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CORTADO EN PEDAZOS

Exposiciones

DE NICOLÁS FRANCO

MAR – MAY 2014

Cortado en Pedazos es una exposición ideada específicamente para el Museo de Artes Visuales (MAVI) que surge a partir de la residencia que hace el artista Nicolás Franco durante tres meses en Gasworks, Inglaterra. Dicha residencia en Londres, junto a esta exhibición en Chile, son los premios que recibió el artista tras haberse adjudicado la Beca AMA en 2013. Nicolás Franco es el séptimo ganador de esta beca chilena fundada por el coleccionista y mecenas del arte contemporáneo chileno Juan Yarur.

La práctica artística de Nicolás Franco (Santiago, 1973) puede situarse dentro de una estilística de la apropiación y postproducción que le acerca a propuestas contemporáneas vinculadas al arte conceptual. Con una atención concreta en la fotografía,  la escultura y el texto y a través de un cuerpo de obra que se construye a partir del fragmentado y difuso mundo del subconsciente, el trabajo de Nicolás Franco nos presenta un distorsionado análisis de la historia, de la incertidumbre y de la constante irracionalidad de nuestra existencia individual y colectiva.

 

En Cortado en pedazos, Nicolás Franco continua desarrollando ideas relacionadas con la producción, construcción y consecuente deconstrucción de la imagen a través de diversos procedimientos técnicos.  Casi todo el material comprendido en la muestra se conforma a partir de la re-presentación y manipulación de campos expandidos del arte, como la fotografía histórica, textos literarios y cine negro. En la presente exposición, Nicolás Franco nos propone el montaje y tensión de estos documentos, desde una perspectiva íntima y subjetiva que, sin evitar una actitud crítica, apela más bien a una revisión atónita del misterio intrínseco inherente a ciertas imágenes y a sus procesos de interpretación.

 

El artista.

Nicolás Franco (Santiago, 1973), realizó sus estudios en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid y en De Ateliers Amsterdam, bajo la tutela de Georg Herold, Jan Dibbets y Rita McBride. Su trabajo ha sido expuesto en Europa, Norte y Sud América, importantes muestras individuales en Museos incluyen: MAC, Museo de Arte Contemporáneo, Santiago (Septiembre 2014); Museo Nacional de Bellas Artes, Santiago (2012); Museo del Barro, Asunción (2009) y  Museo Blanes, Montevideo (2008). De manera colectiva cabe mencionar su participación en Open Studios Gasworks, London (2013); Colección Juan Yarur: Un relato personal, Museo de Arte Contemporáneo, Santiago (2013); Ni Pena Ni Miedo, MEIAC – Museo Extremeño Iberoamericano de Arte Contemporáneo, Badajoz (2011); Trienal de Chile, Museo de Arte Contemporáneo, Santiago (2009); I Assasin, Wallspace Gallery, Nueva York (2004) y Early Works, de-Ateliers, Amsterdam (2002). Durante su carrera ha recibido diversos reconocimientos como: Premio EFG Bank & ArtNexus Feria Ch.ACO (Santiago 2013); Beca AMA-Gasworks, Fundación AMA (Santiago – Londres 2013); The Pollock Krasner Foundation Grant (NY, 2010); Union Latine culture et Comunicación (Paris, 2008); Fondart y Dirac (CL, 2008, 2007, 2006); Stroom Den Haag (La Haya, 2001); The Pollock–Krasner Foundation Grant (NY, 2001); De- Ateliers, Ministerio de cultura y Ciencias de Los Paisas Bajos (NL, 1998-2000).

 

 

CUT IN PIECES

BY NICOLÁS FRANCO

MAR – MAY 2014

Cortado en Pedazos is an exhibition created specifically for MAVI that came up because of the residence of the artist Nicolás Franco during 3 months in Gasworks, England. The before mentioned residence in London, with the exhibition in Chile are the awards that this artist received after winning the AMA Scholarship in 2013. Nicolás Francois the 7th winner of this Chilean grant funded by the Chilean collector and sponsor of contemporary art Juan Yarur.

The artistic practice of Nicolás Franco (Santiago, 1973) can be placed within a style of appropriation and postproduction that brings him closer to contemporary proposals related to conceptual art. With complete attention in photographs, sculptures, texts, and through a piece of work that is constructed based in the subconscious, the work of Nicolas Franco presents us a distorted analysis of history, of the uncertainty and the constant irrationality of our own individual and collective existence.

In Cortado en Pedazos/ Cut in Pieces, Nicolás Franco continuous developing ideas related with the production, construction and consequent deconstruction of the image through diverse technical procedures. Almost all the material in the sample is made from the reiterative presentation and manipulation of expanded fields of art like the historic photography, literary text and dark films. In this exhibition the Nicolás Franco proposes us a montage of these documents from an intimate and subjective perspective that without avoiding a critic attitude, appeals to an astonished revision of the intrinsic inherent mysterious of certain images and its interpretation processes.

The artist

Nicolás Franco (Santiago, 1973), studied in the department of fine arts at the Universidad Complutense de Madrid and at The Ateliers Amsterdam under the guidance of de George Herold, Jan Dibbets and Rita McBride. He has exhibited his important individual pieces of work in Europe, North and South America at different museums such as: MAC, Contemporary Art Museum, Santiago (September 2014); National museum of fine arts, Santiago (2012); Museum of Barro, Asunción (2009) y Blanes Museum, Montevideo (2008). It’s worth mentioning his participation in the Open Studios Gasworks, London (2013); Collection Juan Yarur: Un relato personal/ A personal story, Contemporary Art Museum, Santiago (2013); Ni Pena Ni Miedo/ No pity nor fear, MEIAC – Extremeño Iberoamerican Museum of Contemporary Art, Badajoz (2011); Trienal de Chile/ Triennial of Chile, Contemporary Art Museum, Santiago (2009); I Assasin, Wallspace Gallery, New York (2004) and Early Works, de-Ateliers, Amsterdam (2002).

During his career he has received diverse recognitions such as: EFG Bank & ArtNexus Feria Ch.ACO award (Santiago 2013); AMA-Gasworks grant, AMA Foundation (Santiago – London 2013); The Pollock Krasner Foundation Grant (NY, 2010); Union Latine culture et Comunicación (Paris, 2008); Fondart y Dirac (CL, 2008, 2007, 2006); Stroom Den Haag (La Haya, 2001); The Pollock–Krasner Foundation Grant (NY, 2001); De- Ateliers, Ministry of culture and Science of the Netherlands(NL, 1998-2000).

 

RICARDO YRARRÁZAVAL

Exposiciones

MAR – FEB 2014

En esta muestra homónima el artista ha seleccionado personalmente las obras que serán exhibidas en la muestra, con el objetivo de poder mostrar, en forma lineal y clara, la historia de su ingente producción artística.

 

Desde la abstracción y el colorido, características propias de sus primeros años, hasta la geometría y la pintura digital, serán exhibidos en esta exposición. Obras que, aunque distintas, llevan un sello común de la figura humana, manifestándose así uno de sus temas más recurrentes: el hombre y su relación, muchas veces más compleja y enrevesada de lo que quisiéramos, con el entorno y sus pares.

Esta muestra deja ver, también, la trayectoria intrínseca de un artista que, durante los años, se ha mostrado coherente consigo mismo, desarrollando una forma particular de percepción, en donde predomina la sobriedad, el equilibrio y la economía de medios, siempre con una producción de altísima calidad. Así, su carácter reservado y pausado se refleja en una pintura silenciosa y al mismo tiempo certeramente crítica, que descubre a un observador aguzado de la realidad que lo circunda, quizás más allá de lo que él mismo quisiera revelarnos.

 

En la ocasión, se expondrán diversos trabajos que repasan su recorrido artístico, que va desde dibujos tempranos de la década del 50 y cerámicas realizadas en los convulsos años 70, hasta óleos sobre tela, pastel y acrílico sobre tela, llegando a sus últimas creaciones realizadas en formato digital pero donde el hombre y la problemática actual permanecen como protagonistas.

 

El artista.

Amador Ricardo Yrarrázaval Larraín nació en Santiago de Chile un 21 de noviembre de 1931. En la capital, estudió junto con los maestros en cerámica André Racz, Claudio di Girólamo y Raúl Valdivieso. En 1952, viaja a Europa por primera vez, para realizar cursos de dibujo y pintura tanto en Roma como en París. Sucesivos viajes se repitieron, los que le permitieron conocer y aprender sobre los movimientos plásticos contemporáneos, además de sus experiencias por América latina.

Numerosos reconocimiento y premios tiene a su haber, destacando la beca Guggenheim-Pintura, que lo mantuvo un año en Nueva York, distintas invitaciones internacionales y, también, el reconocimiento de sus pares en 2002 y 2003, años en que se adjudicara el Premio Altazor. En 2010, la asociación de Críticos de Arte de Santiago, le entrega el primer premio en Artes Visuales a la Trayectoria, galardón que refleja el aporte de la obra de Yrarrázaval a la historia del arte de nuestro país.

 

Ha realizado numerosas exposiciones, tanto individuales como colectivas, en importantes centros artísticos de Chile y el extranjero, entre ellos Washington, Buenos Aires, Río de Janeiro, Nueva York, París, Caracas y Medellín, por citar solo algunos. Además, muchas de sus obras forman parte de la colección permanente de los museos más significativos del país (MNBA, MAC, MAVI, entre otros).

 

 

RICARDO YRARRÁZAVAL

MAR – FEB 2014

In this homonymous exhibition, the artist has personally chosen the pieces of work that will be exhibited, with the objective of showing in a clear and linear way, the story of his huge artistic production.

From the abstraction to the coloring, typical characteristic of the first years, from geometry to digital painting will be exhibited in this exhibition. Pieces of work that are different but have a similar seal of human figure, expressing one of the most typical subjects: men and his relations, sometimes more complex and confusing than expected with the environment a his pairs.

In this exhibition we can see the intrinsic trajectory of an artist that during years has shown coherence with himself, developing a particular way of perception where sobriety, balance and medical economy predominate, always with a production of high quality. His reserved and paused character reflects in a painting that is silent and at the same time accurately critic, that discover an improved observer of reality maybe even more that he would like to reveal.

In this occasion, there will be diverse Works exhibited that will show his artistic trajectory from his drawings in the 50’ and ceramic made in the 70’ to oil painting and acrylic in fabric, and his last creations made in a digital format where the protagonist is the men and his actual problems.

The Artist

Amador Ricardo Yrarrázaval Larraín was born in Santiago de Chile the 21st of November, 1931. He studied in Santiago with the ceramic teachers André Racz, Claudio di Girólamo and Raúl Valdivieso. In 1952, he traveled to Europe for the first time to study drawing and painting in Rome and Paris. There were several trips that made him know and learn about the contemporary plastic movement plus his experience in Latin America.

He has several recognitions such as Guggenheim- Painting grant in New York for one year, different international invitations and also the recognition of his pairs in 2002 and 2003, the year he won the Altazor award. In 2010 the Art Critic Association of Santiago, gave him his first Visual Art Trajectory award, because of the contribution that made the pieces of work of Yrarrázaval to the history of art in our country.

He has made several exhibitions, individually and collectively in important artistic centers in Chile and abroad such as Washington, Buenos Aires, Rio de Janeiro, New York, Paris, Caracas and Medellin, among others. Also, lots of his exhibitions are part of the permanent collection of the most important museums of the country (MNBA, MAC, MAVI,among others.).

 

VIII CONCURSO MAVI / MINERA ESONDIDA ARTE JOVEN CONTEMPORÁNEO

Exposiciones

DIC 2013 – FEB 2014

La escultura de cerámica “revestir 2” de María Fernanda Guzmán fue escogida como la ganadora del primer lugar del VIII concurso Premio Arte Joven MAVI-Minera Escondida. Además, la artista de Valparaíso se quedó con la Mención Honrosa destinada a participantes de regiones.

El segundo lugar recayó en Miguel Soto por su obra “Por Presunta Desgracia”, mientras que el tercer premio se lo llevó Benjamín Ossa con su trabajo “Cuatro líneas / Una teoría”. Las otras menciones honrosas fueron entregadas a “Dicen que dormir poco puede matarte”, de Nicolás Astorga; y “La autonomía”, de José Miguel Marty.

Las cinco obras galardonadas formarán parte de una exposición que reunirá treinta trabajos de concursantes, y estará abierta hasta el 23 de febrero en el Museo de Artes Visuales (MAVI).

El certamen que se realiza desde el año 2006 es organizado por el Museo de Artes Visuales (MAVI) y presentado por Minera Escondida, operada por BHP Billiton; y nace el propósito de promover la creación entre los nuevos talentos que existen en el medio profesional de las artes visuales chilenas, el concurso se ha instalado como una oportunidad única y un referente para los que están comenzando.

Para María Olivia Recart, Vicepresidenta de Asuntos Corporativos de BHP Billiton Cobre, “los jóvenes artistas han demostrado su interés en participar de este certamen y, por ende, de ser parte de esta importante plataforma que los ayuda a dar a conocer sus trabajos y profesionalizar sus carreras. Por eso, estamos muy contentos de acompañar a MAVI por octava ocasión y esperamos sean cada vez más quienes se animen a compartir sus talentos, ideas y habilidades artísticas”.

Por su parte, Beatriz Salinas, Productora General del Museo MAVI y Comisaria del concurso, asegura que  “el concurso se encuentra en momento de consolidación, varios de los artistas que han ganado ya están plenamente vigentes en el circuito artístico nacional y con muchas posibilidades de empezar a trabajar en el extranjero.

El jurado integrado por los artistas Cristián Salineros, Rodrigo Bruna y Teresa Gazitúa, María Irene Alcalde, curadora Colección MAVI, y como jurado internacional, el académico y curador argentino , Rodrigo Alonso; fueron los encargados de recibir y revisar cada uno de los trabajos, que mostraron algunos estilos que se diferenciaron a los concursantes de años anteriores.

 

GANADORES

Dentro de los 30 trabajos preseleccionados, los cuales forman parte de la exposición que estará abierta hasta el 23 de febrero en el Museo de Artes Visuales (MAVI), destaca la presencia de diversas técnicas artísticas: instalaciones con video y sonido, pinturas, fotografías, esculturas, dibujos, entre otros.

En esta ocasión, la ganadora del Primer Premio MAVI fue para María Fernanda Guzmán, por su escultura de cerámica “revestir 2”. La artista es de Valparaíso (32 años y Licenciada en Artes Visuales de la Universidad de Chile) y cuenta que su trabajo nace a partir de una reflexión acerca de una acción cotidiana, que es el hecho de cubrir los objetos mobiliarios con pequeños manteles tejidos a crochet. “Es un acto que al parecer no cabe duda morirá con nuestras abuelas. Por eso con una pieza cerámica, que permite reproducir fielmente un objeto, pretendo re significar este acto mediante el absurdo, el objeto ha sido devorado por el paño, corroído por el adorno”, explica.

Además de ganar el Primer Premio, María Fernanda Guzmán también obtuvo la mención honrosa dedicada especialmente a participantes de regiones.

El segundo Premio Minera Escondida recayó en Miguel Soto, por su obra “Por Presunta Desgracia”. El joven de 23 años es Licenciado en Arte de la Pontificia Universidad Católica de Chile, y presentó una alfombra de seda cubierta casi en su totalidad por un bloque de hormigón, dejando ver sólo sus extremos. En palabras de su autor, el trabajo “surge como una alusión al dicho popular ‘esconder la mugre bajo la alfombra’, generando un objeto que no es capaz de esconder nada más que su propia superficie y diseño cubiertos por el hormigón. ‘Por Presunta Desgracia’ se establece como una prevención a que algo pueda ser escondido, que existan secretos o misterios. Es una sepultura o una falsa coraza que no hace más que acentuar la condición frágil de dicho objeto”.

El tercer premio se lo llevó Benjamín Ossa con su instalación “Cuatro líneas / Una teoría”. Licenciado en Artes Visuales mención pintura de la Universidad Finis Terrae, explica su proyecto: “Se basa en una experiencia temporal mediante luz, espacio y color. Un dibujo  geométrico expresado en cuatro semicírculos, se establece como una herramienta efectiva y ultra concreta para abrir vías alternativas; sensoriales de interacción y comprensión del color”.

Las otras menciones honrosas fueron entregadas a “Dicen que dormir poco puede matarte”, de Nicolás Astorga; y “La autonomía”, de José Miguel Marty.

 

 

VIII MAVI / ESCONDIDA MINE YOUNG CONTEMPORARY ART AWARD

DIC 2013 – FEB 2014

The ceramic sculpture “revestir 2” by de María Fernanda Guzmán was chosen as the winner of the first place in the VIII MAVI / ESCONDIDA MINE YOUNG CONTEMPORARY ART Contest. Also, the artist from Valparaiso stayed with the honorific mention destined to participants of regions.

Miguel Soto got the second place with his piece of work called “Por Presunta Desgracia”/ “For Presumed Disgrace”, while Benjamín Ossa got the third place with work “Cuatro líneas / Una teoría”/ “Four lines / One theory”. The other honorific mention where given to Nicolás Astorga with his work named “Dicen que dormir poco puede matarte” /”They say that it can kill you if you don’t sleep enough” and José Miguel Marty with his work named “La Autonomía”/ “The autonomy”.

The five award winnings will be part of the exhibitions that will gather 30 pieces of work of the participants and will be available to see until the 23rd of February in Museum of Visual Arts (MAVI).

The contest is carried out since 2006, it is organized by MAVI and presented by Escondida Mine, operated by BHP BILITON because they wanted to promote the creations of new talents that exist in the professional media of visual arts in Chile, the contest is a unique opportunity and a referent for the ones that are starting in this career.

María Olivia Recart, Vicepresident of Corparate Affairs at BP Biliton Cobre, said, “ Young artists have demonstrated their interest in participating in this contest, and being part of an important platform that helps them making people know about their work and give a professional status to their careers. That is way we are happy to accompany MAVI for the 8th occasion and we hope more people want to share their talents, ideas, and artistic abilities.”

Beatriz Salinas, General Producer at MAVI Museum and Curator of the contest affirms, “The contest is in a moment of consolidation, several artists that have already won are currently in the national artistic circuit and with lots of possibilities of working abroad.

The judges integrated by the artists Cristián Salineros, Rodrigo Bruna and Teresa Gazitúa, María Irene Alcalde, curator of MAVI Collection, and Rodrigo Alonso, Argentinian curator, as an international judge; they are in charge of receiving and checking all the works with different styles that are shown compared to the participants of previous years.

Winners

Among the 30 preselected Works, which formed part of the exhibition that will be available to see until the 23rd of February at MAVI, there are diverse artistic techniques such as: installations with video and sound, paintings, photographs, and drawings.

In this occasion, the winner of the First MAVI Award was María Fernanda Guzmán with her ceramic sculpture “revestir 2”. The artist comes from Valparaiso (32 years old and studied Visual Arts at Universidad de Chile University), she said that her work comes from a reflection about the daily action of covering furniture with small crochet tablecloths. “It’s an act that will end when our grandmothers pass away. That’s why with a piece of ceramic that permits reproducing an object accurately, I pretend to re significate this act by the absurd , the object has been devoured by the cloth, corroded by the ornament”, she explained.

Besides winning the First Award, María Fernanda Guzmán also got the honorific mention specially dedicated to participants that come from regions.

The second award Escondida Mine was for Miguel Soto and his piece of work called Por Presunta Desgracia”/ “For Presumed Disgrace”. This young man is 23 years old and studied art at Pontificia Universidad Católica de Chile University, he presented a silk carpet covered almost entirely by a concrete block where you can see only it’s the ends. The author said, “this work comes up by the popular saying ‘cover the dirt underneath the carpet’, generating an object that can’t hide anything else but its surface and design covered by concrete. “Por Presunta Desgracia” / “For Presumed Disgrace”. is stablished as a prevention to something that could be hidden or mysterious. It is a false shield that accentuates the fragile condition of the object.”

The third award was for Benjamin Ossa with his work “Cuatro líneas / Una teoría”/ “Four lines / One theory”. He studied visual arts in art at Universidad Finis Terrae University explains his project,” its bae on a temporary experience based in light, space and color. A geometric drawing expressed in four semicircles, it is an effective and concrete tool to open alternative route; sensorial interactions and comprehension of color.

The other honorific mentions were given to “Dicen que dormir poco puede matarte”/ /”They say that it can kill you if you don’t sleep enough”, by Nicolás Astorga; and “La autonomía”/ “The autonomy”, by José Miguel Marty.

 

CÓMO DESAPARECER COMPLETAMENTE

Exposiciones

DE NATALIA BABAROVIC

NOV – DIC 2013

Exposición de una serie de pinturas de variados formatos, principalmente escenas y retratos que representan el trabajo de los últimos 3 años de Natalia Babarovic.

Respecto de su obra anterior, proponen una nueva solución pictórica para el “realismo”, tanto en el color como en el procedimiento.

Esta vez se ha sumado a su archivo de imágenes otro registro. Las pinturas actuales se han realizado a partir de fotos de varias performances realizadas en Estados Unidos en los años 60, encontradas por la artista en una revista de la época.

Entre otras, obras de Claes Oldenburg y Alan Kaprow. Se suma al registro de performances un nuevo referente, los pantallazos a videos de la web, en los que la artista ha basado sus últimas obras. Con estos pantallazos o screenshots la artista logra seleccionar un instante particular en una escena o acontecimiento y tener acceso a un universo de imágenes vasto e insospechado.

 

La artista.

Natalia Babarovic/ Artista Visual. Nace en 1966. Vive y trabaja en Santiago de Chile. Trabaja en pintura (óleo sobre tela y papel, acuarela) y en fotografía. Ha expuesto individual y colectivamente en destacados espacios culturales tanto de Chile como del extranjero. Sus obras forman parte de las colecciones permanentes del Museo Nacional de Bellas Artes, el Museo de Arte Contemporáneo y el Museo de Artes Visuales. Realiza además docencia de Dibujo en universidades UDP y UNAB.

 

 

HOW TO DISAPPEAR COMPLETELY

BY NATALIA BABAROVIC

NOV – DIC 2013

This is an exhibition of paintings in several formats, mainly scenes and portraits that represent the work of Natalia Babarovic the last 3 years.

In relation to her previous work, they propose a new pictorial solution for the “realism”, in the color and procedure.

There is another register that included in her image files. The current paintings have been created from performance photographs taken in the United States in the 60´s, found by the artist in a magazine of that time.

Pieces of work of Claes Oldenburg and Alan Kaprow, among others. There is a new model that added to the performance register, screen shots to web videos, where the artist has based her last works. With this screen shots, the artist is able to choose one particular moments of a scene and then she has access to a huge amount of unsuspected images.

The Artist

Natalia Babarovic / Visual Artist, she was born in 1966. She lives and works in Santiago de Chile.

She works in paintings, (oil painting over fabric and paper, water color) and photography. She has exhibited individually and collectively in renowned cultural spaces in Chile and abroad. Her pieces of work are part of the permanent collection of National museum of Fine Arts, Contemporary Art Museum and Museum of Visual Arts. She is also a teacher a drawing teacher in UDP and UNAB universities.

 

LABORATORIO ROJO

Exposiciones

DE MARIO NAVARRO

OCT – DIC 2013

El proyecto se basa en la biografía del cantante, actor y activista norteamericano Dean Reed (1938-1986), quien luego de una secundaria carrera en EEUU viaja a Chile (1960), donde se asienta y logra un éxito importante, primero con temas cercanos al repertorio de la Nueva Ola y luego, a fines de los años sesenta con una estrecha relación y admiración por la Nueva Canción Chilena y en especial por Víctor Jara. Paralelamente, durante varias visitas a Argentina y Uruguay estrecha lazos con el mundo político socialista.

Reed protagoniza una serie de películas de géneros tan diversos como Spaguetti Western, románticas y musicales. Luego, en 1972 viaja a la RDA y la URSS donde se transforma en un fenómeno musical que mezcla el proselitismo político antinorteamericano con “covers” de Elvis Presley, Paul Anka y The Beatles. Su carrera se ve truncada sorpresivamente cuando es encontrado ahogado en un lago cercano a Berlín en 1986.

El interés de Mario Navarro en figuras como Dean Reed se emparenta con las obras que ha realizado sobre el científico inglés Stafford Beer(Bienal de Liverpool y Bienal de Sao Paulo en 2006), el músico chileno Álvaro Peña o el pintor Hugo Cárdenas . Todos ellos representan los anhelos y utopías de la tardía modernidad latinoamericana y muestran en sus historias trazas de nostalgia, melancolía y decepción por los procesos sociales y políticos en los que han vivido.

La historia de Dean Reed es valiosa por sí sola, sin embargo, el valor de la exposición radica en que los vaivenes de su carrera son equivalentes a los desplazamientos que el arte hace habitualmente. De esta forma, las imágenes, sonidos, archivos de fanáticos, discusiones y transmisiones sobre Dean, junto a obras realizadas con anterioridad a este proyecto permiten ilustrar un método de trabajo que se articula desde las obras, que propone lo que podría llamar “pensamiento a través de lo visual”.

 

Este tipo de reflexión es la que ha sido una constante preocupación en la producción artística de Mario Navarro y que está representada por la flexibilidad, la elasticidad y la oscilación permanente en relación a temas como la memoria, la historia política y social reciente de Chile y América Latina.

El artista.

Nace en 1970, en Santiago. Vive y trabaja en Santiago de Chile. Licenciado en Arte de la Escuela de Arte de la Pontifica Universidad Católica de Chile. Entre 1993 y 1994 realizó una pasantía en la Unite de Formation et de Recherche Arts Plastiques, Université Paris I, Pantheón Sorbonne, París, Francia. Desde 1999 es profesor de la Escuela de Arte de la Pontificia Universidad Católica de Chile. Durante 2009 y 20010 participa como profesor invitado en HISK Higher Institute for
Fine Arts en Ghent, Bélgica. Ha expuesto individual y colectivamente en destacados espacios culturales tanto de Chile como del extranjero. Como curador ha organizado los proyectos: (1999) Doméstico Museo de Arte Contemporáneo de Valdivia, Chile; (2005) Transformer, Centro Cultural Matucana 100, Santiago de Chile y (2007) Daniel Lopez Show, White Box y Roebling Hall Gallery, New York, Estados Unidos. Recientemente fue curador adjunto de la VII Bienal de Mercosur 2009, Porto Alegre, Brasil.

 

 

RED LABORATORY

BY MARIO NAVARRO

OCT – DIC 2013

This Project is based in the biography of the singer, North American actor and activist Dean Reed. (1938-1986) Who after a second major in the United States traveled to Chile in 1960, settled down and achieved an important success. First with issues related to New Wave music and then in the end of the 60´ with a strength relationship and admiration for the New Chilean Song and specially for Victor Jara. At the same time, he maintained closed links with socialism during several visits to Argentina and Uruguay.

Reed was star in a series of movies of diverse genres such as: Spaguetti Western, romantic and musical. After, in 1972 he traveled to the GDR and USSR where he transformed in a musical phenomenon that mixed the anti-American political proselytis with “covers” of Elvis Presley, Paul Anka and The Beatles. His career was interrupted at the moment he was found drowned in a lake near to Berlin in 1986.

The interest of Mario Navarro in figures as Dean Reed linked the pieces of work he has made about the English scientist Stafford Beer (Liverpool and Sao Paulo Biennial in 2006), the Chilean musician Alvaro Peña or the painter Hugo Cardenas. All of them represent the desire and the utopias of the Latin American late modernity and show in their stories signs of nostalgia, melancholy and deception for the social and politic processes where they have lived.

The story of Dean Reed is valuable but the value of the exposition consists in that the fluctuations of his career are equivalent to the movement that art does regularly. In this way, the images, the sounds, fanatic files, discussions and transmission from Dean, with the pieces of work made before to this project permit a work method that articulates from the works, that propose what he could call “thoughts through visual”.

This type of reflection is what has been a constant worry for the artistic production of Mario Navarro and which is represented by flexibility, elasticity and permanent oscillation in relation to issues like memory and recent politic and social history of Chile and Latin America.

The artist

He was born in Santiago in 1970, he lives and Works in Santiago. Bachellor of Arts at Pontifica Universidad Católica de Chile University. Between 1993 and 1994 he made an internship at Unite de Formation et de Recherche Arts Plastiques, Université Paris I, Pantheón Sorbonne, París, France. Since 1999 he is a teacher at the school of arts of Pontificia Universidad Católica de Chile University. During 2009 and 2010 he participated as an invited teacher at HISK Higher Institute for
Fine Arts in Ghent, Belgium. He has exhibited individually and collectively in noted cultural spaces in Chile and abroad. He has organized as a curator projects such as: (1999) Doméstico, Museum of Contemporary Art of Valdivia, Chile; (2005) Transformer, Matucana 100 Cultural Center, Santiago de Chile and (2007) Daniel Lopez Show, White Box y Roebling Hall Gallery, New York, United States. Recently que was the curator of the VII Biennial of Mercosur 2009, Porto Alegre, Brazil.

 

LOVE AND SPACE

Exposiciones

DE MAGDALENA ATRIA

AGO – OCT 2013

La muestra reúne un conjunto amplio y variado de trabajos realizados, en su mayoría, para la ocasión y que tienen que ver con la recolección de aquellas imágenes, objetos y materiales provenientes del entorno cultural y social, que la artista asocia con la expresión de anhelos colectivos que se manifiestan de maneras diversas en distintos ámbitos. Entre estos están objetos como volantines y piedras; imágenes como pájaros en vuelo, futbolistas y formas geométricas ideales; y materiales como totora y plasticina.

Según las palabras de la artista, “el conjunto de obras, desde diferentes medios y materialidades, hablan de las múltiples y variadas formas como se entrelazan –en el arte y en la vida- las dimensiones de lo ideal y lo real. Las obras remiten al ámbito de los anhelos y los sueños, individuales y colectivos, etéreos y concretos, expresados –por ejemplo- en el infinito y ubicuo torrente de canciones populares sonando cada día en miles de radios”. No es casualidad, por tanto, que el título de la muestra, extraído de la letra de una canción popular, reúna dos modos de experiencia que en el arte suelen estar separados: lo emocional y lo formal. Al mismo tiempo hace presente, como lo hacen también las obras en exhibición, la forma en que lo existencial y lo banal se conjugan en el imaginario popular.

“Desde hace varios años he desarrollado un trabajo visual en el que intento conectar el ámbito de lo ideal, de lo anhelado y de lo incorpóreo -expresado en la forma abstracta, muchas veces geométrica- con la dimensión vivencial y existencial de la cotidianeidad, con sus accidentes y su realidad concreta” señala Magdalena Atria al referirse al eje transversal que atraviesa las obras de “Love and Space”. En ella, materiales y colores se ponen al servicio de la llamada doble condición de lo creado: objetos e imágenes contingentes e ideales.

La artista.

Nació en 1967 en Santiago, Chile. Estudió licenciatura en Artes Plásticas y licenciatura en Estética en la Pontificia Universidad Católica de Chile, luego se perfeccionó en Estados Unidos, donde obtuvo el grado de Master of Fine Arts por la Parsons School of Design de Nueva York. Su inicio en la pintura se da en la década de los ochenta donde ya predominaba en su obra una amplia gama de colores en cuadros de gran tamaño, bajo la temática de objetos de la vida cotidiana. Luego, en los noventa, la atención se va hacia las expresiones espontáneas, hacia la figura humana como expresión formal. Actualmente, continúa la búsqueda de nuevos lenguajes experimentando, ahora, con nuevos e inusuales materiales como la plasticina o la totora. Ha participado en varias exposiciones individuales y colectivas durante su carrera, entre ellas las muestras Ahora Todo es Peor en Galería Moro (2008), Sin Miedo Ni Esperanza en el Museo Regional de Ancud (2004), Huellas: Orlando Avendaño, Francisco Copello, Magdalena Atria y Fernando Estibill, Configuraciones Improbables y Tensión Superficial en el Museo de Arte Contemporáneo de Santiago (1997, 2002 y 2003 respectivamente), Del otro lado, Arte Contemporáneo de Mujeres en Chile en el Centro Cultural Palacio de La Moneda (2006), Poetics of the Hand Made en The Museum of Contemporary Art de Los Ángeles (2007), Patios de Quito en el Museo Casa Sucre de Quito (2010) y Sonriendo desesperadamente en la Saatchi Gallery de Londres (2010), entre otras exposiciones en Chile, Brasil, Europa y Estados Unidos.

 

 

LOVE AND SPACE

BY MAGDALENA ATRIA

AGO – OCT 2013

The exhibition gathers large and varied Works; most of them for the occasion and are related with the recollection of the images, objects and materials that come from the cultural and social environment that the artist associates with the expression of collective desires that manifests in diverse ways in different fields. There objects like kites and stones; images of birds flying, soccer players and ideal geometric shapes and materials like plasticine and cattail.

According to the words of the artist, “the combination of the pieces of work, from different medias and natures, talk about multiple and varied ways that they intertwine, in art and life, the dimensions of what is ideal and what is real. The pieces of work take you to the field of desires and dreams, individual and collective, ethereal and specific, expressed for example in the infinite and ubiquitous torrent of popular songs playing every day on thousands of radios.” It is not a coincidence that the title of the exhibition extracted from the lyrics of a popular song gathers two ways of experience in art that generally are separated: emotional and formal. At the same time, as the pieces of work in the exhibition, the way in which the existential and the banal are conjugated in the popular imaginary. “For many years I have been developing a visual work where I try to connect the ideal field with the desired field, expressed in an abstract way, geometric most of the time with existential and experiential daily routine with its accidents and its set reality” said Magdalena Atria…/ Referring to the transversal axis that crosses the works of “Love and Space”. In it, materials and colors are placed at the service of the so-called double condition of the created: contingent and ideal objects and images.

The Artist

She was born in Santiago, Chile. Studied Bachellor of Fine Arts and Bachellor in esthetics at Pontificia Universidad Catolica of Chile, after she perfected in the United States, where she got the Master’s degree on Fine Arts at the Parsons School of Design in New York. She started painting in the 80´ where you could already see all the range of colors in big paintings of object in daily life. In the 90´, she started painting human figures as a formal expression. Currently, she continues trying to find unusual materials such as plasticine and cattail. She has participated in varied individual and collective exhibitions during her career, among them exhibitions called Ahora Todo es Peor/ Now everything is worse in Moro gallery (2008), Sin Miedo Ni Esperanza/ Without fear nor hope at the Ancud Regional museum (2004), Huellas/ Footprints: Orlando Avendaño, Francisco Copello, Magdalena Atria y Fernando Estibill, Configuraciones Improbables/ Unlikely Settings and Tensión Superficial/ Superficial Tension at The Contemporary Art Museum of (Santiago 1997, 2002 and 2003 respectively), Del otro lado/ From the other side, Contemporary Art of Women in Chile at the Cultural Center Palace of La Moneda (2006), Poetics of the Hand Made at The Museum of Contemporary Art in Los Angeles (2007), Patios of Quito at the Casa Sucre Museum of Quito (2010) and Smiling desperately at the Saatchi Gallery in London (2010)among other exhibition in Chile, Brazil, Europe and United States.

 

WOLFGANG TILLMANS

Exposiciones
JUL – OCT 2013

Esta es la primera gran exposición de la obra del artista que se presenta en Santiago. A lo largo de su prolífica carrera, Tillmans ha redefinido la imagen fotográfica y las formas en que se presenta. En esta muestra, que el artista concibió originalmente para la Serpentine Gallery de Londres, explora las complejidades de la creación contemporánea de la imagen y de la instalación en las exposiciones con un lenguaje pictográfico único. Tillmans es un reconocido fotógrafo aunque, en muchos sentidos, éste es sólo el comienzo de su arte. De hecho, en la última década, ha hecho un importante conjunto de obras abstractas que “no se hicieron con la cámara “, pero siguen estando directamente relacionadas en el proceso de la fotografía ya que Tillmans activa y trabaja con la imagen fotográfica en todos los niveles imaginables: como consumidor, productor y editor de imágenes, como coordinador financiero, curador, instalador, y también como su mecánico, anatomista, político, escultor, técnico, conocedor y filósofo-científico. Él es, pues, el creador y director de una enciclopedia de imágenes, donde examina todos los aspectos de su forma, en términos de medio y objeto. Ajeno a cualquier tema o estilo definitivo, Tillmans crea instalaciones con impresiones-en su mayoría sin marcos- de todos los tamaños adheridas a la pared con cinta o suspendidas con clips como en un diseño de revista. Las instalaciones pueden ser lineales o expansivas del piso al techo. Su enfoque experimental le ha permitido moverse con fluidez, combinando temas y técnicas con innovadoras estrategias de exhibición para cambiar la forma en que se crean, presentan y observan las imágenes fotográficas. Cada exposición es una renegociación y un reordenamiento del material, las ideas y los temas, y una investigación sobre la política de la exposición y la creación de imágenes-todo ejecutado dentro de un conjunto claramente definido de parámetros de exhibición y de sencillez de medios.

 

Esta exposición ha sido iniciada y organizada por la Serpentine Gallery Londres junto al Estudio Tillmans y el Museo de Artes Visuales.

El artista.

Nació en 1968 en Remscheid, Alemania y estudió en el Colegio de Arte y Diseño Bournemouth & Poole. Es considerado como uno de los artistas más influyentes de su generación, ganador del Turner Prize el año 2000. Su obra, a la vez que capta la inmediatez del momento y del carácter del tema, también examina la dinámica de la representación fotográfica. Desdeñó desde el principio la división tradicional del arte exhibido en una galería de las imágenes e ideas transmitidas a través de otras formas de publicación, dando un peso equivalente a ambas vertientes. Sus grandes instalaciones del suelo al techo muestran imágenes de subculturas y movimientos políticos, así como retratos, paisajes, naturalezas muertas e imaginería abstracta cuyas dimensiones oscilan entre el tamaño de una postal al de un mural. Su obra se exhibe en los más destacados espacios, destacando la Tate Britain, Londres, con una importante retrospectiva en 2003.

 

 

WOLFGANG TILLMANS

JUL – OCT 2013

This is the first big exhibition of the piece of work made by the artist and presented in Santiago. Through his prolific carrier, Tillmans has redefined the photographic image and the forms they are presented in. In this showing, the artist originally came up with it for la Serpentine Gallery in London. He explores a unique complex pictographic language. Tillmans is a recognized photographer, perhaps this is only the star of his art. In fact, in the last decade he has done important abstract pieces of work “that were not done with a camera”, but are still related in the process of photographs because Tillmans activates and works with the photographic image in all the imaginable levels: consumer, producer, image editor, financial coordinator, curator, installer and also as a mechanic, anatomist, politic, sculptor, technician and scientific – philosopher.

He is the creator and director of the image encyclopedia, where he examines all the aspects of his way of making things. His has not a definite style or theme, Tillmans creates installations with impressions almost all of them without a frame and in all sizes, stack on the wall with tape or hanged with clips as in a magazine design. The installations can be linear or expansive from the floor to the ceiling. His experimental focus has permitted him move with fluency, combining themes and techniques with innovating strategies of exhibition to change the way the photographic images are created, presented and observed. Every exhibition is a renegotiation and a rearrangement of the material, ideas and themes, and an investigation about the exhibition politics and the creation of images. all this done in a set of defined perimeters and simplicity media. This exhibition has been initiates and organized by the Serpentine Gallery in London, Tillmans studio and Museum of Visual Arts (MAVI).

The artist

He was born in 1968 in Remschield, German. He studied in the school of art and design Bournemouth & Poole. He is considered one of the most influential artists of his generation, winner of the Turner Prize in 2000. His piece of work captures the moment and the character of the theme, also examines the dynamic of the photographic representation. He always disdained the traditional division of the art exhibited in a gallery of images and ideas transmitted through other publications giving an equivalent weight to both gradients.

His big installations from the floor to the ceiling show images of subculture and politic movements, also portraits, landscapes, still life and abstract imaginary which dimensions oscillate from the size of a postcard to a mural. His piece of work is exhibited in the most distinguished spaces such as Tate Britain in London with a big retrospective in 2003.

 

EL SILENCIO

Exposiciones

DE NORMA RAMÍREZ

MAY – JUN 2013

La artista ha trabajado sus obras en materiales como la arcilla, madera, cerámica y bronce, dentro de instalaciones que simulan altares y en las que recrea atmósferas de sacralidad por medio de diversos elementos no tradicionales como bolsas con agua, sangre, cera de abejas, vidrio, piedra, cuerdas, esmaltes, plumas, piel de serpiente y pelo humano. “El Silencio” quiere ir más allá del lenguaje, el sonido y la forma. Esta palabra tiene una gran fuerza de evocación, incluso contradictoria, de opuestos. Toda obra está conectada con el silencio, tanto el autor, como la obra y finalmente el público. La artista plantea que su obra debe convertirse “en una fisura en la vida normal del público, el que al ingresar en este espacio pueda vislumbrar un modelo distinto de pensamiento”. La escultora además afirma que “busca que el cuerpo de la obra le exija al espectador reparar en el propio, en los sonidos y silencios corporales, mentales y sociales; en sus propios recorridos circulatorios, nerviosos, respiratorios”.

 

La artista

Nació en 1964 en Concepción, Chile. Estudió Licenciatura en Artes Plásticas con mención Escultura en la Universidad de Chile entre 1983 y 1989. Realizó un Postgrado en Artes Visuales en la Universidad Nacional Autónoma de México entre los años 1991 y 1993. Escultora de gran trayectoria en nuestro país, sus trabajos han sido expuestos en México y Alemania, obtuvo el premio de la fundación francesa Genio de la Bastilla, entre otros. Entre sus exposiciones individuales destacan “El vuelo excede el ala” y “Más allá de tu mirada” (Universidad Autónoma de Chapingo Texcoco, México, 1990),” La oquedad del tacto” (Galería Fundación amigos del arte, 1994), “Profano-sagrado” (MAC, 1997), “Cuerpo” (Galería Artespacio, 1999),” Carne” (Galería Amigos del Arte, 2000), Samsa (Centro de Extensión UC, 2001), Hembra (MAVI, 2004), “Huella” (Galería BrigitteBailer, Dortmund, Alemania, 2005), “Trawa” (MAC, 2008),“Trawa”(PreußenMuseum NRW Wesel , Alemania, 2012) , “Mon” (Galerie G – l’artauGarage, París, Francia, 2012) entre otras. Recientemente formó parte de la Quinta Muestra de Arte Iberoamericano del Programa de Residencias Artísticas para Creadores de Iberoamérica del FONCA, CONACULTA México.

 

 

THE SILENCE

BY NORMA RAMÍREZ

MAY – JUN 2013

The artist has worked in her pieces of work with materials such as: clay, wood, ceramic and bronze in installations that simulate altars and where a sacredness atmospheres is recreated through diverse nontraditional elements such as: bags with water, blood, bees wax, glass, stones, ropes, glaze, feathers, snake skin and human hair. “El Silencio”/”The Silence”, wants to go further than language, sound and form. This word has a big force of evocation, even contradictory of opposites. All pieces of work are connected with silence, the author, the piece of work and finally the audience. The artist wants her piece of work to transform in a fissure in the normal life of the audience, and in the moment they enter they can see a different model of thinking.” She also states that “I seek that the body of the work requires the viewer to repair their own, in the sounds and silences of the body, mind and social; In their own circulatory, nervous and respiratory tracts “.

The artist

She was born in 1964, in the city of Concepcion, Chile. She studied bachelor of fine arts in sculpture at Universidad de Chile University between 1983 and 1989. She studied a master on visual arts at Universidad Autonóma University of Mexico between 1991 and 1993. Sculptor with a great trajectory in our country, her work has been exhibited in Mexico and Germany, she got the award of the French foundation Genio de Bastilla, among others. Among her individual expositions there are some that stand out such as: “El vuelo excede el ala” and “Más allá de tu mirada” (Universidad Autónoma de Chapingo Texcoco University, México, 1990),” La oquedad del tacto” (Galería Fundación amigos del arte Gallery, 1994), “Profano-sagrado” (MAC, 1997), “Cuerpo” (Galería Artespacio Gallery, 1999),” Carne” (Galería Amigos del Arte Gallery, 2000), Samsa (Centro de Extensión UC, 2001), Hembra (MAVI, 2004), “Huella” (Galería BrigitteBailer Gallery, Dortmund, Alemania, 2005), “Trawa” (MAC, 2008), “Trawa”(PreußenMuseum NRW Wesel , Alemania, 2012), “Mon” (Galerie G – l’artauGarage, París, Francia, 2012) among others. Recently, she was part of the fifth exhibition of the Ibero-American program of artistic residence for creators of Ibero-America of (FONCA), CONACULTA, MEXICO.

 

RETORNO

Exposiciones

DE RAIMUNDO EDWARDS

MAR – ABR 2013

Este proyecto se estructura en torno a un circuito de recorridos que realizó el artista desde el mes de enero del 2013 en la ciudad de Santiago, y que se extiende a la ciudad de Buenos Aires, en un viaje por tierra y posteriormente en trayectos al interior de esa ciudad, producto de una residencia (RIPAC) de 10 días en el mes de febrero. Ese material de registro en video y sistema GPS genera un banco de información tanto visual como estadístico que en conjunto con las acciones de recolección in situ, son utilizadas como eje principal de la investigación. La muestra se compone de diversos materiales: objetos orgánicos e industriales, pinturas, videos e imágenes digitales, que estarán articulados en relación a la arquitectura de la sala del museo. Retorno toma prestado su nombre de la señalética vial que indica el camino de regreso desde o hacia un lugar específico, una especie de atajo que por su naturaleza no asegura un final sino únicamente un regreso.

 

Esta exposición forma parte del premio obtenido por el artista en la 6ª versión del Concurso Arte Joven 2011.

 

 

RETURN

BY RAIMUNDO EDWARDS

MAR – ABR 2013

This project is arranged around a circuit of tours that the artist did in January of 2013 in the city of Santiago, it extends to the city of Buenos Aires in an overland trip and in routes inside the city after because of a 10 day residence (RIPAC) in February. This registered material in video and GPS system generates a visual and statistic information bank that together with the actions of the in situ recollection are used as a main concept in the investigation. This exhibition is made of diverse materials: organic and industrial objects, paint, videos and digital images that will be articulated in relation with the architecture of the room at the museum. The name “Retorno”/”RETURN” was taken from the traffic sign that indicates the way back from or to a specific place, sort of a shortcut that doesn’t assure an end but only a return.

This exposition if part of an award receives by the artist in the 6th version of Young Art contest 2011.

 

JARDÍN INTERIOR SECO

Exposiciones

DE MARTIN LA ROCHE

MAR – ABR 2013

El proyecto consiste (como su nombre lo dice) en poner un jardín al interior del museo. El montaje contiene variados objetos y esculturas, que basan su organización en la estructura simple de un jardín zen. En él hay mares e islas, y puentes entre ellos. Por otro lado, el adjetivo seco se refiere a la condición de los objetos y al hecho de no existir plantas. Los materiales que utiliza el artista son de uso son cotidiano, propios de la construcción de maquetas, encontrados en caminatas diarias o desechos de los quehaceres del hogar, además de cerámica torneada. Algunos son elaborados por él, otros simplemente recolectados. Juntos conforman este espacio que ocupa el centro de la sala. Es una reinterpretación íntima, amateur y frágil de lo que podría ser un jardín japonés en Santiago, acompañando al museo (así como los jardines históricos acompañaban a los templos).

Esta exposición forma parte del premio obtenido por el artista en la 6ª versión del Concurso Arte Joven 2011.

 

Artista : Martin la Roche
Fecha: 15 Mar – 28 Abr  2013

 

DRY INTERIOR GARDEN

BY MARTIN LA ROCHE

MAR – ABR 2013

The Project consists on putting a garden inside the museum. The montage contains several objects and sculptures which organization is based in a simple structure of a Zen garden. The garden contains seas and island and bridges between them. Additionally, the adjective dry refers to the condition of objects and the fact that there are no plants. The artist uses materials of daily use, for the construction of models, found in daily walks or wastes of a house plus toned ceramic. Some of them are elaborated by the artist and other recollected. All the materials make up the space that occupies the center of the room. It is an intimate, amateur and fragile reinterpretation of what a Japanese garden could be in Santiago, accompanying the museum (as historic gardens accompanied the temples.)

This exhibition forms part of the award obtained by the artist in the 6th version of Young Art Contest 2011.