

La exposición COLECCIÓN PEDRO MONTES tiene como objetivo mostrar el imaginario del coleccionista a través de un “gabinete de curiosidades”, cuenta el curador de la exhibición, Justo Pastor Mellado.

La muestra se inaugura el sábado 21 de marzo, y se extiende hasta el 14 de junio en el MUSEO DE ARTES VISUALES, MAVI, ubicado en José Victorino Lastarria 307, Plaza Mulato Gil de Castro.

Si de coleccionismo se trata, Pedro Montes (45) es una de las personas indicadas con quien charlar. Este abogado y dueño de Galería D21 (Nueva Lyon 19, Providencia) se ha dedicado a rescatar obras de destacados artistas chilenos de los años 70 y 80, tal es el caso de Eugenio Dittborn y Lotty Rosenfeldt, quienes en los duros días de la dictadura posicionaron el arte contemporáneo nacional y se convirtieron, incluso, en sus referentes.

Su pasión por el coleccionismo se inició adquiriendo autógrafos y manuscritos de poetas como Vicente Huidobro o Enrique Lihn.  Pero no fue hasta su paso por el taller del artista visual Eugenio Dittborn, donde comprendió la “pulsión” que relaciona la escritura y el dibujo y que determina la lógica de las adquisiciones.

De esta manera fue como reunió una gran colección que desde el 21 de marzo se podrá visitar en el MUSEO DE ARTES VISUALES, MAVI. La exposición tiene como objetivo mostrar el imaginario del coleccionista a través de la idea de Gabinete, o “gabinete de curiosidades”, como describe el curador de la exhibición, Justo Pastor Mellado.

El primero de estos gabinetes se titula El trazo inicial y contempla dibujos de Oscar Gacitúa, Germán Arestizábal, Eugenio Dittborn, Francisco Smythe, Juan Luis Martínez, Pablo Langlois, Enrique Lihn, entre otros, donde se manifiesta la pulsión defensiva de un grupo de artistas de diversa proveniencia, pero que comparten una similar intensidad  que corroe las  formas clásicas de las representaciones sociales.

En tanto el segundo, se denomina La transmisión de la pintura y muestra un conjunto de creaciones de Juan Domingo Dávila, Bororo, Manuel Torres, y el mismo Dittborn. Algunas de estas piezas pertenecieron a la colección de Francisco Zegers. Ambos gabinetes hacen referencia a obras realizadas entre los años 1972 y 1982.

EL TERCERO SE DENOMINA, LA VERDADERA IMAGEN, NOMBRE REFERIDO A LA HISTORIA DE UNA PINTURA QUE LE TIENE FOBIA A LA REPRESENTACIÓN DE LA CORPORALIDAD.

Efectos de viajes es el nombre del cuarto y último gabinete, que corresponde a la exhibición de obras de este grupo de artistas que en un momento determinado se encontró en Nueva York o en París. Ellos compartieron, bajo diversas condiciones, una estadía determinada, en una de estas dos capitales, lo que determinó posteriormente su trabajo.

 

PEDRO MONTES COLLECTION, SELECTION OF WORKS JUSTO PASTOR MELLADO

MAR – JUN 2015

THE ART OF THE 70’S AND 80’S IN PEDRO MONTES COLLECTION.

Pedro Montes, lawyer and owner of D21 gallery, has dedicated to look for the pieces of work of the most emblematic artist in the 70 and 80 such as Eugenio Dittborn, Carlos Leppe y Paz Errázuriz.

COLECCIÓN PEDRO MONTES exposition has as an objective to show the imaginary of the collector through a “curiosity cabinet”, said the curator of the exhibition, Justo Pastor Mellado.

The showing is inaugurated the 21st of March and it extends until the 14th of June in MUSEO DE ARTES VISUALES, MAVI museum, located at José Victorino Lastarria 307, Mulato Gil de Castro square. If you need to talk with someone about collecting, Pedro Montes (45) is the right person to talk to. This lawyer and owner of D21 gallery located at Nueva Lyon 19, Providencia, has dedicated to recover the pieces of work of renowned Chilean artists in the 80´s and 90´s such as Eugenio Dittborn and Lotty Rosenfeldt who in the rough days of dictatorship positioned contemporary national art and transformed in a model of it.

His passion for collecting started when he started to get autographs and manuscripts of poets such as Vicente Huidobro or Enrique Lihn. But it was not until he passed through the studio of the visual artist Eugenio Dittborn that he understood the “drive” that relates writing and drawing and establishes the logic of acquisitions. This was the way he made a big collection that we are going to be able to see since the 21st of May in MAVI museum. The objective of the exhibition is to show the imaginary of the collector through Cabinet idea or “Curiosity Cabinet”, described the curator of the exhibition, Justo Pastor Mellado.

The first cabinet is named “El trazo inicial”/ “The Initial Stroke” and it contemplates drawings of Oscar Gacitúa, Germán Arestizábal, Eugenio Dittborn, Francisco Smythe, Juan Luis Martínez, Pablo Langlois, Enrique Lihn, among others where it manifests the defensive drive of a group of artists of different origins, but who share a similar intensity that corrodes the classic forms of the social representations.

While the second, is named “La transmisión de la pintura”/ “The transmission of the painting” and it shows a combination of creations of Juan Domingo Dávila, Bororo, Manuel Torres and Dittborn. Some of these pieces where from the collection of Francisco Zegers, both cabinets make reference to pieces of work made between 1972 and 1982.

THE THIRD IS CALLED, “LA VERDADERA IMAGEN”/ “THE REAL IMAGE”, THIS NAME RELATED TO THE STORY OF A PAINTING THAT HAS PHOBIA TO THE REPRESENTATION OF CORPORALITY.

The name of the fourth and last cabinet is “Efectos de viajes”/” Travel Effects”, which is the exhibition of pieces of work of this group of artists that met in New York or Paris. They shared under several condition a stay in one of those capitals which after determinate their work.

 

IX PREMIO ARTE JOVEN

Exposiciones

DIC 2014 – FEB 2015

La obra de talla en piedra ¿Dónde está mi mente? de Gonzalo Contreras, fue galardonada con el primer lugar del prestigioso certamen.

Mientras, el segundo premio se quedó en manos de Natacha Cabellos por su instalación Recuerdos y el tercer reconocimiento recayó en Ash Aravena por su trabajo Estado de ocupación.

Por su parte, se reconoció con menciones honrosas a Vidrio espejo de Catalina Andonie; a Mitología del caminar de Fernanda López y a Lo que se espera de mí. El desenmascaramiento del príncipe superpoderoso Mr. Músculo de Daniela Escala, quien se llevó el premio especial destinado a regiones.

Los seis títulos que destacaron en esta nueva versión, son parte de la exposición que además reúne otros trabajos de concursantes y se extenderá hasta el 1 marzo en el Museo de Artes Visuales (MAVI).

La IX versión del Premio Arte Joven Contemporáneo MAVI/Minera Escondida es organizado por el Museo de Artes Visuales y presentado por Minera Escondida, operada por BHP Billiton.

Santiago, 15 de enero 2015. Al igual que el año pasado, esta vez también fueron las regiones quienes destacaron dentro del prestigioso Premio Arte Joven Contemporáneo MAVI/Minera Escondida. Gonzalo Contreras de Arica con su obra ¿Dónde está mi mente?, se quedó con el primer lugar del certamen que por noveno año consecutivo es organizado por el Museo de Artes Visuales y presentado por Minera Escondida, operada por BHP Billiton.

Fue durante la ceremonia de este jueves 15 de enero donde junto a Gonzalo, otros cinco concursantes fueron reconocidos con los diferentes galardones, sobresaliendo entre los más de 300 participantes que postularon a uno de los certámenes más importantes del país en torno a las artes visuales.

De esta forma, y luego de un riguroso proceso de recepción y revisión de las 38 obras preseleccionadas, el segundo lugar se quedó en manos de Natacha Cabellos por su instalación Recuerdos, mientras que el tercer reconocimiento recayó en Ash Aravena por su trabajo Estado de ocupación. Al igual que todos los trabajos, éstos fueron enviados entre el 4 de agosto y el 10 de noviembre 2014, en el plazo del proceso de postulación al concurso.

Destaca en la más reciente edición del Premio Arte Joven Contemporáneo MAVI/Minera Escondida, el aumento en un 14% el número de ciudades concursantes. Entre sus atracciones estuvo la selección de muestras correspondientes a Arica, Antofagasta, Viña del Mar, Quilpué, Santiago y San Fernando, predominando obras de tipo bidimensional, instalaciones, trabajos objetuales y por primera vez, las performances.

Para María Olivia Recart, Vicepresidenta de Asuntos Corporativos de Minera Escondida, operada por BHP Billiton, la gran convocatoria obtenida en 2014 y la participación de concursantes de diversos puntos del país, deja en evidencia la importancia de abrir este tipo de instancias en regiones. “Estamos contentos por la alta participación desde regiones, lo que se refleja en que hoy contemos con un ganador proveniente de Arica. Junto con el Museo de Artes Visuales hemos realizado acciones concretas como la creación del Premio Regional, el año pasado, y el lanzamiento de la convocatoria de este año en Antofagasta. Asimismo, hemos creado el Proyecto Residencia Antofagasta-Santiago; instancia que permite que un artista de esa ciudad realice una pasantía de un mes en el Museo de Artes Visuales de Santiago, compartiendo con prestigiosos artistas contemporáneos y perfeccionando sus capacidades con diferentes actividades de formación. De esta manera, y gracias a un trabajo colaborativo estamos dando pasos concretos hacia la descentralización cultural del país.”

En la misma línea, María Irene Alcalde, Curadora de Colección MAVI señaló que “este año más que nunca, creemos que el propósito del Premio Arte Joven Contemporáneo MAVI/Minera Escondida ha visto  satisfecho, debido a la casi unanimidad del jurado en otorgar el primer premio al artista de Arica, quien recibe esta primera posibilidad de exponer en Santiago, y que luego se supiera que provenía de un lugar tan alejado.  El premio nace con la idea de brindar oportunidades a artistas emergentes y ya es de conocimiento en el medio que esto ha sido plenamente logrado y más aun que haya  trascendido el  plano santiaguino, estimulando la necesaria descentralización.”

En esta novena edición del Premio Arte Joven Contemporáneo MAVI/Minera Escondida, el jurado estuvo compuesto por la Curadora de Colección MAVI, María Irene Alcalde; el artista Cristián Salineros; la académica Paula Honorato y el fotógrafo Jorge Brantmayer, además del jurado internacional, crítico de arte y curador independiente Rodrigo Alonso. Grupo de expertos que se encargó de recibir y revisar cada uno de los trabajos.

La IX versión del Premio Arte Joven Contemporáneo MAVI/Minera Escondida es organizado por el Museo de Artes Visuales y presentado por Minera Escondida, operada por BHP Billiton.

Conoce a los ganadores.

Gonzalo Contreras, ariqueño de 35 años se consagró con el primer lugar del Premio Arte Joven Contemporáneo MAVI/Minera Escondida gracias a su obra ¿Dónde está mi mente? El trabajo realizado en mármol, que combina este material clásico con formas icónicas contemporáneas, busca evocar a la infancia de varias generaciones y reflexionar sobre la crisis actual de los valores, simbolizándolo en la “pérdida de la cabeza”. La propuesta se premió con $3.000.000.

El segundo Premio Minera Escondida, en tanto, se quedó en las manos de Natacha Cabellos quien recibió $2.000.000 por su instalación Recuerdos. La participante de 26 años de Santiago, elaboró su muestra con dos mitades de una misma piedra que fueron encontradas en lugares distantes entre sí en una playa del litoral chileno. Gracias a un motor que genera un movimiento de vaivén, la artista logra reunir por unos segundos la piedra completa.

El tercer premio ($1.000.000) fue para el joven de 27 años y también, oriundo de Santiago, Ash Aravena por su trabajo Estado de ocupación. La creación consiste en una instalación distribuida en tres estructuras rígidas que mantienen un espacio de interacción. En un primer plano se ubican objetos de construcción invadidos por dibujos de muebles asediados, como una referencia al poder de la naturaleza, para desmantelar todo lo que los rodea y se representan como un hábitat natural aislada en una vitrina de vidrio sobre un plinto.

Las otras menciones honrosas ($300.000 cada una) fueron a Vidrio espejo de Catalina Andonie (25 años, Santiago); Mitología del caminar de Fernanda López (23 años, Santiago) y Lo que se espera de mí. El desenmascaramiento del príncipe superpoderoso Mr. Músculo de Daniela Escala (31 años, Quilpué), quien se llevó el premio especial destinado a regiones.

Los seis títulos que destacaron en esta nueva versión, son parte de la exposición que además reúne otros trabajos de concursantes y se extenderá hasta el 1 marzo en el MAVI.

Proyecto Residencia Antofagasta-Santiago

Durante todo este mes de enero, Francisco Vergara quien se coronó como el primer ganador del  Proyecto Residencia Antofagasta-Santiago, se encuentra bajo la tutela de BLOC, taller dedicado a la producción, formación y difusión de las artes visuales, gracias al cual comparte con prestigiosos artistas contemporáneos y recibe tutoriales específicos de acuerdo a sus intereses.

El Proyecto Residencia Antofagasta-Santiago también organizado por el Museo de Artes Visuales y presentado por Minera Escondida, operada por BHP Billiton, es un espacio que se suma a este proyecto el año recién pasado, que pretende fomentar el desarrollo de los artistas de regiones, otorgando un impulso hacia la visibilización de nuevos talentos, esta vez, específicamente de la ciudad de Antofagasta.

Compromiso con la cultura

El Premio Arte Joven Contemporáneo MAVI/Minera Escondida es parte del programa de acceso y difusión de proyectos culturales de excelencia que Minera Escondida, operada por BHP Billiton, realiza de forma sostenida desde hace más de una década. Entre ellos se encuentran el Festival Internacional Santiago a Mil, y sus extensiones Iquique a Mil y Antofagasta a Mil, las exposiciones en el Museo Chileno de Arte Precolombino, el concurso literario Santiago en 100 palabras y sus versiones regionales en Iquique, Antofagasta y Concepción, y el ciclo Pensamiento Propio liderado por Cristián Warnken, los conciertos del Teatro di San Carlo di Nápoles en Chile (2010) y el tributo a Violeta Parra (2011) y la reciente semana Shakespeare450.

 

IX YOUNG ART AWARD

DEC 2014 – FEB 2015

The work of stone carving in “¿Dónde está mi mente?”/ “ Where is my mind?” by Gonzalo Contreras, was awarded with the first place of the prestigious contest.

Meanwhile, the second award remained in the hands of Natacha Cabellos for her installation “ Recuerdos”/ “Memories” and the third recognition fell to Ash Aravena for his work “ Estado de ocupación” / “State of Occupation”.

On the other hand,there were honorable mentions to “Vidrio espejo” / “Glass mirror” by Catalina Andonie; To “Mitología del caminar”/ “Mythology of the walk” by Fernanda Lopez and to “Lo que se espera de mí”/ What is expected of me.

“El desenmascaramiento del príncipe superpoderoso Mr. Músculo”/ “The unmasking of the superpowerful prince Mr. Muscle” by Daniela Escala, who took the special award for regions.

The six titles that stood out in this new version, are part of the exhibition that also gathers other works of contestants and will be extended until March 1 at the Museum of Visual Arts (MAVI).

The IX version of the Young Contemporary Art Award MAVI / Escondida Mine is organized by the Museum of Visual Arts and presented by Escondida Mine, operated by BHP Billiton.

Santiago, January 15, 2015. Like last year, this time it was also the regions that stood out in the prestigious Contemporary Young Art Award MAVI / Escondida Mine . Gonzalo Contreras de Arica with his work ¿Dónde es mi mente ?/ Where is my mind?, was the first place in the contest that for the ninth consecutive year is organized by the Museum of Visual Arts and presented by Escondida Mine, operated by BHP Billiton.

It was during the ceremony on Thursday, January 15, that along with Gonzalo, five other contestants were recognized with the different awards, standing out among the more than 300 participants who applied for one of the most important contests in the country around the visual arts.

In this way, and after a rigorous process of reception and revision of the 38 preselected works, the second place was in the hands of Natacha Cabellos for her installation “ Recuerdos” /”Memories”, while the third recognition fell to Ash Aravena for his work “Estado de ocupación”/”State of Occupation”. Like all the works, these were sent between August 4 and November 10, 2014, within the term of the application process.

It stands out in the most recent edition of the Young Contemporary Art Award MAVI / Escondida Mine, a 14% increase in the number of cities bidding. Among its attractions was the selection of works corresponding to Arica, Antofagasta, Viña del Mar, Quilpué, Santiago and San Fernando, predominating works of two-dimensional type, installations, objects works and for the first time, performances.

For Maria Olivia Recart, Vice President of Corporate Affairs of Escondida Mine, operated by BHP Billiton, the open call made in 2014 was so successful and the participation of contestants from several parts of the country, highlights the importance of opening this type of instances in regions. “We are happy for the high participation from regions, which is reflected in that today we have a winner from Arica. Together with the Museum of Visual Arts we have taken concrete actions such as the creation of the Regional Award last year and the launch of this year’s competition in Antofagasta

We have also created the Antofagasta-Santiago Residence Project; An instance that allows an artist from that city to perform a one-month internship at the Museum of Visual Arts in Santiago, sharing with prestigious contemporary artists and perfecting their skills with different training activities. In this way, and thanks to a collaborative work we are taking concrete steps towards the cultural decentralization of the country. “

Referring to the same, María Irene Alcalde, MAVI Collection Curator, stated that “this year more than ever, we believe that the purpose of the MAVI / Young Contemporary Art Award has been satisfied, due to the almost unanimity of the jury granting the first Prize to the artist of Arica, that receives this first possibility of exposing in Santiago, and that later it was known that it came from a place so far. The Award was born with the idea of providing opportunities to emerging artists and it is already known in the media that this has been fully achieved and even more that it has transcended the “Santiago space”, stimulating the necessary decentralization.

In this ninth edition of the Young Contemporary Art Award MAVI / Escondida Mine, the jury was composed by MAVI Collection Curator, María Irene Alcalde; The artist Cristián Salineros; The academic Paula Honorato and the photographer Jorge Brantmayer, in addition to the international jury, art critic and independent curator Rodrigo Alonso. Group of experts who were responsible for receiving and reviewing each of the works.

The IX version of the Young Contemporary Art Award MAVI / Escondida Mine is organized by the Museum of Visual Arts and presented by Escondida Mine, operated by BHP Billiton.

Meet the winners.

Gonzalo Contreras, a 35-year-old from Arica, was awarded the first place of the Young Contemporary Art Award MAVI / Escondida Mine thanks to his work ¿Dónde es mi mente?/ Where is my mind? The work done in marble, which combines this classic material with contemporary iconic forms, seeks to evoke the childhood of several generations and to reflect on the current crisis of values, symbolizing it in the “loss of the Mind.” The proposal was rewarded with $ 3,000,000 (pesos).

The second place Escondida Mine, meanwhile, remained in the hands of Natacha Cabellos who received $ 2,000,000(pesos) for her installation Recuerdos”/”Memories”. The 26-year-old participant from Santiago produced her sample with two halves of the same stone that were found in distant places on a beach on the Chilean coast. Thanks to a motor that generates a reciprocating movement, the artist manages to gather for a few seconds the complete stone.

The third place ($ 1,000,000) was for the young man of 27 years and also, from Santiago, Ash Aravena for his work “Estado de ocupación”/”State of Occupation”. The creation consists of an installation distributed in three rigid structures that maintain a space of interaction. At the forefront are placed objects of construction invaded by drawings of besieged furniture, as a reference to the power of nature, to dismantle everything that surrounds them and represented as a natural habitat isolated in a glass case on a square base.

The other honorable mentions ($ 300,000 each) went to “Vidrio Espejo”/”Mirror Glass” by Catalina Andonie (25 years, Santiago); “Mitología del caminar”/”Walking Mythology” by Fernanda López (23 years, Santiago) and “Lo que esperan de mi”/”What is expected from me”.” El desenmascaramiento del príncipe superpoderoso Mr. Músculo”/ “The unmasking of the superpowerful prince Mr. Muscle” by Daniela Escala (31 years, Quilpué), who took the special prize for regions.

The six titles that stood out in this new version, are part of the exhibition that also gathers other works of contestants and will be extended until March 1 in the MAVI.
Project Residence Antofagasta-Santiago

Throughout this month of January, Francisco Vergara, who was crowned the first winner of the Antofagasta-Santiago Residency Project, is under the guardianship of BLOC, a workshop dedicated to the production, formation and diffusion of the visual arts, thanks to which he shares with Prestigious contemporary artists and receive specific tutorials according to their interests.

The Antofagasta-Santiago Residency Project, also organized by the Museum of Visual Arts and presented by Escondida Mine, operated by BHP Billiton, is a space that joins this project since last year, which aims to encourage the development of artists from regions, Giving an impulse towards the visibility of new talents, this time,
specifically the city of Antofagasta.

Commitment to culture

The MAVI / Escondida Mine Contemporary Young Art Award is part of the program of access and dissemination of cultural projects of excellence that Escondida Mine, operated by BHP Billiton, has been carrying out for more than a decade. Among them are the International Festival Santiago a Mil, and its extensions Iquique a Mil and Antofagasta a Mil, the exhibitions in the Chilean Museum of Precolombian Art, the literary competition Santiago en 100 palabras / Santiago in 100 words and its regional versions in Iquique, Antofagasta and Concepción, And the “Pensamiento Propio”/”Own Thought” cycle led by Cristián Warnken, the concerts of the “Teatro di San Carlo di Napoles” in Chile (2010) ,the tribute to Violeta Parra (2011) and the recent Shakespeare450 week.

 

EL BARRIO DEL MOLINO

Exposiciones

DE PAULA SALAS

NOV – DIC 2014

“El Barrio del Molino” es una investigación artística de Paula Salas que desemboca en una intervención mural en el museo. La obra propone un retrato grupal de la comunidad que habita el barrio Lastarria, a partir de los procesos de construcción de la identidad local. En una primera etapa, se realizó una indagación social sobre el barrio, entrevistando a decenas de vecinos. Se les preguntó por su experiencia: sus historias, recuerdos, esperanzas y miedos del pasado, presente y futuro de Lastarria. Posteriormente, en el museo se instaló un gran mapa del barrio sobre el cual se escribió la información entregada por los colaboradores. Con este método participativo se buscó comprender la identidad cultural local desde las voces de sus habitantes.

¿Qué ocurre cuando el mapa se convierte en una herramienta para representar, no el territorio sino sus habitantes? El mapa opera entonces, como telón de fondo para escenificar historias íntimas y memorias compartidas. En este proyecto el mapa se aleja de su propósito original de documentar un sitio desconocido y lejano, para transformarse en una herramienta para construir auto-conciencia comunitaria. El rol del artista-cartógrafo en este contexto, no es el del científico aislado sino el de un iniciador de conversaciones, quién crea un archivo vivo de experiencias. Así, la intervención mural en el museo es la herramienta y también el resultado de una serie de encuentros que unen vecinos y foráneos frente al mismo propósito: descifrar y al mismo tiempo crear la personalidad propia del barrio. Lo que se mapea en esta imagen no son las fronteras, rutas o propiedades objetivas del territorio, sino la construcción de una identidad compartida a partir de memorias cotidianas y sensaciones colectivas. Por tanto, su vida como obra, es inseparable de la de aquellos que le dieron vida al mapa.

 

 

THE MOLINO NEIGHBORHOOD

BY PAULA SALAS

NOV – DIC 2014

“El Barrio del Molino” is an artistic investigation made by Paula Salas which made her make the mural intervention at the museum. The piece of work proposes group photographs of the community that lives in Lastarria neighborhood, based on the construction processes of local identity. In the first stage, there was a social investigation about the neighborhood, interviewing dozens of neighbors. They asked them about their experiences such as: stories, memories, hopes and fears of the past, present and future of Lastarria neighborhood.

What happens when the map turns into a tool to represent its habitant more than the territory? The map functions as a backdrop to represent private stories and shared memories. In this project the map moves away from its original purpose that was to document an unknown and distant site to transform in a tool to build community self-awareness. The role of the artist-cartographer in this context is not the isolated scientist but a conversation initiator who creates a living file of experiences.

This way, the mural intervention in the museum is the tool and also the result of a series of meetings that connect neighbors with foreign with the same intention: find out and at the same time create a neighborhood personality. What we map in this image are not the routes, borders or objective characteristic of a territory, but the construction of a shared identity based on daily memories and collective emotions. Therefore, his life as a work, is inseparable from that of those who gave life to the map.

 

ESTACIÓN UTOPÍA

Exposiciones

DE LEO PORTUS

OCT – DIC 2014

¿Sabía Ud. que el nombre original de la primera Estación de la Línea 1 del Metro que sería inaugurada por el ex Presidente Salvador Allende para fines de 1973 era Violeta Parra?, ¿Sabía Ud. que finalmente se inaugura en 1975 y se cambió ese nombre original por el de San Pablo? ¿Sabía Ud. que el trazado original de la Línea 1 del Metro llegaba hasta la Estación Tobalaba para doblar hacia Vitacura y terminar finalmente en la Remodelación San Luis, un señero proyecto habitacional de viviendas sociales del Gobierno de la Unidad Popular ubicado en la Comuna de Las Condes, y del cual hoy solo sobreviven algunos bloques deteriorados?

 

Estas y muchas otras preguntas que nos hemos hecho para conocer esta historia desconocida por muchos, es la partida de este proyecto mediante el lenguaje de la ucronía, aplicado a tres maquetas de estaciones del Metro ficticias.

Podremos viajar a una realidad paralela en donde se manifiesta el experimento modernista de integración entre arte y arquitectura con un fuerte sello social que vivió Chile hasta comienzos de la década del 70, del cual hoy día tenemos testimonios elocuentes como el proyecto del mural cerámico cinético en el paso bajo nivel de Carmen con Alameda, de los artistas Vial, Ortúzar y Bonatti, o el conjunto de obras concurrentes en el proyecto del Edificio UNCTAD III, todos ejemplos de un futuro anterior que nos mira desde un pasado que nos convocó como sociedad.

 

 

UTOPIA STATION

BY LEO PORTUS

OCT – DIC 2014

Did you know that the original name of the first station of línea 1 of the subway that was going to be inaugurated by the former president Salvador Allende in 1973 was Violeta Parra?

Did you know that this station was finally inaugurated in 1975 and the name changed to San Pablo? Did you know that the original route of linea 1 of the subway was until Tobalaba Station, then it turned to Vitacura to finally end in San Luis remodeling, a social housing project of the Popular Unit government located in Las Condes commune and which today only exist some deteriorated residential blocks?

This questions and much others that have made us know about this unknown story for some people, is the reason this project started by uchronia language applied to three models of fictitious subway stations.

We will travel to a parallel reality where the modernist experiment of integration between art and architecture is manifested with a strong social characteristic that had Chile until the beginning of the 70’s, which we today have powerful testimonies like the ceramic project board in the Carmen con Alameda street underpass by the artists Vial, Ortuzar and Bonatti or the attending series of works of UNCTAD III proyect Building, all examples of an earlier future that looks at us from a past that called us as a society.

 

RESIDUOS CALCOGRÁFICOS

Exposiciones

DE XIMENA IZQUIERDO

AGO – OCT 2014

En La Odisea, los compañeros de Ulises, siendo huéspedes de los lotófagos, se olvidan de todo y no piensan ya más en volver a su patria. Sólo a la fuerza serán llevados de nuevo a la nave para continuar el viaje de regreso.

 

Así se inicia en el mito, una historia del olvido que ha acompañado el desarrollo de la cultura humana, y que es, por antonomasia, cultura del recuerdo y que hoy en día alcanza un punto álgido dada la rapidez de los cambios en todos los ámbitos de la vida social y cultural. Hay una historia del olvido, en que la memoria perdida deja espacio a la ruptura, el derrumbe y el cambio sin contexto; ni ruta, ni destino.

La memoria es lo que hace a Ulises y sus compañeros volver a Ítaca. Y muchas de las tentaciones, como la isla de los lotófagos, obnubilan su ruta con el olvido.

 

Ese viaje de retorno a la niñez, a la Patria primigenia, al origen y la inocencia, se comienza apenas se sale de aquel mundo unitario, amable y coherente que la infancia posee inconscientemente, que la adultez añora y busca recuperar recopilando fragmentos, re-ordenando y re-significando residuos.

Ximena Izquierdo se empeña desde el afán unificador de la inocencia en dotar de memoria a los residuos de espacios y vivencias que han sido aniquilados sin sentido. Busca entre los despojos una armonía unitaria y evocadora de memoria. Ha visto el desenlace de la destrucción sistemática e inconsciente  y recoge las ruinas para recrear una nueva realidad que las contenga y re-signifique, ya no utilitariamente, sino estéticamente.

 

¿Qué hay tras esa liviandad destructiva que nos caracteriza? Pareciera haber una disposición al derrumbe en nuestras conciencias que probablemente se ha afincado a costa de desastres naturales; terremotos, maremotos, inundaciones son parte de nuestra identidad y han cultivado un desapego y afinidad con la ruina.

Es significativo que siendo la Naturaleza del país tan proclive a arrasar con nuestra historia, nos hallamos hecho de una segunda naturaleza interior que no se espanta con la pérdida y la destrucción, con el caos e inestabilidad de la demolición, sino que los re-crea permanentemente de manera intencional, voluntaria, como si una necesidad interna nos impeliera a buscar esa adrenalina del caos y la experiencia devastadora del escombro y el olvido.

 

A perder la memoria y entrar en la historia del olvido, recuperando la memoria solo a partir de los recuerdos, de la reconstrucción evocativa de lo que fue. Sin más hitos que el relato, mágico, imaginario, de una memoria que reúna nuevamente lo disperso.

La obra expuesta, rescata la belleza de la manifestación energética y primaria contenida en la cordillera, como expresión de lo telúrico; lo copia, lo exfolia y recupera su residuo a modo de memoria también del todo inicial.

 

En otra materialidad, plasma la conjugación ondulante de las fuerzas oceánicas, que exacerbadas son capaces de devastar todo a su paso, y reorganiza también con su despojo una nueva composición que restituya la materia a una nueva función.

 

Izquierdo quiere aferrarse a esa inocencia restauradora del mundo embellecido, recuperar una memoria que el objeto olvidó, pero que ella restaura dándole una nueva vida. La obra nos invita a volver, renovados, con nuevos ojos, a casa.

 

 

CALCOGRAPHIC RESIDUES

BY XIMENA IZQUIERDO

AGO – OCT 2014

In La Odisea/ The odyssey, the partners of Ulises forgot everything and stopped thinking on the idea of going back to their homeland being guests of the Lotus- Eaters. They will be taken by force to the ship to continue the return voyage.

This is how the myth starts, the story that has accompanied the development of human culture and that is by antonomasia culture of memories and that today reaches a critical point because of the fast changes in all the fields of social and cultural life. There is a forgetfulness story where most memories leave spaces for breakdown and change without context; no route, no destination.

Memory is what makes Ulises and their partners go back to Ítaca, much of the temptation such as Lotófago’s Island confused their route with oblivion.

This voyage is a return to childhood, to the primitive homeland, to the origin and innocence, it starts immediately when we go out of that unitary world, polite and coherent that childhood have unconsciously and that adulthood miss and tries to get back recompiling fragments, re- order and re-signification of remains.

Ximena Izquierdo is committed from the unifying task of innocence in endowing with memory the residues of spaces and experiences that have been annihilated without meaning. She seeks among the wastes a unity and memory-evocative harmony She has seen the outcome of systematic and unconscious destruction and she picks up the ruins to create a new reality that contains and re significates them not in a utilitarian way but esthetically.

What is behind that destructive triviality that characterizes us? It seems to be a break down disposition in our conscience that probably has settled with natural disasters; earthquakes, tsunamis and floods are part of our identity and have cultivated a disregard and similarity with ruin.

To lose memory and enter the story of forgetfulness, recovering memory just from memories, of the evocative reconstruction of what once was. No more milestones that the story , magic, imaginary of a memory that will gather what is dispersed.

It is significant that as the nature of the country is so prone to ravaging our history, we made a second inner nature that is not frightened by loss and destruction, with the chaos and instability of demolition, but rather re-creates permanently intentionally, voluntarily, as if an inner need impelled us to seek that adrenaline of chaos and the devastating experience of rubble and oblivion.

The exhibition recovers the beauty of energetic and primary manifestation contained in the mountain range as a telluric expression; it copies, exfoliates and recovers its remains as an initial memory.

In other materiality, captures the waving conjunctions of oceanic forces that are capable of devastating everything and reorganizes with its stripping a new composition that restores the matter to a new function.

Izquierdo wants to hang into a restored innocence of an embellished world, recovering memories that the object forgot, but she restores it giving it a new life. The exhibition wants as to go back home with a different vision, renewed.

 

VIDEOCLUB

Exposiciones

DE MARTÍN SASTRE

AGO – OCT 2014

Martín Sastre apareció en mi horizonte en algún momento en una clase de arte latinoamericano, registrado bajo la icónica imagen de artista joven, con un halo de brillo a su alrededor.

Con intriga le seguí la pista en internet, supe de sus galardones, volví a ver alguno de sus videos  para finalmente encontrarme con el Perfume del Pepe o U from Uruguay, expuesto en la Bienal de Venecia.

Al centro de la sala, destacaba por lo delirante de su propuesta y su estética ligada a los medios, mostrando en una proyección al artista que, personificando al modelo que promueve el perfume al mejor estilo de marketing norteamericano, miraba con ojos de seductor a la cámara para luego deslizarse sobre una superficie en pose felina. Mezcla de Antonio Banderas,  Bond y algún súper héroe,  la imagen del artista en el video reúne los elementos que generan  el atractivo por su obra.

Detrás del sentido del humor y mediante el manejo de los medios publicitarios, Sastre ejerce como aguzado crítico de una realidad a la que por otro lado, no niega  pertenecer; al contrario utiliza estos medios desde el mejor lugar, desde dentro.

Sastre es un hedonista que no lo oculta.

Disfruta de aparecer fotografiado en la revista Vogue, en Los Ángeles frente al significativo letrero de Hollywood, viajar en limusina y  usar ropas caras.

Pero su operación incluye una enérgica sátira desde el corazón  de lo que critica.

Aquí reside quizás el máximo atractivo de su propuesta: la cuidada y camaleónica auto imagen que aparece en cada uno de sus filmes imaginándose a sí mismo como un artista requerido por importantes marcas, firmando  contratos por cifras exorbitantes,  realizando descomunales compras en tiendas de lujo, así como caminando con Hello Kitty vestida de monja,  criogenizado cual cadáver de Walt Disney o codeándose con el mismo presidente de Uruguay.

Rodeado de glamour, nos introduce en un mundo ficticio y misceláneo que fascina, desconcierta, estimula  para finalmente atrapar al espectador en una reflexión que funciona más allá de la conciencia.

Los remakes e imitaciones remiten a imágenes conocidas, que dislocadas del sentido original traman y nos envuelven en una nueva y delirante ficción donde los órdenes se subvierten.

El norte deviene el sur, y siguiendo la propuesta de su compatriota Torres García de girar el mapa al revés, insta a los mandatarios  a invertir las prioridades ya que los sueños iberoamericanos son más baratos.

Martin realiza una  operación política, cuyo sentido apunta por un lado a la geografía y por otra parte a los productos de la industria del consumo.

Con su producción de videos y habiendo internalizado el vocabulario de los medios de comunicación, coloca el dedo en la llaga respecto  al nulo apoyo recibido por los artistas latinoamericanos con su obra The Martin Sastre Foundation. 2003, video donde pide adoptar a un artista súper pobre, un artista de Latinoamérica.

Nada queda muy claro después de haber visto los films de Sastre. Pareciera que algo se moviliza  internamente, dentro de nuestro inconsciente y  que, cristalizando después de un tiempo, incita a una nueva percepción de la realidad.

Después de Sastre, Hello Kitty nunca volvió a ser la misma.

 

 

VIDEOCLUB

BY MARTÍN SASTRE

AGO – OCT 2014

Martin Sastre appeared on my horizon at some point in a Latin American art class, registered under the iconic image of a young artist, with a brightness around him.

With intrigue I looked him on the internet, I found information about his awards, I saw again some of his videos to finally find the “Perfume of Pepe” or “U” from Uruguay, exhibited at the Venice Biennale.

At the center of the room, the delirious nature of his proposal and his aesthetics linked to the media, showing in a projection the artist who, representing the model that promotes perfume in the best North American marketing style, looking with seductive eyes at the Camera to then slide on a surface in feline pose. Mix of Antonio Banderas, Bond and some super hero, the image of the artist in the video brings together the elements that generate the attraction for his work.

Behind the sense of humor and through the management of the advertising media, Sastre acts as critical critic of a reality that, on the other hand, does not deny belonging; On the contrary it uses these means from the best place, from inside.

Tailor is a hedonist who does not hide it.

He enjoys being photographed in Vogue magazine in Los Angeles in front of a Hollywood sign, traveling in a limousine and wearing expensive clothes. But his operation includes an energetic satire from the heart of what he criticizes.

Here lies perhaps the maximum appeal of his proposal: the careful and chameleon self-image that appears in each of his films imagining himself as an artist required by major brands, signing contracts for exorbitant figures, buying in luxury stores, As well as walking with Hello Kitty dressed as a nun, cryogenically frozen as Walt Disney or shaking hands with the president of Uruguay.

Surrounded by glamor, it introduces us into a fictional and miscellaneous world that fascinates, and stimulates to finally catch the viewer in a reflection that works beyond consciousness.

The remakes and imitations refer to well-known images, which are dislocated from the original sense and are involved in a new and delirious fiction where the orders are subverted.

The north turns to the south, and following the proposal of his compatriot Torres García to turn the map in reverse, urges the leaders to reverse the priorities since Ibero-American dreams are cheaper.

Martin carries out a political operation, whose meaning points on one hand to the geography and on the other to the products of the consumption industry.

With his production of videos and having internalized the vocabulary of the media, he puts his finger on the wound regarding the null support received by Latin American artists with his work The Martin Sastre Foundation. 2003, video where he asks to adopt a super poor artist, an artist from Latin America.

Nothing is clear enough after seeing Sastre’s films. It seems like something has been moved inside, within our unconscious and that, crystallizing after a time, incites a new perception of reality.After Sastre, Hello Kitty was never the same again.

 

EL SER TAN BELLA (NO) DA DERECHO A DESTRUIR

Exposiciones

DE JAVIER GONZÁLEZ

JUN – JUL 2014

“CONVENCIONES Y DESENCUENTROS: UNA EXPOSICIÓN SOBRE EL AMOR”

Con la instalación Sobre la contradicción emocional que propicia el fenómeno del amor (o como es que el ideal romántico como convención cultural es incompatible con los fenómenos de la materia y las mecánicas de la vida), el docente de la Escuela de Arte de la Universidad Diego Portales, Javier González, obtuvo el primer lugar del Premio Arte Joven MAVI – Minera Escondida en 2012 y hoy, a dos años de esto, el artista vuelve al museo, ahora en solitario, para presentar El ser tan Bella No te da Derecho a Destruir, muestra que se inaugurará el próximo 5 de junio.

 

Tan sugerente como el nombre, la exposición se centra en analizar y trabajar en torno a cómo se han elaborado las convenciones respecto a una emoción a la vez tan universal y tan única como el amor y la forma en que estas mismas son codificadas. En este caso, el artista propone que muchas veces estas convenciones no saben gobernar ni organizar la emoción, emergiendo allí la violencia como mecanismo de administración del lenguaje de la pasión.

 

De este modo, la observación específica que cruza temáticamente este proyecto tiene que ver, justamente, con el momento en que estas frustraciones, determinadas por la constante y siempre probable incongruencia de apreciaciones en torno a un mismo sentir, terminan por desatar reacciones violentas a fin de intentar regular la intensidad del amor.

 

Ya lo adelantaba María Irene Alcalde, curadora de MAVI, al indicar que “Javier González presentará una muestra que seguramente dará que hablar, ya que invita al público a reflexionar en forma humorística y  con una gran dosis de ironía, acerca de un tema tan cercano como las relaciones amorosas”. Para esto, escultura y materiales trabajados con distintos procesos darán vida a espacios metafóricos que le permitirán al autor traer a lo concreto momentos pura y propiamente emocionales.

 

Consolidando una alianza para el arte joven.

El Premio Arte Joven MAVI-Minera Escondida -anteriormente conocido como “Cabeza de Ratón”-, es uno de los concursos de arte más relevantes del país por su alto nivel de convocatoria, además, desde 2006 se ha posicionado como un evento que busca generar oportunidades para jóvenes creadores nacionales, a través de la exhibición de su obra con miras a proyectar su carrera profesional.

 

Así, la exhibición, señala Alcalde, “constituye la segunda vez que el concurso incorpora una exposición en el museo como parte del premio” y afirma que “para MAVI ha sido una muy interesante experiencia, ya que ha demostrado que la apuesta ha surtido efecto: el exhibir en el museo se ha transformado en uno de los alicientes más anhelados de los participantes del concurso”.

 

El artista.

Artista visual y curador independiente que vive y trabaja en Santiago de Chile. Es licenciado en Bellas Artes, mención escultura, por la Universidad ARCIS (2008) y actualmente es académico de pregrado en la Escuela de Artes Visuales de la Universidad Diego Portales. Su trabajo ha sido exhibido en el país de forma individual y colectivamente también ha estado presente en Argentina, Estados Unidos, Suiza, Grecia y China. En 2012 obtuvo el primer lugar en el VII Concurso Premio Arte Joven MAVI-Minera Escondida, además fue nominado a los Premios Altazor en la categoría Escultura.

Como curador, ha trabajado desarrollando proyectos para espacios como Galería ANIMAL (2010), Galería Loewenthal (2011), Consejo Nacional de la Cultura y las Artes (2013) y EAC (Espacio de Arte Contemporáneo, Montevideo, Uruguay, 2013-2014). Desde 2011 co-dirige el espacio independiente LOCAL Arte Contemporáneo en donde ha realizado labores curatoriales y de gestión. En 2013 obtiene el primer lugar del concurso para curadores del Consejo Nacional de la Cultura y las Artes con su proyecto Los Órganos Vitales de unas Obras con Cuerpos Invisibles. Ha escrito para exposiciones, catálogos y libros de numerosos artistas nacionales tanto en chile como en el extranjero.

 

 

TO BE SO BEAUTIFUL (DOES NOT GIVE) THE RIGHT TO DESTROY

BY JAVIER GONZÁLEZ

JUN – JUL 2014

“CONVENTIONS AND DISAGREEMENTS: AN EXHIBITION ABOUT LOVE”

With the emotional contradiction that generates the love phenomenon, the art teacher of the art school at Diego Portales university, Javier González, got the first place in the MAVI Young Art Award – Escondida Mine in 2012 and two years later (today) the artists comes back to the museum alone to present his exhibition named El ser tan Bella No te da Derecho a Destruir/TO BE SO BEAUTIFUL (DOES NOT GIVE) THE RIGHT TO DESTROY, this exhibition will be inaugurated the 5th of June.

This exhibition is focused in analyzing and working among how the convention of a universal and unique emotion such as love has been elaborated and the way they are codified. In this case, the artist proposes that many times this conventions don´t know how to organize or manage emotions and because of this, violence emerges as an administration mechanism of passion language.

In this way, the specific observation that crosses subjects in this project is related with the moment when this frustrations determined by the constant and probable contradiction in the appreciation of a feeling end up triggering violent reactions trying to regulate love intensity.

María Irene Alcalde, curator of MAVI, said “Javier González will show an exhibition that will draw attention and make people talk about it because he invited the public to think about relationships in a humoristic and ironic way”. Sculptures and worked materials with different processes will bring to life metaphoric spaces that will permit the author to show pure and emotional moments.

Consolidating a youthful art alliance.

The MAVI Young Art Award – Escondida Mine Award–before known as “Cabeza de Ratón”/ “Mouse Head”, is one of the most relevant contests in the country because of its high level of call, also since 2006 it has positioned as an event that wants to generate opportunities for young national creators through the exhibition of their pieces of work with the intention of projecting their professional career.

The exhibition “constitutes the second time that the contest adds an exposition in the museum as part of the award”, said Alcalde and “it has been an interesting experience for MAVI because it has been demonstrated that it has had good results: exhibiting in the museum has transformed in one of the most wanted incentives of the participants of the contest” she affirmed.

The artist

Visual artist and independent curator, who lives and works in Santiago-Chile. He is graduated in fine arts with a minor in sculpture at the ARCIS University (2008) and currently he is an undergraduate teacher in the school of visual arts in Diego Portales University. His work has been exhibited in the country individually and collectively. He has also been present in Argentina, United States, Switzerland, Greece and China. In 2012 he obtained the first place in the VII MAVI- Escondida Mine Young Art Award Contest; he also was nominated to the Altazor awards in the Sculpture category.

As a curator, he has worked developing proyects for spaces as ANIMAL Gallery (2010), Loewenthal Gallery (2011), National Council of Culture and the Arts (2013) and EAC (Contemporary Art Space, Uruguay, Montevideo,(2013-2014). Since 2014, he has co directed the independent LOCAL space of Contemporary Art where he has done curatorial and management labors. In 2013 he got the first place in contest for curators of the National Council of Culture and the Arts with his project called Los Órganos Vitales de unas Obras con Cuerpos Invisibles/ The Vital Organs of Works with Invisible Bodies. He has written for exhibitions, catalogs and books of several national artists in Chile and in other countries.

 

HEROICA. TERRITORIO DE RESISTENCIA

Exposiciones

DEL COLECTIVO CAJA NEGRA

JUN – JUL 2014

CAJA NEGRA AL DESCUBIERTO: FORMA, FONDO Y VIGENCIA DE UN ESPACIO ARTÍSTICO

 

“Un sistema de vida, una postura frente a la experiencia, Caja Negra se define como un espacio vital, autónomo, sostenido por quienes conforman su carne, sus huesos, su piel y su sangre…” señaló en 2010 el historiador del arte Pedro Pablo Bustos, al referirse a la identidad  de Caja Negra, espacio cultural que comienza a operar en Chile en 1983.

Ya son 30 años de creación y producción artística, construida desde un lugar de reflexión alternativo y experimental, los que se verán cristalizados en un gran proyecto expositivo que se exhibirá en MAVI desde el 28 de mayo. Así, la muestra será un relato histórico visual  que revisará los procesos productivos de Caja Negra en sus distintas etapas, desde su fundación hasta hoy.

La exhibición estará dividida en tres ejes temáticos: línea histórica, línea expositiva y línea educacional e interactiva. Cada una de estas permitirá unir los ejercicios de producción y distribución de obra los que, a su vez, se ligarán materialmente a las puestas en escena de cada etapa. Serán, entonces, estos mismos nexos los que definirán los soportes visuales de la exposición así como las materialidades a trabajar.

 

Conexiones curatoriales

La línea expositiva estará dada por propuestas individuales exhibidas bajo la lógica del montaje asociado, donde se mezclarán los trabajos de artistas consagrados junto con las nuevas apuestas que actualmente integran el taller. Todas estas obras han sido seleccionadas bajo el criterio curatorial de montajes claves durante la historia artística de Caja Negra pero integradas específicamente al espacio entregado por MAVI, el que será abordado de forma tal que permita el diálogo con el público y posibilite la reflexión y comunicación de ideas desde y hacia Caja Negra.

De este modo, la idea curatorial, llevaba a cabo por Patricio Muñoz Zárate y Víctor Hugo Bravo, propone establecer, entre los tres ejes presentados, conexiones formales que constituyan obras colectivas y nichos de producción individual, sosteniendo en esto las características de Caja Negra de trabajar la disuasión de la autoría en función de planteamientos mixtos que organizan estructuras globales de ejercicio grupal. El producto es, finalmente, un sinfín de cruces y fricciones que evidencian la experiencia de vida al interior del taller en estos más de 30 años de vida.

Descrita por el crítico y curador Hernán Pacurucu, como “plataforma nómada y desterritorializada”, Caja Negra no da nada por sentado: no lo hizo en sus inicios, llevando al límite la experimentación disciplinaria, y no lo hace ahora en MAVI con una muestra que descubrirá al público el fondo y la forma de un espacio cultural de nivel internacional.

 

 

 

 

El colectivo.

Los talleres Caja Negra Artes Visuales datan de 1983, apareciendo como un espacio cultural alternativo que respondía a un contexto histórico específico, desarrollándose como un lugar de reflexión y expresión constante, resguardando las posibilidades expresivas que profundizan en los procesos y los campos de experimentación disciplinaria, abordando distintos sistemas productivos: instalación, pintura, objeto, fotografía, performance, video, sonido, escritura y otros desplazamientos.

Dentro de los proyectos que Caja Negra ha realizado desde sus inicios, se destacan producciones de libros con las Ediciones Caja Negra, obras de teatro, performance, recitales de música, seminarios, charlas, curadurías, ciclos de cine, video arte, exposiciones, encuentros performáticos, entre otras.

 

Desde 1994 a la fecha, el taller ha centrado su producción e investigación en el campo de las artes visuales, realizando varios proyectos curatoriales y expositivos en importantes espacios dentro y fuera del país, además de una activa producción in-situ.

En la actualidad, Caja Negra se plantea como un espacio de gran reconocimiento en el medio plástico nacional, que se distingue de otros por su desarrollo independiente, autónomo y de constante autogestión.

 

 

HEROIC. TERRITORY OF RESISTANCE

BY BLACK BOX GROUP

JUN – JUL 2014

EXPOSED BLACK BOX: FORM, BACKGROUND AND VALIDITY OF AN ARTISTIC SPACE

“A life system, a position towards the experience, Caja Negra/Black Box is defined as a vital, self-sufficient space sustained by the people who make up its meat, bones, skin and blood…” said the art historian Pedro Pablo Bustos in 2010, when he referred to the identity of Caja Negra/Black Box, cultural space that started functioning in Chile in 1983.

Today there are approximately 30 years of creation and artistic production, built from a place of experimental and alternative reflection that you will be able to see in MAVI from 38th of May. The exhibition will be a historic visual story with that will pass through productive processes of Caja Negra/Black Box in its different stages from its foundation until today.

The exhibition will be divided in three thematic main cores: historic line, expositive line, and educational and interactive line. Each one of them will help joining the production and distribution exercises, which at the same time will be bounded materially to staging at each stage. These connections will define the visual supports of the exhibitions and also the materiality that need work.

Curatorial connection

The expositive line will be given by the individual proposal exhibited by the logic of the associated montage, where the work of several renowned artists with new bets, that is being built in the studio presently. All these pieces of work have been chosen by the curatorial judgment of key montages during the artistic history of Caja Negra/ Black Box, but integrated specifically to the space given by MAVI, which will be addressed in a way that dialogue with the audience is permitted and where the reflection and communication of ideas from and to Caja Negra/ Black Box are possible.

In this way, the curatorial idea carried out by Patricio Muñoz Zarate and Victor Hugo Bravo tries to establish between the three main cores presented above, formal connections that constitutes collective pieces of work and individual production niches. Sosteniendo en esto las características de Caja Negra de trabajar la disuasión de la autoría en función de planteamientos mixtos que organizan estructuras globales de ejercicio grupal. El producto es, finalmente, un sinfín de cruces y fricciones que evidencian la experiencia de vida al interior del taller en estos más de 30 años de vida.

Explained by the critic and curator Hernán Pacurucu as a “nomad platform”, Caja Negra/Black Box doesn’t give anything for granted: didn’t to it when it started, taking to the limit the disciplinary experimentation and doesn’t do it now in MAVI with an exhibition that will discover the audience, the base and shape of a cultural space of an international level.

The Group

The Black Box Visual Arts workshop dates from 1983 as a cultural alternative space of a specific historical context. It was a place of constant reflection an expression, protecting the expressive possibilities that go deeply in processes and the disciplinary experimenting fields presenting different productive systems: installation, painting, objects, photography, performance, video, sound, and writing, among others.

Since the projects of Caja Negra/Black Box started, some of them stand out such as: plays, performances, music recitals, seminaries, talks, curatorial activities, cinema cycles, video art, exhibitions, performatic encounters, among others.

Since 1994, the workshop has focused its production and investigation in the field of visual arts, making several curatorial and expository projects in important spaces in and out the country, also local active production.

Currently, Caja Negra/Black Box considers itself as a space with a big recognition in the national plastic media, which distinguishes from others because of its independent, autonomous and constant self-management development.