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EL BARRIO DEL MOLINO

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DE PAULA SALAS

NOV – DIC 2014

“El Barrio del Molino” es una investigación artística de Paula Salas que desemboca en una intervención mural en el museo. La obra propone un retrato grupal de la comunidad que habita el barrio Lastarria, a partir de los procesos de construcción de la identidad local. En una primera etapa, se realizó una indagación social sobre el barrio, entrevistando a decenas de vecinos. Se les preguntó por su experiencia: sus historias, recuerdos, esperanzas y miedos del pasado, presente y futuro de Lastarria. Posteriormente, en el museo se instaló un gran mapa del barrio sobre el cual se escribió la información entregada por los colaboradores. Con este método participativo se buscó comprender la identidad cultural local desde las voces de sus habitantes.

¿Qué ocurre cuando el mapa se convierte en una herramienta para representar, no el territorio sino sus habitantes? El mapa opera entonces, como telón de fondo para escenificar historias íntimas y memorias compartidas. En este proyecto el mapa se aleja de su propósito original de documentar un sitio desconocido y lejano, para transformarse en una herramienta para construir auto-conciencia comunitaria. El rol del artista-cartógrafo en este contexto, no es el del científico aislado sino el de un iniciador de conversaciones, quién crea un archivo vivo de experiencias. Así, la intervención mural en el museo es la herramienta y también el resultado de una serie de encuentros que unen vecinos y foráneos frente al mismo propósito: descifrar y al mismo tiempo crear la personalidad propia del barrio. Lo que se mapea en esta imagen no son las fronteras, rutas o propiedades objetivas del territorio, sino la construcción de una identidad compartida a partir de memorias cotidianas y sensaciones colectivas. Por tanto, su vida como obra, es inseparable de la de aquellos que le dieron vida al mapa.

 

 

THE MOLINO NEIGHBORHOOD

BY PAULA SALAS

NOV – DIC 2014

“El Barrio del Molino” is an artistic investigation made by Paula Salas which made her make the mural intervention at the museum. The piece of work proposes group photographs of the community that lives in Lastarria neighborhood, based on the construction processes of local identity. In the first stage, there was a social investigation about the neighborhood, interviewing dozens of neighbors. They asked them about their experiences such as: stories, memories, hopes and fears of the past, present and future of Lastarria neighborhood.

What happens when the map turns into a tool to represent its habitant more than the territory? The map functions as a backdrop to represent private stories and shared memories. In this project the map moves away from its original purpose that was to document an unknown and distant site to transform in a tool to build community self-awareness. The role of the artist-cartographer in this context is not the isolated scientist but a conversation initiator who creates a living file of experiences.

This way, the mural intervention in the museum is the tool and also the result of a series of meetings that connect neighbors with foreign with the same intention: find out and at the same time create a neighborhood personality. What we map in this image are not the routes, borders or objective characteristic of a territory, but the construction of a shared identity based on daily memories and collective emotions. Therefore, his life as a work, is inseparable from that of those who gave life to the map.

 

ESTACIÓN UTOPÍA

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DE LEO PORTUS

OCT – DIC 2014

¿Sabía Ud. que el nombre original de la primera Estación de la Línea 1 del Metro que sería inaugurada por el ex Presidente Salvador Allende para fines de 1973 era Violeta Parra?, ¿Sabía Ud. que finalmente se inaugura en 1975 y se cambió ese nombre original por el de San Pablo? ¿Sabía Ud. que el trazado original de la Línea 1 del Metro llegaba hasta la Estación Tobalaba para doblar hacia Vitacura y terminar finalmente en la Remodelación San Luis, un señero proyecto habitacional de viviendas sociales del Gobierno de la Unidad Popular ubicado en la Comuna de Las Condes, y del cual hoy solo sobreviven algunos bloques deteriorados?

 

Estas y muchas otras preguntas que nos hemos hecho para conocer esta historia desconocida por muchos, es la partida de este proyecto mediante el lenguaje de la ucronía, aplicado a tres maquetas de estaciones del Metro ficticias.

Podremos viajar a una realidad paralela en donde se manifiesta el experimento modernista de integración entre arte y arquitectura con un fuerte sello social que vivió Chile hasta comienzos de la década del 70, del cual hoy día tenemos testimonios elocuentes como el proyecto del mural cerámico cinético en el paso bajo nivel de Carmen con Alameda, de los artistas Vial, Ortúzar y Bonatti, o el conjunto de obras concurrentes en el proyecto del Edificio UNCTAD III, todos ejemplos de un futuro anterior que nos mira desde un pasado que nos convocó como sociedad.

 

 

UTOPIA STATION

BY LEO PORTUS

OCT – DIC 2014

Did you know that the original name of the first station of línea 1 of the subway that was going to be inaugurated by the former president Salvador Allende in 1973 was Violeta Parra?

Did you know that this station was finally inaugurated in 1975 and the name changed to San Pablo? Did you know that the original route of linea 1 of the subway was until Tobalaba Station, then it turned to Vitacura to finally end in San Luis remodeling, a social housing project of the Popular Unit government located in Las Condes commune and which today only exist some deteriorated residential blocks?

This questions and much others that have made us know about this unknown story for some people, is the reason this project started by uchronia language applied to three models of fictitious subway stations.

We will travel to a parallel reality where the modernist experiment of integration between art and architecture is manifested with a strong social characteristic that had Chile until the beginning of the 70’s, which we today have powerful testimonies like the ceramic project board in the Carmen con Alameda street underpass by the artists Vial, Ortuzar and Bonatti or the attending series of works of UNCTAD III proyect Building, all examples of an earlier future that looks at us from a past that called us as a society.

 

RESIDUOS CALCOGRÁFICOS

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DE XIMENA IZQUIERDO

AGO – OCT 2014

En La Odisea, los compañeros de Ulises, siendo huéspedes de los lotófagos, se olvidan de todo y no piensan ya más en volver a su patria. Sólo a la fuerza serán llevados de nuevo a la nave para continuar el viaje de regreso.

 

Así se inicia en el mito, una historia del olvido que ha acompañado el desarrollo de la cultura humana, y que es, por antonomasia, cultura del recuerdo y que hoy en día alcanza un punto álgido dada la rapidez de los cambios en todos los ámbitos de la vida social y cultural. Hay una historia del olvido, en que la memoria perdida deja espacio a la ruptura, el derrumbe y el cambio sin contexto; ni ruta, ni destino.

La memoria es lo que hace a Ulises y sus compañeros volver a Ítaca. Y muchas de las tentaciones, como la isla de los lotófagos, obnubilan su ruta con el olvido.

 

Ese viaje de retorno a la niñez, a la Patria primigenia, al origen y la inocencia, se comienza apenas se sale de aquel mundo unitario, amable y coherente que la infancia posee inconscientemente, que la adultez añora y busca recuperar recopilando fragmentos, re-ordenando y re-significando residuos.

Ximena Izquierdo se empeña desde el afán unificador de la inocencia en dotar de memoria a los residuos de espacios y vivencias que han sido aniquilados sin sentido. Busca entre los despojos una armonía unitaria y evocadora de memoria. Ha visto el desenlace de la destrucción sistemática e inconsciente  y recoge las ruinas para recrear una nueva realidad que las contenga y re-signifique, ya no utilitariamente, sino estéticamente.

 

¿Qué hay tras esa liviandad destructiva que nos caracteriza? Pareciera haber una disposición al derrumbe en nuestras conciencias que probablemente se ha afincado a costa de desastres naturales; terremotos, maremotos, inundaciones son parte de nuestra identidad y han cultivado un desapego y afinidad con la ruina.

Es significativo que siendo la Naturaleza del país tan proclive a arrasar con nuestra historia, nos hallamos hecho de una segunda naturaleza interior que no se espanta con la pérdida y la destrucción, con el caos e inestabilidad de la demolición, sino que los re-crea permanentemente de manera intencional, voluntaria, como si una necesidad interna nos impeliera a buscar esa adrenalina del caos y la experiencia devastadora del escombro y el olvido.

 

A perder la memoria y entrar en la historia del olvido, recuperando la memoria solo a partir de los recuerdos, de la reconstrucción evocativa de lo que fue. Sin más hitos que el relato, mágico, imaginario, de una memoria que reúna nuevamente lo disperso.

La obra expuesta, rescata la belleza de la manifestación energética y primaria contenida en la cordillera, como expresión de lo telúrico; lo copia, lo exfolia y recupera su residuo a modo de memoria también del todo inicial.

 

En otra materialidad, plasma la conjugación ondulante de las fuerzas oceánicas, que exacerbadas son capaces de devastar todo a su paso, y reorganiza también con su despojo una nueva composición que restituya la materia a una nueva función.

 

Izquierdo quiere aferrarse a esa inocencia restauradora del mundo embellecido, recuperar una memoria que el objeto olvidó, pero que ella restaura dándole una nueva vida. La obra nos invita a volver, renovados, con nuevos ojos, a casa.

 

 

CALCOGRAPHIC RESIDUES

BY XIMENA IZQUIERDO

AGO – OCT 2014

In La Odisea/ The odyssey, the partners of Ulises forgot everything and stopped thinking on the idea of going back to their homeland being guests of the Lotus- Eaters. They will be taken by force to the ship to continue the return voyage.

This is how the myth starts, the story that has accompanied the development of human culture and that is by antonomasia culture of memories and that today reaches a critical point because of the fast changes in all the fields of social and cultural life. There is a forgetfulness story where most memories leave spaces for breakdown and change without context; no route, no destination.

Memory is what makes Ulises and their partners go back to Ítaca, much of the temptation such as Lotófago’s Island confused their route with oblivion.

This voyage is a return to childhood, to the primitive homeland, to the origin and innocence, it starts immediately when we go out of that unitary world, polite and coherent that childhood have unconsciously and that adulthood miss and tries to get back recompiling fragments, re- order and re-signification of remains.

Ximena Izquierdo is committed from the unifying task of innocence in endowing with memory the residues of spaces and experiences that have been annihilated without meaning. She seeks among the wastes a unity and memory-evocative harmony She has seen the outcome of systematic and unconscious destruction and she picks up the ruins to create a new reality that contains and re significates them not in a utilitarian way but esthetically.

What is behind that destructive triviality that characterizes us? It seems to be a break down disposition in our conscience that probably has settled with natural disasters; earthquakes, tsunamis and floods are part of our identity and have cultivated a disregard and similarity with ruin.

To lose memory and enter the story of forgetfulness, recovering memory just from memories, of the evocative reconstruction of what once was. No more milestones that the story , magic, imaginary of a memory that will gather what is dispersed.

It is significant that as the nature of the country is so prone to ravaging our history, we made a second inner nature that is not frightened by loss and destruction, with the chaos and instability of demolition, but rather re-creates permanently intentionally, voluntarily, as if an inner need impelled us to seek that adrenaline of chaos and the devastating experience of rubble and oblivion.

The exhibition recovers the beauty of energetic and primary manifestation contained in the mountain range as a telluric expression; it copies, exfoliates and recovers its remains as an initial memory.

In other materiality, captures the waving conjunctions of oceanic forces that are capable of devastating everything and reorganizes with its stripping a new composition that restores the matter to a new function.

Izquierdo wants to hang into a restored innocence of an embellished world, recovering memories that the object forgot, but she restores it giving it a new life. The exhibition wants as to go back home with a different vision, renewed.

 

VIDEOCLUB

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DE MARTÍN SASTRE

AGO – OCT 2014

Martín Sastre apareció en mi horizonte en algún momento en una clase de arte latinoamericano, registrado bajo la icónica imagen de artista joven, con un halo de brillo a su alrededor.

Con intriga le seguí la pista en internet, supe de sus galardones, volví a ver alguno de sus videos  para finalmente encontrarme con el Perfume del Pepe o U from Uruguay, expuesto en la Bienal de Venecia.

Al centro de la sala, destacaba por lo delirante de su propuesta y su estética ligada a los medios, mostrando en una proyección al artista que, personificando al modelo que promueve el perfume al mejor estilo de marketing norteamericano, miraba con ojos de seductor a la cámara para luego deslizarse sobre una superficie en pose felina. Mezcla de Antonio Banderas,  Bond y algún súper héroe,  la imagen del artista en el video reúne los elementos que generan  el atractivo por su obra.

Detrás del sentido del humor y mediante el manejo de los medios publicitarios, Sastre ejerce como aguzado crítico de una realidad a la que por otro lado, no niega  pertenecer; al contrario utiliza estos medios desde el mejor lugar, desde dentro.

Sastre es un hedonista que no lo oculta.

Disfruta de aparecer fotografiado en la revista Vogue, en Los Ángeles frente al significativo letrero de Hollywood, viajar en limusina y  usar ropas caras.

Pero su operación incluye una enérgica sátira desde el corazón  de lo que critica.

Aquí reside quizás el máximo atractivo de su propuesta: la cuidada y camaleónica auto imagen que aparece en cada uno de sus filmes imaginándose a sí mismo como un artista requerido por importantes marcas, firmando  contratos por cifras exorbitantes,  realizando descomunales compras en tiendas de lujo, así como caminando con Hello Kitty vestida de monja,  criogenizado cual cadáver de Walt Disney o codeándose con el mismo presidente de Uruguay.

Rodeado de glamour, nos introduce en un mundo ficticio y misceláneo que fascina, desconcierta, estimula  para finalmente atrapar al espectador en una reflexión que funciona más allá de la conciencia.

Los remakes e imitaciones remiten a imágenes conocidas, que dislocadas del sentido original traman y nos envuelven en una nueva y delirante ficción donde los órdenes se subvierten.

El norte deviene el sur, y siguiendo la propuesta de su compatriota Torres García de girar el mapa al revés, insta a los mandatarios  a invertir las prioridades ya que los sueños iberoamericanos son más baratos.

Martin realiza una  operación política, cuyo sentido apunta por un lado a la geografía y por otra parte a los productos de la industria del consumo.

Con su producción de videos y habiendo internalizado el vocabulario de los medios de comunicación, coloca el dedo en la llaga respecto  al nulo apoyo recibido por los artistas latinoamericanos con su obra The Martin Sastre Foundation. 2003, video donde pide adoptar a un artista súper pobre, un artista de Latinoamérica.

Nada queda muy claro después de haber visto los films de Sastre. Pareciera que algo se moviliza  internamente, dentro de nuestro inconsciente y  que, cristalizando después de un tiempo, incita a una nueva percepción de la realidad.

Después de Sastre, Hello Kitty nunca volvió a ser la misma.

 

 

VIDEOCLUB

BY MARTÍN SASTRE

AGO – OCT 2014

Martin Sastre appeared on my horizon at some point in a Latin American art class, registered under the iconic image of a young artist, with a brightness around him.

With intrigue I looked him on the internet, I found information about his awards, I saw again some of his videos to finally find the “Perfume of Pepe” or “U” from Uruguay, exhibited at the Venice Biennale.

At the center of the room, the delirious nature of his proposal and his aesthetics linked to the media, showing in a projection the artist who, representing the model that promotes perfume in the best North American marketing style, looking with seductive eyes at the Camera to then slide on a surface in feline pose. Mix of Antonio Banderas, Bond and some super hero, the image of the artist in the video brings together the elements that generate the attraction for his work.

Behind the sense of humor and through the management of the advertising media, Sastre acts as critical critic of a reality that, on the other hand, does not deny belonging; On the contrary it uses these means from the best place, from inside.

Tailor is a hedonist who does not hide it.

He enjoys being photographed in Vogue magazine in Los Angeles in front of a Hollywood sign, traveling in a limousine and wearing expensive clothes. But his operation includes an energetic satire from the heart of what he criticizes.

Here lies perhaps the maximum appeal of his proposal: the careful and chameleon self-image that appears in each of his films imagining himself as an artist required by major brands, signing contracts for exorbitant figures, buying in luxury stores, As well as walking with Hello Kitty dressed as a nun, cryogenically frozen as Walt Disney or shaking hands with the president of Uruguay.

Surrounded by glamor, it introduces us into a fictional and miscellaneous world that fascinates, and stimulates to finally catch the viewer in a reflection that works beyond consciousness.

The remakes and imitations refer to well-known images, which are dislocated from the original sense and are involved in a new and delirious fiction where the orders are subverted.

The north turns to the south, and following the proposal of his compatriot Torres García to turn the map in reverse, urges the leaders to reverse the priorities since Ibero-American dreams are cheaper.

Martin carries out a political operation, whose meaning points on one hand to the geography and on the other to the products of the consumption industry.

With his production of videos and having internalized the vocabulary of the media, he puts his finger on the wound regarding the null support received by Latin American artists with his work The Martin Sastre Foundation. 2003, video where he asks to adopt a super poor artist, an artist from Latin America.

Nothing is clear enough after seeing Sastre’s films. It seems like something has been moved inside, within our unconscious and that, crystallizing after a time, incites a new perception of reality.After Sastre, Hello Kitty was never the same again.

 

EL SER TAN BELLA (NO) DA DERECHO A DESTRUIR

Exposiciones

DE JAVIER GONZÁLEZ

JUN – JUL 2014

“CONVENCIONES Y DESENCUENTROS: UNA EXPOSICIÓN SOBRE EL AMOR”

Con la instalación Sobre la contradicción emocional que propicia el fenómeno del amor (o como es que el ideal romántico como convención cultural es incompatible con los fenómenos de la materia y las mecánicas de la vida), el docente de la Escuela de Arte de la Universidad Diego Portales, Javier González, obtuvo el primer lugar del Premio Arte Joven MAVI – Minera Escondida en 2012 y hoy, a dos años de esto, el artista vuelve al museo, ahora en solitario, para presentar El ser tan Bella No te da Derecho a Destruir, muestra que se inaugurará el próximo 5 de junio.

 

Tan sugerente como el nombre, la exposición se centra en analizar y trabajar en torno a cómo se han elaborado las convenciones respecto a una emoción a la vez tan universal y tan única como el amor y la forma en que estas mismas son codificadas. En este caso, el artista propone que muchas veces estas convenciones no saben gobernar ni organizar la emoción, emergiendo allí la violencia como mecanismo de administración del lenguaje de la pasión.

 

De este modo, la observación específica que cruza temáticamente este proyecto tiene que ver, justamente, con el momento en que estas frustraciones, determinadas por la constante y siempre probable incongruencia de apreciaciones en torno a un mismo sentir, terminan por desatar reacciones violentas a fin de intentar regular la intensidad del amor.

 

Ya lo adelantaba María Irene Alcalde, curadora de MAVI, al indicar que “Javier González presentará una muestra que seguramente dará que hablar, ya que invita al público a reflexionar en forma humorística y  con una gran dosis de ironía, acerca de un tema tan cercano como las relaciones amorosas”. Para esto, escultura y materiales trabajados con distintos procesos darán vida a espacios metafóricos que le permitirán al autor traer a lo concreto momentos pura y propiamente emocionales.

 

Consolidando una alianza para el arte joven.

El Premio Arte Joven MAVI-Minera Escondida -anteriormente conocido como “Cabeza de Ratón”-, es uno de los concursos de arte más relevantes del país por su alto nivel de convocatoria, además, desde 2006 se ha posicionado como un evento que busca generar oportunidades para jóvenes creadores nacionales, a través de la exhibición de su obra con miras a proyectar su carrera profesional.

 

Así, la exhibición, señala Alcalde, “constituye la segunda vez que el concurso incorpora una exposición en el museo como parte del premio” y afirma que “para MAVI ha sido una muy interesante experiencia, ya que ha demostrado que la apuesta ha surtido efecto: el exhibir en el museo se ha transformado en uno de los alicientes más anhelados de los participantes del concurso”.

 

El artista.

Artista visual y curador independiente que vive y trabaja en Santiago de Chile. Es licenciado en Bellas Artes, mención escultura, por la Universidad ARCIS (2008) y actualmente es académico de pregrado en la Escuela de Artes Visuales de la Universidad Diego Portales. Su trabajo ha sido exhibido en el país de forma individual y colectivamente también ha estado presente en Argentina, Estados Unidos, Suiza, Grecia y China. En 2012 obtuvo el primer lugar en el VII Concurso Premio Arte Joven MAVI-Minera Escondida, además fue nominado a los Premios Altazor en la categoría Escultura.

Como curador, ha trabajado desarrollando proyectos para espacios como Galería ANIMAL (2010), Galería Loewenthal (2011), Consejo Nacional de la Cultura y las Artes (2013) y EAC (Espacio de Arte Contemporáneo, Montevideo, Uruguay, 2013-2014). Desde 2011 co-dirige el espacio independiente LOCAL Arte Contemporáneo en donde ha realizado labores curatoriales y de gestión. En 2013 obtiene el primer lugar del concurso para curadores del Consejo Nacional de la Cultura y las Artes con su proyecto Los Órganos Vitales de unas Obras con Cuerpos Invisibles. Ha escrito para exposiciones, catálogos y libros de numerosos artistas nacionales tanto en chile como en el extranjero.

 

 

TO BE SO BEAUTIFUL (DOES NOT GIVE) THE RIGHT TO DESTROY

BY JAVIER GONZÁLEZ

JUN – JUL 2014

“CONVENTIONS AND DISAGREEMENTS: AN EXHIBITION ABOUT LOVE”

With the emotional contradiction that generates the love phenomenon, the art teacher of the art school at Diego Portales university, Javier González, got the first place in the MAVI Young Art Award – Escondida Mine in 2012 and two years later (today) the artists comes back to the museum alone to present his exhibition named El ser tan Bella No te da Derecho a Destruir/TO BE SO BEAUTIFUL (DOES NOT GIVE) THE RIGHT TO DESTROY, this exhibition will be inaugurated the 5th of June.

This exhibition is focused in analyzing and working among how the convention of a universal and unique emotion such as love has been elaborated and the way they are codified. In this case, the artist proposes that many times this conventions don´t know how to organize or manage emotions and because of this, violence emerges as an administration mechanism of passion language.

In this way, the specific observation that crosses subjects in this project is related with the moment when this frustrations determined by the constant and probable contradiction in the appreciation of a feeling end up triggering violent reactions trying to regulate love intensity.

María Irene Alcalde, curator of MAVI, said “Javier González will show an exhibition that will draw attention and make people talk about it because he invited the public to think about relationships in a humoristic and ironic way”. Sculptures and worked materials with different processes will bring to life metaphoric spaces that will permit the author to show pure and emotional moments.

Consolidating a youthful art alliance.

The MAVI Young Art Award – Escondida Mine Award–before known as “Cabeza de Ratón”/ “Mouse Head”, is one of the most relevant contests in the country because of its high level of call, also since 2006 it has positioned as an event that wants to generate opportunities for young national creators through the exhibition of their pieces of work with the intention of projecting their professional career.

The exhibition “constitutes the second time that the contest adds an exposition in the museum as part of the award”, said Alcalde and “it has been an interesting experience for MAVI because it has been demonstrated that it has had good results: exhibiting in the museum has transformed in one of the most wanted incentives of the participants of the contest” she affirmed.

The artist

Visual artist and independent curator, who lives and works in Santiago-Chile. He is graduated in fine arts with a minor in sculpture at the ARCIS University (2008) and currently he is an undergraduate teacher in the school of visual arts in Diego Portales University. His work has been exhibited in the country individually and collectively. He has also been present in Argentina, United States, Switzerland, Greece and China. In 2012 he obtained the first place in the VII MAVI- Escondida Mine Young Art Award Contest; he also was nominated to the Altazor awards in the Sculpture category.

As a curator, he has worked developing proyects for spaces as ANIMAL Gallery (2010), Loewenthal Gallery (2011), National Council of Culture and the Arts (2013) and EAC (Contemporary Art Space, Uruguay, Montevideo,(2013-2014). Since 2014, he has co directed the independent LOCAL space of Contemporary Art where he has done curatorial and management labors. In 2013 he got the first place in contest for curators of the National Council of Culture and the Arts with his project called Los Órganos Vitales de unas Obras con Cuerpos Invisibles/ The Vital Organs of Works with Invisible Bodies. He has written for exhibitions, catalogs and books of several national artists in Chile and in other countries.

 

HEROICA. TERRITORIO DE RESISTENCIA

Exposiciones

DEL COLECTIVO CAJA NEGRA

JUN – JUL 2014

CAJA NEGRA AL DESCUBIERTO: FORMA, FONDO Y VIGENCIA DE UN ESPACIO ARTÍSTICO

 

“Un sistema de vida, una postura frente a la experiencia, Caja Negra se define como un espacio vital, autónomo, sostenido por quienes conforman su carne, sus huesos, su piel y su sangre…” señaló en 2010 el historiador del arte Pedro Pablo Bustos, al referirse a la identidad  de Caja Negra, espacio cultural que comienza a operar en Chile en 1983.

Ya son 30 años de creación y producción artística, construida desde un lugar de reflexión alternativo y experimental, los que se verán cristalizados en un gran proyecto expositivo que se exhibirá en MAVI desde el 28 de mayo. Así, la muestra será un relato histórico visual  que revisará los procesos productivos de Caja Negra en sus distintas etapas, desde su fundación hasta hoy.

La exhibición estará dividida en tres ejes temáticos: línea histórica, línea expositiva y línea educacional e interactiva. Cada una de estas permitirá unir los ejercicios de producción y distribución de obra los que, a su vez, se ligarán materialmente a las puestas en escena de cada etapa. Serán, entonces, estos mismos nexos los que definirán los soportes visuales de la exposición así como las materialidades a trabajar.

 

Conexiones curatoriales

La línea expositiva estará dada por propuestas individuales exhibidas bajo la lógica del montaje asociado, donde se mezclarán los trabajos de artistas consagrados junto con las nuevas apuestas que actualmente integran el taller. Todas estas obras han sido seleccionadas bajo el criterio curatorial de montajes claves durante la historia artística de Caja Negra pero integradas específicamente al espacio entregado por MAVI, el que será abordado de forma tal que permita el diálogo con el público y posibilite la reflexión y comunicación de ideas desde y hacia Caja Negra.

De este modo, la idea curatorial, llevaba a cabo por Patricio Muñoz Zárate y Víctor Hugo Bravo, propone establecer, entre los tres ejes presentados, conexiones formales que constituyan obras colectivas y nichos de producción individual, sosteniendo en esto las características de Caja Negra de trabajar la disuasión de la autoría en función de planteamientos mixtos que organizan estructuras globales de ejercicio grupal. El producto es, finalmente, un sinfín de cruces y fricciones que evidencian la experiencia de vida al interior del taller en estos más de 30 años de vida.

Descrita por el crítico y curador Hernán Pacurucu, como “plataforma nómada y desterritorializada”, Caja Negra no da nada por sentado: no lo hizo en sus inicios, llevando al límite la experimentación disciplinaria, y no lo hace ahora en MAVI con una muestra que descubrirá al público el fondo y la forma de un espacio cultural de nivel internacional.

 

 

 

 

El colectivo.

Los talleres Caja Negra Artes Visuales datan de 1983, apareciendo como un espacio cultural alternativo que respondía a un contexto histórico específico, desarrollándose como un lugar de reflexión y expresión constante, resguardando las posibilidades expresivas que profundizan en los procesos y los campos de experimentación disciplinaria, abordando distintos sistemas productivos: instalación, pintura, objeto, fotografía, performance, video, sonido, escritura y otros desplazamientos.

Dentro de los proyectos que Caja Negra ha realizado desde sus inicios, se destacan producciones de libros con las Ediciones Caja Negra, obras de teatro, performance, recitales de música, seminarios, charlas, curadurías, ciclos de cine, video arte, exposiciones, encuentros performáticos, entre otras.

 

Desde 1994 a la fecha, el taller ha centrado su producción e investigación en el campo de las artes visuales, realizando varios proyectos curatoriales y expositivos en importantes espacios dentro y fuera del país, además de una activa producción in-situ.

En la actualidad, Caja Negra se plantea como un espacio de gran reconocimiento en el medio plástico nacional, que se distingue de otros por su desarrollo independiente, autónomo y de constante autogestión.

 

 

HEROIC. TERRITORY OF RESISTANCE

BY BLACK BOX GROUP

JUN – JUL 2014

EXPOSED BLACK BOX: FORM, BACKGROUND AND VALIDITY OF AN ARTISTIC SPACE

“A life system, a position towards the experience, Caja Negra/Black Box is defined as a vital, self-sufficient space sustained by the people who make up its meat, bones, skin and blood…” said the art historian Pedro Pablo Bustos in 2010, when he referred to the identity of Caja Negra/Black Box, cultural space that started functioning in Chile in 1983.

Today there are approximately 30 years of creation and artistic production, built from a place of experimental and alternative reflection that you will be able to see in MAVI from 38th of May. The exhibition will be a historic visual story with that will pass through productive processes of Caja Negra/Black Box in its different stages from its foundation until today.

The exhibition will be divided in three thematic main cores: historic line, expositive line, and educational and interactive line. Each one of them will help joining the production and distribution exercises, which at the same time will be bounded materially to staging at each stage. These connections will define the visual supports of the exhibitions and also the materiality that need work.

Curatorial connection

The expositive line will be given by the individual proposal exhibited by the logic of the associated montage, where the work of several renowned artists with new bets, that is being built in the studio presently. All these pieces of work have been chosen by the curatorial judgment of key montages during the artistic history of Caja Negra/ Black Box, but integrated specifically to the space given by MAVI, which will be addressed in a way that dialogue with the audience is permitted and where the reflection and communication of ideas from and to Caja Negra/ Black Box are possible.

In this way, the curatorial idea carried out by Patricio Muñoz Zarate and Victor Hugo Bravo tries to establish between the three main cores presented above, formal connections that constitutes collective pieces of work and individual production niches. Sosteniendo en esto las características de Caja Negra de trabajar la disuasión de la autoría en función de planteamientos mixtos que organizan estructuras globales de ejercicio grupal. El producto es, finalmente, un sinfín de cruces y fricciones que evidencian la experiencia de vida al interior del taller en estos más de 30 años de vida.

Explained by the critic and curator Hernán Pacurucu as a “nomad platform”, Caja Negra/Black Box doesn’t give anything for granted: didn’t to it when it started, taking to the limit the disciplinary experimentation and doesn’t do it now in MAVI with an exhibition that will discover the audience, the base and shape of a cultural space of an international level.

The Group

The Black Box Visual Arts workshop dates from 1983 as a cultural alternative space of a specific historical context. It was a place of constant reflection an expression, protecting the expressive possibilities that go deeply in processes and the disciplinary experimenting fields presenting different productive systems: installation, painting, objects, photography, performance, video, sound, and writing, among others.

Since the projects of Caja Negra/Black Box started, some of them stand out such as: plays, performances, music recitals, seminaries, talks, curatorial activities, cinema cycles, video art, exhibitions, performatic encounters, among others.

Since 1994, the workshop has focused its production and investigation in the field of visual arts, making several curatorial and expository projects in important spaces in and out the country, also local active production.

Currently, Caja Negra/Black Box considers itself as a space with a big recognition in the national plastic media, which distinguishes from others because of its independent, autonomous and constant self-management development.

 

CORTADO EN PEDAZOS

Exposiciones

DE NICOLÁS FRANCO

MAR – MAY 2014

Cortado en Pedazos es una exposición ideada específicamente para el Museo de Artes Visuales (MAVI) que surge a partir de la residencia que hace el artista Nicolás Franco durante tres meses en Gasworks, Inglaterra. Dicha residencia en Londres, junto a esta exhibición en Chile, son los premios que recibió el artista tras haberse adjudicado la Beca AMA en 2013. Nicolás Franco es el séptimo ganador de esta beca chilena fundada por el coleccionista y mecenas del arte contemporáneo chileno Juan Yarur.

La práctica artística de Nicolás Franco (Santiago, 1973) puede situarse dentro de una estilística de la apropiación y postproducción que le acerca a propuestas contemporáneas vinculadas al arte conceptual. Con una atención concreta en la fotografía,  la escultura y el texto y a través de un cuerpo de obra que se construye a partir del fragmentado y difuso mundo del subconsciente, el trabajo de Nicolás Franco nos presenta un distorsionado análisis de la historia, de la incertidumbre y de la constante irracionalidad de nuestra existencia individual y colectiva.

 

En Cortado en pedazos, Nicolás Franco continua desarrollando ideas relacionadas con la producción, construcción y consecuente deconstrucción de la imagen a través de diversos procedimientos técnicos.  Casi todo el material comprendido en la muestra se conforma a partir de la re-presentación y manipulación de campos expandidos del arte, como la fotografía histórica, textos literarios y cine negro. En la presente exposición, Nicolás Franco nos propone el montaje y tensión de estos documentos, desde una perspectiva íntima y subjetiva que, sin evitar una actitud crítica, apela más bien a una revisión atónita del misterio intrínseco inherente a ciertas imágenes y a sus procesos de interpretación.

 

El artista.

Nicolás Franco (Santiago, 1973), realizó sus estudios en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid y en De Ateliers Amsterdam, bajo la tutela de Georg Herold, Jan Dibbets y Rita McBride. Su trabajo ha sido expuesto en Europa, Norte y Sud América, importantes muestras individuales en Museos incluyen: MAC, Museo de Arte Contemporáneo, Santiago (Septiembre 2014); Museo Nacional de Bellas Artes, Santiago (2012); Museo del Barro, Asunción (2009) y  Museo Blanes, Montevideo (2008). De manera colectiva cabe mencionar su participación en Open Studios Gasworks, London (2013); Colección Juan Yarur: Un relato personal, Museo de Arte Contemporáneo, Santiago (2013); Ni Pena Ni Miedo, MEIAC – Museo Extremeño Iberoamericano de Arte Contemporáneo, Badajoz (2011); Trienal de Chile, Museo de Arte Contemporáneo, Santiago (2009); I Assasin, Wallspace Gallery, Nueva York (2004) y Early Works, de-Ateliers, Amsterdam (2002). Durante su carrera ha recibido diversos reconocimientos como: Premio EFG Bank & ArtNexus Feria Ch.ACO (Santiago 2013); Beca AMA-Gasworks, Fundación AMA (Santiago – Londres 2013); The Pollock Krasner Foundation Grant (NY, 2010); Union Latine culture et Comunicación (Paris, 2008); Fondart y Dirac (CL, 2008, 2007, 2006); Stroom Den Haag (La Haya, 2001); The Pollock–Krasner Foundation Grant (NY, 2001); De- Ateliers, Ministerio de cultura y Ciencias de Los Paisas Bajos (NL, 1998-2000).

 

 

CUT IN PIECES

BY NICOLÁS FRANCO

MAR – MAY 2014

Cortado en Pedazos is an exhibition created specifically for MAVI that came up because of the residence of the artist Nicolás Franco during 3 months in Gasworks, England. The before mentioned residence in London, with the exhibition in Chile are the awards that this artist received after winning the AMA Scholarship in 2013. Nicolás Francois the 7th winner of this Chilean grant funded by the Chilean collector and sponsor of contemporary art Juan Yarur.

The artistic practice of Nicolás Franco (Santiago, 1973) can be placed within a style of appropriation and postproduction that brings him closer to contemporary proposals related to conceptual art. With complete attention in photographs, sculptures, texts, and through a piece of work that is constructed based in the subconscious, the work of Nicolas Franco presents us a distorted analysis of history, of the uncertainty and the constant irrationality of our own individual and collective existence.

In Cortado en Pedazos/ Cut in Pieces, Nicolás Franco continuous developing ideas related with the production, construction and consequent deconstruction of the image through diverse technical procedures. Almost all the material in the sample is made from the reiterative presentation and manipulation of expanded fields of art like the historic photography, literary text and dark films. In this exhibition the Nicolás Franco proposes us a montage of these documents from an intimate and subjective perspective that without avoiding a critic attitude, appeals to an astonished revision of the intrinsic inherent mysterious of certain images and its interpretation processes.

The artist

Nicolás Franco (Santiago, 1973), studied in the department of fine arts at the Universidad Complutense de Madrid and at The Ateliers Amsterdam under the guidance of de George Herold, Jan Dibbets and Rita McBride. He has exhibited his important individual pieces of work in Europe, North and South America at different museums such as: MAC, Contemporary Art Museum, Santiago (September 2014); National museum of fine arts, Santiago (2012); Museum of Barro, Asunción (2009) y Blanes Museum, Montevideo (2008). It’s worth mentioning his participation in the Open Studios Gasworks, London (2013); Collection Juan Yarur: Un relato personal/ A personal story, Contemporary Art Museum, Santiago (2013); Ni Pena Ni Miedo/ No pity nor fear, MEIAC – Extremeño Iberoamerican Museum of Contemporary Art, Badajoz (2011); Trienal de Chile/ Triennial of Chile, Contemporary Art Museum, Santiago (2009); I Assasin, Wallspace Gallery, New York (2004) and Early Works, de-Ateliers, Amsterdam (2002).

During his career he has received diverse recognitions such as: EFG Bank & ArtNexus Feria Ch.ACO award (Santiago 2013); AMA-Gasworks grant, AMA Foundation (Santiago – London 2013); The Pollock Krasner Foundation Grant (NY, 2010); Union Latine culture et Comunicación (Paris, 2008); Fondart y Dirac (CL, 2008, 2007, 2006); Stroom Den Haag (La Haya, 2001); The Pollock–Krasner Foundation Grant (NY, 2001); De- Ateliers, Ministry of culture and Science of the Netherlands(NL, 1998-2000).

 

RICARDO YRARRÁZAVAL

Exposiciones

MAR – FEB 2014

En esta muestra homónima el artista ha seleccionado personalmente las obras que serán exhibidas en la muestra, con el objetivo de poder mostrar, en forma lineal y clara, la historia de su ingente producción artística.

 

Desde la abstracción y el colorido, características propias de sus primeros años, hasta la geometría y la pintura digital, serán exhibidos en esta exposición. Obras que, aunque distintas, llevan un sello común de la figura humana, manifestándose así uno de sus temas más recurrentes: el hombre y su relación, muchas veces más compleja y enrevesada de lo que quisiéramos, con el entorno y sus pares.

Esta muestra deja ver, también, la trayectoria intrínseca de un artista que, durante los años, se ha mostrado coherente consigo mismo, desarrollando una forma particular de percepción, en donde predomina la sobriedad, el equilibrio y la economía de medios, siempre con una producción de altísima calidad. Así, su carácter reservado y pausado se refleja en una pintura silenciosa y al mismo tiempo certeramente crítica, que descubre a un observador aguzado de la realidad que lo circunda, quizás más allá de lo que él mismo quisiera revelarnos.

 

En la ocasión, se expondrán diversos trabajos que repasan su recorrido artístico, que va desde dibujos tempranos de la década del 50 y cerámicas realizadas en los convulsos años 70, hasta óleos sobre tela, pastel y acrílico sobre tela, llegando a sus últimas creaciones realizadas en formato digital pero donde el hombre y la problemática actual permanecen como protagonistas.

 

El artista.

Amador Ricardo Yrarrázaval Larraín nació en Santiago de Chile un 21 de noviembre de 1931. En la capital, estudió junto con los maestros en cerámica André Racz, Claudio di Girólamo y Raúl Valdivieso. En 1952, viaja a Europa por primera vez, para realizar cursos de dibujo y pintura tanto en Roma como en París. Sucesivos viajes se repitieron, los que le permitieron conocer y aprender sobre los movimientos plásticos contemporáneos, además de sus experiencias por América latina.

Numerosos reconocimiento y premios tiene a su haber, destacando la beca Guggenheim-Pintura, que lo mantuvo un año en Nueva York, distintas invitaciones internacionales y, también, el reconocimiento de sus pares en 2002 y 2003, años en que se adjudicara el Premio Altazor. En 2010, la asociación de Críticos de Arte de Santiago, le entrega el primer premio en Artes Visuales a la Trayectoria, galardón que refleja el aporte de la obra de Yrarrázaval a la historia del arte de nuestro país.

 

Ha realizado numerosas exposiciones, tanto individuales como colectivas, en importantes centros artísticos de Chile y el extranjero, entre ellos Washington, Buenos Aires, Río de Janeiro, Nueva York, París, Caracas y Medellín, por citar solo algunos. Además, muchas de sus obras forman parte de la colección permanente de los museos más significativos del país (MNBA, MAC, MAVI, entre otros).

 

 

RICARDO YRARRÁZAVAL

MAR – FEB 2014

In this homonymous exhibition, the artist has personally chosen the pieces of work that will be exhibited, with the objective of showing in a clear and linear way, the story of his huge artistic production.

From the abstraction to the coloring, typical characteristic of the first years, from geometry to digital painting will be exhibited in this exhibition. Pieces of work that are different but have a similar seal of human figure, expressing one of the most typical subjects: men and his relations, sometimes more complex and confusing than expected with the environment a his pairs.

In this exhibition we can see the intrinsic trajectory of an artist that during years has shown coherence with himself, developing a particular way of perception where sobriety, balance and medical economy predominate, always with a production of high quality. His reserved and paused character reflects in a painting that is silent and at the same time accurately critic, that discover an improved observer of reality maybe even more that he would like to reveal.

In this occasion, there will be diverse Works exhibited that will show his artistic trajectory from his drawings in the 50’ and ceramic made in the 70’ to oil painting and acrylic in fabric, and his last creations made in a digital format where the protagonist is the men and his actual problems.

The Artist

Amador Ricardo Yrarrázaval Larraín was born in Santiago de Chile the 21st of November, 1931. He studied in Santiago with the ceramic teachers André Racz, Claudio di Girólamo and Raúl Valdivieso. In 1952, he traveled to Europe for the first time to study drawing and painting in Rome and Paris. There were several trips that made him know and learn about the contemporary plastic movement plus his experience in Latin America.

He has several recognitions such as Guggenheim- Painting grant in New York for one year, different international invitations and also the recognition of his pairs in 2002 and 2003, the year he won the Altazor award. In 2010 the Art Critic Association of Santiago, gave him his first Visual Art Trajectory award, because of the contribution that made the pieces of work of Yrarrázaval to the history of art in our country.

He has made several exhibitions, individually and collectively in important artistic centers in Chile and abroad such as Washington, Buenos Aires, Rio de Janeiro, New York, Paris, Caracas and Medellin, among others. Also, lots of his exhibitions are part of the permanent collection of the most important museums of the country (MNBA, MAC, MAVI,among others.).

 

VIII CONCURSO MAVI / MINERA ESONDIDA ARTE JOVEN CONTEMPORÁNEO

Exposiciones

DIC 2013 – FEB 2014

La escultura de cerámica “revestir 2” de María Fernanda Guzmán fue escogida como la ganadora del primer lugar del VIII concurso Premio Arte Joven MAVI-Minera Escondida. Además, la artista de Valparaíso se quedó con la Mención Honrosa destinada a participantes de regiones.

El segundo lugar recayó en Miguel Soto por su obra “Por Presunta Desgracia”, mientras que el tercer premio se lo llevó Benjamín Ossa con su trabajo “Cuatro líneas / Una teoría”. Las otras menciones honrosas fueron entregadas a “Dicen que dormir poco puede matarte”, de Nicolás Astorga; y “La autonomía”, de José Miguel Marty.

Las cinco obras galardonadas formarán parte de una exposición que reunirá treinta trabajos de concursantes, y estará abierta hasta el 23 de febrero en el Museo de Artes Visuales (MAVI).

El certamen que se realiza desde el año 2006 es organizado por el Museo de Artes Visuales (MAVI) y presentado por Minera Escondida, operada por BHP Billiton; y nace el propósito de promover la creación entre los nuevos talentos que existen en el medio profesional de las artes visuales chilenas, el concurso se ha instalado como una oportunidad única y un referente para los que están comenzando.

Para María Olivia Recart, Vicepresidenta de Asuntos Corporativos de BHP Billiton Cobre, “los jóvenes artistas han demostrado su interés en participar de este certamen y, por ende, de ser parte de esta importante plataforma que los ayuda a dar a conocer sus trabajos y profesionalizar sus carreras. Por eso, estamos muy contentos de acompañar a MAVI por octava ocasión y esperamos sean cada vez más quienes se animen a compartir sus talentos, ideas y habilidades artísticas”.

Por su parte, Beatriz Salinas, Productora General del Museo MAVI y Comisaria del concurso, asegura que  “el concurso se encuentra en momento de consolidación, varios de los artistas que han ganado ya están plenamente vigentes en el circuito artístico nacional y con muchas posibilidades de empezar a trabajar en el extranjero.

El jurado integrado por los artistas Cristián Salineros, Rodrigo Bruna y Teresa Gazitúa, María Irene Alcalde, curadora Colección MAVI, y como jurado internacional, el académico y curador argentino , Rodrigo Alonso; fueron los encargados de recibir y revisar cada uno de los trabajos, que mostraron algunos estilos que se diferenciaron a los concursantes de años anteriores.

 

GANADORES

Dentro de los 30 trabajos preseleccionados, los cuales forman parte de la exposición que estará abierta hasta el 23 de febrero en el Museo de Artes Visuales (MAVI), destaca la presencia de diversas técnicas artísticas: instalaciones con video y sonido, pinturas, fotografías, esculturas, dibujos, entre otros.

En esta ocasión, la ganadora del Primer Premio MAVI fue para María Fernanda Guzmán, por su escultura de cerámica “revestir 2”. La artista es de Valparaíso (32 años y Licenciada en Artes Visuales de la Universidad de Chile) y cuenta que su trabajo nace a partir de una reflexión acerca de una acción cotidiana, que es el hecho de cubrir los objetos mobiliarios con pequeños manteles tejidos a crochet. “Es un acto que al parecer no cabe duda morirá con nuestras abuelas. Por eso con una pieza cerámica, que permite reproducir fielmente un objeto, pretendo re significar este acto mediante el absurdo, el objeto ha sido devorado por el paño, corroído por el adorno”, explica.

Además de ganar el Primer Premio, María Fernanda Guzmán también obtuvo la mención honrosa dedicada especialmente a participantes de regiones.

El segundo Premio Minera Escondida recayó en Miguel Soto, por su obra “Por Presunta Desgracia”. El joven de 23 años es Licenciado en Arte de la Pontificia Universidad Católica de Chile, y presentó una alfombra de seda cubierta casi en su totalidad por un bloque de hormigón, dejando ver sólo sus extremos. En palabras de su autor, el trabajo “surge como una alusión al dicho popular ‘esconder la mugre bajo la alfombra’, generando un objeto que no es capaz de esconder nada más que su propia superficie y diseño cubiertos por el hormigón. ‘Por Presunta Desgracia’ se establece como una prevención a que algo pueda ser escondido, que existan secretos o misterios. Es una sepultura o una falsa coraza que no hace más que acentuar la condición frágil de dicho objeto”.

El tercer premio se lo llevó Benjamín Ossa con su instalación “Cuatro líneas / Una teoría”. Licenciado en Artes Visuales mención pintura de la Universidad Finis Terrae, explica su proyecto: “Se basa en una experiencia temporal mediante luz, espacio y color. Un dibujo  geométrico expresado en cuatro semicírculos, se establece como una herramienta efectiva y ultra concreta para abrir vías alternativas; sensoriales de interacción y comprensión del color”.

Las otras menciones honrosas fueron entregadas a “Dicen que dormir poco puede matarte”, de Nicolás Astorga; y “La autonomía”, de José Miguel Marty.

 

 

VIII MAVI / ESCONDIDA MINE YOUNG CONTEMPORARY ART AWARD

DIC 2013 – FEB 2014

The ceramic sculpture “revestir 2” by de María Fernanda Guzmán was chosen as the winner of the first place in the VIII MAVI / ESCONDIDA MINE YOUNG CONTEMPORARY ART Contest. Also, the artist from Valparaiso stayed with the honorific mention destined to participants of regions.

Miguel Soto got the second place with his piece of work called “Por Presunta Desgracia”/ “For Presumed Disgrace”, while Benjamín Ossa got the third place with work “Cuatro líneas / Una teoría”/ “Four lines / One theory”. The other honorific mention where given to Nicolás Astorga with his work named “Dicen que dormir poco puede matarte” /”They say that it can kill you if you don’t sleep enough” and José Miguel Marty with his work named “La Autonomía”/ “The autonomy”.

The five award winnings will be part of the exhibitions that will gather 30 pieces of work of the participants and will be available to see until the 23rd of February in Museum of Visual Arts (MAVI).

The contest is carried out since 2006, it is organized by MAVI and presented by Escondida Mine, operated by BHP BILITON because they wanted to promote the creations of new talents that exist in the professional media of visual arts in Chile, the contest is a unique opportunity and a referent for the ones that are starting in this career.

María Olivia Recart, Vicepresident of Corparate Affairs at BP Biliton Cobre, said, “ Young artists have demonstrated their interest in participating in this contest, and being part of an important platform that helps them making people know about their work and give a professional status to their careers. That is way we are happy to accompany MAVI for the 8th occasion and we hope more people want to share their talents, ideas, and artistic abilities.”

Beatriz Salinas, General Producer at MAVI Museum and Curator of the contest affirms, “The contest is in a moment of consolidation, several artists that have already won are currently in the national artistic circuit and with lots of possibilities of working abroad.

The judges integrated by the artists Cristián Salineros, Rodrigo Bruna and Teresa Gazitúa, María Irene Alcalde, curator of MAVI Collection, and Rodrigo Alonso, Argentinian curator, as an international judge; they are in charge of receiving and checking all the works with different styles that are shown compared to the participants of previous years.

Winners

Among the 30 preselected Works, which formed part of the exhibition that will be available to see until the 23rd of February at MAVI, there are diverse artistic techniques such as: installations with video and sound, paintings, photographs, and drawings.

In this occasion, the winner of the First MAVI Award was María Fernanda Guzmán with her ceramic sculpture “revestir 2”. The artist comes from Valparaiso (32 years old and studied Visual Arts at Universidad de Chile University), she said that her work comes from a reflection about the daily action of covering furniture with small crochet tablecloths. “It’s an act that will end when our grandmothers pass away. That’s why with a piece of ceramic that permits reproducing an object accurately, I pretend to re significate this act by the absurd , the object has been devoured by the cloth, corroded by the ornament”, she explained.

Besides winning the First Award, María Fernanda Guzmán also got the honorific mention specially dedicated to participants that come from regions.

The second award Escondida Mine was for Miguel Soto and his piece of work called Por Presunta Desgracia”/ “For Presumed Disgrace”. This young man is 23 years old and studied art at Pontificia Universidad Católica de Chile University, he presented a silk carpet covered almost entirely by a concrete block where you can see only it’s the ends. The author said, “this work comes up by the popular saying ‘cover the dirt underneath the carpet’, generating an object that can’t hide anything else but its surface and design covered by concrete. “Por Presunta Desgracia” / “For Presumed Disgrace”. is stablished as a prevention to something that could be hidden or mysterious. It is a false shield that accentuates the fragile condition of the object.”

The third award was for Benjamin Ossa with his work “Cuatro líneas / Una teoría”/ “Four lines / One theory”. He studied visual arts in art at Universidad Finis Terrae University explains his project,” its bae on a temporary experience based in light, space and color. A geometric drawing expressed in four semicircles, it is an effective and concrete tool to open alternative route; sensorial interactions and comprehension of color.

The other honorific mentions were given to “Dicen que dormir poco puede matarte”/ /”They say that it can kill you if you don’t sleep enough”, by Nicolás Astorga; and “La autonomía”/ “The autonomy”, by José Miguel Marty.

 

CÓMO DESAPARECER COMPLETAMENTE

Exposiciones

DE NATALIA BABAROVIC

NOV – DIC 2013

Exposición de una serie de pinturas de variados formatos, principalmente escenas y retratos que representan el trabajo de los últimos 3 años de Natalia Babarovic.

Respecto de su obra anterior, proponen una nueva solución pictórica para el “realismo”, tanto en el color como en el procedimiento.

Esta vez se ha sumado a su archivo de imágenes otro registro. Las pinturas actuales se han realizado a partir de fotos de varias performances realizadas en Estados Unidos en los años 60, encontradas por la artista en una revista de la época.

Entre otras, obras de Claes Oldenburg y Alan Kaprow. Se suma al registro de performances un nuevo referente, los pantallazos a videos de la web, en los que la artista ha basado sus últimas obras. Con estos pantallazos o screenshots la artista logra seleccionar un instante particular en una escena o acontecimiento y tener acceso a un universo de imágenes vasto e insospechado.

 

La artista.

Natalia Babarovic/ Artista Visual. Nace en 1966. Vive y trabaja en Santiago de Chile. Trabaja en pintura (óleo sobre tela y papel, acuarela) y en fotografía. Ha expuesto individual y colectivamente en destacados espacios culturales tanto de Chile como del extranjero. Sus obras forman parte de las colecciones permanentes del Museo Nacional de Bellas Artes, el Museo de Arte Contemporáneo y el Museo de Artes Visuales. Realiza además docencia de Dibujo en universidades UDP y UNAB.

 

 

HOW TO DISAPPEAR COMPLETELY

BY NATALIA BABAROVIC

NOV – DIC 2013

This is an exhibition of paintings in several formats, mainly scenes and portraits that represent the work of Natalia Babarovic the last 3 years.

In relation to her previous work, they propose a new pictorial solution for the “realism”, in the color and procedure.

There is another register that included in her image files. The current paintings have been created from performance photographs taken in the United States in the 60´s, found by the artist in a magazine of that time.

Pieces of work of Claes Oldenburg and Alan Kaprow, among others. There is a new model that added to the performance register, screen shots to web videos, where the artist has based her last works. With this screen shots, the artist is able to choose one particular moments of a scene and then she has access to a huge amount of unsuspected images.

The Artist

Natalia Babarovic / Visual Artist, she was born in 1966. She lives and works in Santiago de Chile.

She works in paintings, (oil painting over fabric and paper, water color) and photography. She has exhibited individually and collectively in renowned cultural spaces in Chile and abroad. Her pieces of work are part of the permanent collection of National museum of Fine Arts, Contemporary Art Museum and Museum of Visual Arts. She is also a teacher a drawing teacher in UDP and UNAB universities.