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“Océano en Verde (nr. de serie 3/6)” (2020) d

“Océano en Verde (nr. de serie 3/6)” (2020) de Macarena Ruiz Tagle. Escultura (en la pared), acero y pintura industrial, 90 cm de diámetro x 10 cm de altura.

La obra hace alusión a la luz reflejada en el Océano Pacífico a la hora del atardecer y sus variaciones de colores según cada estación del año. La escultura tornasol se comporta como un prisma que reflejando la luz en tonos verde, azul, morado, naranja, rojo y dorado.

Macarena Ruiz Tagle - @macarena_ruiz_tagle en instagram - es una de las 21 artistas que participan en la exposición "La Deriva del Gesto y la Forma". Actualmente hay un adelanto de la muestra en mavi.cl y se proyecta como exhibición presencial durante 2021 en el Museo de Artes Visuales.

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🌐 El Museo de Artes Visuales - @mavichile - abre sus puertas virtuales para mostrar obras de la #ColecciónMAVI

#LilyGarafulic
“Cúpula cósmica” (1970)
Bronce, 38 x 20 x 20 cm

Lily Garafulic (1914-2012) es una de las escultoras más destacadas de la escena nacional junto a Marta Colvin y Rebeca Matte, las que forman parte de la llamada Generación del 40. Estudió en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Chile y posteriormente viajó a Europa donde conoció a Constantin Brancusi de quién recibió una especial influencia. Gracias a una Beca Guggenheim se radicó un tiempo en Nueva York atendiendo a clases en la New York School for Social Research. Sus múltiples viajes la influenciaron de diversas formas, destacando el periodo que pasó en Italia e Isla de Pascua.

Comenzando sus exploraciones en bronce, donde las formas humanas son el instrumento de su expresión, Garafulic va experimentando entre figuración y abstracción a lo largo de su trayectoria, pasando de materiales nobles a maderas carcomidas incrustadas con virutas de metal, soldaduras y pernos, arcilla y sustancias sintéticas, ejerciendo, de este modo, toda una innovación para la época, y acercándose al lenguaje de la escultura moderna. Su predilección por el mármol blanco emerge en los años 70, trabajando los volúmenes de forma simple y depurada, puliendo las superficies.

La obra de Garafulic, más que definirse con una temática, pone el énfasis en la autonomía de los medios y se concentra en la exploración de las formas, lo que se refleja en las características especiales del juego con los volúmenes que logra por el contraste entre las superficies curvas y rectas. Entre 1973-1977 se desempeñó como Directora del Museo Nacional de Bellas Artes y obtuvo el Premio Nacional de Arte en 1995.

#ColecciónMAVI en www.mavi.cl/coleccion
Investigación y textos: Carolina Castro - @caroinc - y Carol Illanes - @carolillanes -.
Edición: @ladosurgc

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#MarioCarreño
“Los computadores de la noche” (1972)
Serigrafía, 72 x 107 cm

Mario Carreño (1913- 1999) nació en Cuba dónde se inició como artista estudiando en la Academia de San Alejandro en la Habana para luego trasladarse a Madrid y continuar sus estudios en la Academia de San Fernando. El estallido de la Guerra Civil lo obligó a terminar sus estudios en México siendo atraído e influenciado por el muralismo. Vivió casi 10 años en Nueva York, donde ejerció como profesor de la New School for Social Research y expuso en instituciones como el MoMA. Su relación con Chile comenzó gracias a su amistad con Pablo Neruda, radicándose en nuestro país a fines de los años 50.

La obra de Carreño instala un universo latinoamericanista. Supo integrar influencias venidas de diferentes lugares en obras donde es posible observar a un artista preciso, de gran oficio técnico y evidentes referencias clásicas, que reflejan su admiración por la pintura de la Escuela Italiana del Renacimiento. Si bien durante cierto periodo se fascinó por la abstracción más pura y el arte geométrico, la que incorporó a su obra, su compromiso con los conflictos sociales y políticos que amenazan la paz mundial, le hicieron sentir que la abstracción era insuficiente para representar su preocupación por el destino del hombre contemporáneo, por lo que vuelve a la figuración.

Obras como “Los computadores de la noche” incorporan tanto elementos de la geometría y la abstracción, como de la figuración y forma parte de un periodo en que su trabajo se ve especialmente influenciado por el paisaje chileno y por las mujeres de los mascarones de proa de la colección de Neruda.

Recibió el Premio Nacional de Arte en 1982.

#ColecciónMAVI en www.mavi.cl/coleccion
Investigación y textos: Carolina Castro - @caroinc - y Carol Illanes - @carolillanes -.
Edición: @ladosurgc

Posted @withregram • @fundacionactual • El miércoles 12 de agosto a las 17:00 horas, la Fundación Actual realizará un encuentro virtual para dar a conocer en detalle las bases de la segunda versión de la Beca Fundación Actual Mavi y responder las dudas de los y las postulantes.

Si quieres participar, inscríbete en becaactualmavi@fundacionactual.org (indicando nombre, apellido, email de contacto) y desde la Fundación Actual te mandarán las coordenadas para conectarte.

📌Recuerda que las postulaciones están abiertas hasta el 14 de septiembre en www.becaactualmavi.cl

#impulsandoartistas #beca #becasdearte #artistachilenos #artistaschilenas #artevisuales #oportunidad #artecontemporáneochileno #artecontemporáneo

“Comprender el origen de la pintura ha sido una

“Comprender el origen de la pintura ha sido una de mis fascinaciones desde los lejanos días en que decidí dedicar mis esfuerzos a esta práctica. En agosto de 2018, momentos antes de la inauguración de la exposición “La Deriva del Gesto y la Forma” en el Parque Cultural de Valparaíso, me encontré con esta escena originaria (foto principal), la que en cierto sentido ofrece ante la mirada del transeúnte distraído un posible origen a este oficio, de práctica diaria y observación atenta”.

Carlos Navarrete
Artista y co-curador de la exposición "La Deriva del Gesto y la Forma". Actualmente hay un adelanto de la muestra en mavi.cl y se proyecta como exhibición presencial durante 2021 en el Museo de Artes Visuales.

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#RobertoMatta
“Être cible” (1960)
Óleo sobre tela, 200 x 300 cm

Roberto Matta (1911-2002) es considerado uno de los grandes surrealistas, reconocido en todo el mundo. Durante los más de setenta años de incansable dedicación al arte, Matta fue explorando en diferentes materias. A finales de los años 30 realiza sus primeras pinturas al óleo, medio que será el más característico de su producción, así como será distintiva la utilización de grandes formatos. Para la creación de sus obras iniciales utilizó como proceso creativo el automatismo psíquico surrealista, buscando traer a la luz las visiones más recónditas de la mente.

En la década del 50, coincidiendo con su alejamiento del surrealismo, Matta comienza a desarrollar una estética personal que ya no se acercará a ninguna otra tendencia artística contemporánea. Esto coincide, por un lado, con la aparición de elementos figurativos en sus pinturas y, por otro, con la intensificación de su conciencia política. Lo anterior implicará que en sus trabajos aparezcan referencias a la coyuntura histórica, con símbolos alusivos a la guerra y a diferentes luchas de liberación mundiales. Desde los años 70 se hace cada vez más frecuente la presencia en sus imágenes de figuras antropomórficas, así como la introducción de contenidos eróticos y lúdicos.

Su pintura “Etre cible” muestra un paisaje cósmico dominado por una máquina fantástica que recuerda mucho a Duchamp. Las imágenes y el título de la pintura insinúan la paranoia y el miedo asociados a la era atómica, exacerbada por la Guerra Fría y la Carrera espacial. Matta desarrolló trabajo gráfico y obra escultórica que también forman parte de la Colección MAVI.

En 1990 recibió el Premio Nacional de Arte.

#ColecciónMAVI en www.mavi.cl/coleccion
Investigación y textos: Carolina Castro - @caroinc - y Carol Illanes - @carolillanes -.
Edición: @ladosurgc

Exposición colectiva web "La Deriva del Gesto y l

Exposición colectiva web "La Deriva del Gesto y la Forma" en mavi.cl • Se proyecta como exposición presencial durante 2021.

"Esta serie de obras pertenece a la serie denominada Imago, termino que en sicología y sicoanálisis se usa como referencia a la imagen interna o mental idealizada de personas que se forma en la niñez. Uso este concepto como una forma de buscar crear imágenes que muestren por un lado el proceso mismo de su construcción y gatillen en el espectador diferentes significados, en referencia tanto a su materialidad como a sus representaciones”.

Francisco Morán

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#IsabelKlotz
“Solitude” (1995)
Pintura, técnica mixta sobre tela. 40 x 41 cm

Isabel Klotz (1962) estudió Licenciatura en Arte mención Pintura en la Universidad Católica de Chile, donde fue alumna de Eduardo Vilches. Su propuesta se desarrolló primeramente desde lo pictórico, aunque trabaja también técnicas mixtas, acuarelas, fotoserigrafías, serigrafías y cerámicas.

La estética de sus obras se asocia al expresionismo, en una línea que se focalizó en la figura humana y las gamas cromáticas, donde prima el simbolismo y la síntesis icónica. En su estilo se mantiene una referencia hacia lo místico, señales a una lectura del universo desde lo cíclico y el cosmos. “El arte es un lenguaje, por lo que el espectador no tiene que descifrar nada solo tiene de sentir y vivir la obra”, decía a comienzos del 2001.

Un aura panteísta que toca lo religioso es traído en su obra por medio de elementos universales y específicos, como el fuego, el agua, la tierra, la luz, la atmósfera; lo que hace posible percibir una dirección que toma su propuesta, el camino de la abstracción que ocasionalmente coquetea con lo conceptual.

Dichos elementos son también trasladados a instalaciones y objetos, cuando ingresa más profundamente también en otros soportes como el video y la fotografía. Avanzada su trayectoria, sus composiciones mantendrán una referencia a lo vital y los elementos naturales.

Su trabajo ha sido además expuesto en Chile, Estados Unidos, España, Italia y Alemania.

#ColecciónMAVI en www.mavi.cl/coleccion
Investigación y textos: Carolina Castro - @caroinc - y Carol Illanes - @carolillanes -.
Edición: @ladosurgc

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#FelipeMujica
“Nikkorex 35 y New Music Media n.2 in Tsumagol” (2011)
Fotografía, óleo sobre tela. 102 x 66,5 cm

Felipe Mujica (1974) es Licenciado en Artes con mención en Grabado de la Universidad Católica de Chile. Su trabajo contempla la instalación de paneles de tela, esculturas efímeras, dibujos y serigrafías. Su trabajo bebe de referencias vinculadas a la abstracción geométrica del modernismo europeo y latinoamericano, tanto en su código visual y la economía misma en la producción de imágenes, como en su referencia histórico-política. El constructivismo ruso, la Bauhaus, los movimientos concretos y neoconcretos, así como el Op art en América Latina, son los lenguajes visuales que interesa a su obra, huellas gráficas de aquel momento en el que la búsqueda por lo universal del hombre se reflejó en una vocación social del arte.

Entre sus piezas, se destaca la elaboración de paneles de tela que remiten precisamente a estas matrices de creación desde el rol de su funcionalidad: las telas son dibujos que ocupan el espacio además de organizarlo. Operan como cortinas o muros temporales, determinando no solo la percepción del espacio sino la propia relación de los cuerpos en él, su recorrido y asimilación. “Estas instalaciones son de igual forma un objeto de contemplación y un objeto funcional; se vuelven parte de la museografía y arquitectura flexible temporal”, nos dice sobre ellas. Estos trabajos abocados a pensar el espacio y la construcción de la imagen, elaborados con diversas materialidades, adquieren así un carácter híbrido que mezcla arquitectura, arte y diseño textil. Imágenes que buscan condensar las utopías del pasado.

#ColecciónMAVI en www.mavi.cl/coleccion
Investigación y textos: Carolina Castro - @caroinc - y Carol Illanes - @carolillanes -.
Edición: @ladosurgc

Exposición colectiva web "La Deriva del Gesto y

Exposición colectiva web "La Deriva del Gesto y la Forma" en mavi.cl • Se proyecta como exposición presencial durante 2021.

"Con una actitud lúdica y a través del uso de materiales que refieren a la vida cotidiana y lo artesanal, mis instalaciones y esculturas tratan sobre nuestra complicada relación con la naturaleza, sus tantos misterios inconclusos, el indescifrable idioma que ninfas, plantas y piedras comparten.

Elaboro instalaciones compuestas de pequeñas esculturas hechas a mano, material orgánico y otros objetos que dispongo de manera que el espectador se vea obligado a deambular de manera similar a la que deambularíamos por un bosque: nos cruzamos con una tela de araña, una ramita seca o las huellas de un zorro; escuchamos a nuestras espaldas sus risitas cómplices”.

Paulina Mellado
@paulinamellado

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#RodrigoCabezas @rodrigocabezasm
“Naturaleza Muerta” (1999)
Pintura, acrílico sobre tela. 150 x 150 cm

Rodrigo Cabezas (1961) es Licenciado en Arte de la Universidad Católica de Chile y Master en Estética y Teoría del Arte del Instituto de Estética y de Teoría de las Artes de la Universidad Autónoma de Madrid. Pertenece a la generación de los 80, influenciada por la transvanguardia.

Su obra opera en códigos visuales que remiten a la cotidianidad, imágenes del inconsciente colectivo, que van de lo comercial a lo religioso, son exaltadas en un estilo particular, caracterizado por la saturación cromática en colores chillones y la estética kitsch. Su obra se alimenta de lo popular y lo local, elementos cotidianos como las cajas de fósforos, productos de consumo diario, carteles de locomoción colectiva, son “sobreestetizados”, imágenes que tratará en diversos formatos bidimensionales. El lenguaje visual que toma la anécdota y la cotidianidad reelaborada estilísticamente, fue parte de la misión que desarrolló también con el colectivo Truffa+Cabezas, con la artista Bruna Truffa.

A la figuración, Cabezas incorporará luego elementos de técnicas pictóricas como el chorreado y procesos como las impresiones lenticulares digitales (donde explora las posibilidades del collage y el fotomontaje) volviendo en ambos su obra más abstracta. En este despliegue nunca pierde la referencia a la matriz de la pintura.

#ColecciónMAVI en www.mavi.cl/coleccion
Investigación y textos: Carolina Castro - @caroinc - y Carol Illanes - @carolillanes -.
Edición: @ladosurgc

Exposición colectiva web "La Deriva del Gesto y l

Exposición colectiva web "La Deriva del Gesto y la Forma" en mavi.cl • Se proyecta como exposición presencial durante 2021.

“Mi trabajo visual surge tras la inquietud de cómo están hechas las cosas. Cómo se comportan los materiales y cómo intervenir o darle un nuevo sentido a las distintas etapas del proceso de construcción de un volumen o imagen. Busco profundizar el conocimiento de las técnicas tradicionales de las Artes Visuales como también de las técnicas alternativas, para luego cambiar cánones o formas de su uso y llevarlas a nuevas posibilidades que traen consigo nuevos resultados. Es un trabajo de alquimia en donde busco nuevas cualidades y posibilidades de los materiales . La cera, la pintura, pigmentos y la cerámica gres son las materialidades principales con las cuales trabajo.

Mi trabajo se presenta como una serie de procesos materiales, una exploración técnica con resultados inesperados, los cuales aparecen a partir de aplicar procesos similares a diferentes elementos. Extremo al límite las propiedades de cada materialidad, trabajando prolijamente en relación a los comportamientos desconocidos, siendo estos los que definen el paso a seguir”.

Colomba Fontaine
@colombafontaine

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#EnriqueZañartu
“Tacto Secreto” (1974)
Pintura, óleo sobre tela. 89 x 116 cm

Enrique Zañartu (1921- 2000) vivió en Paris hasta mediados de los años 40, cuando se fue a Nueva York. Estudió grabado en el Taller 17 del británico Stanley William Hayter. Su obra se encuentra ligada a nuestro territorio, principalmente desde el paisaje local y regional, en la forma de motivos como la Cordillera de los Andes o Machu Pichu, que sirvieron de gran inspiración a su trabajo.

Dada la técnica en la que trabajó, ya sea en dibujo o pintura, fue visualmente muy riguroso y se caracterizó por los trazos fuertes y las texturas planas. Le interesó enfatizar en la relación que el hombre establece con el paisaje, la obra como producto de este vínculo. Así, sus obras aunque se bañan de un aparente surrealismo, que coquetea con la abstracción, fueron estilos con los que declaraba no reconocerse: prefería llamarse realista, en tanto trabajaba imágenes creadas en su mente.

Las escenas y personajes que dispone están cargados de cierto carácter sombrío, que remite a lo solitario y tenebroso. Las texturas y tonos terrosos y oscuros son característicos de su trabajo, y sus imágenes tienden a la síntesis y la simpleza, cuestión explicada por su interés de concentrarse en las formas, el color puro y la línea misma. La perspectiva permanece eliminada y los trazos parecen espontáneos y livianos sin caer en el gesto, es decir, altamente controlados. Aunque también fue muy valorado en nuestro país, Zañartu fue reconocido ampliamente en el escenario internacional, especialmente en Europa donde desarrolló el grueso de su obra.

Sus trabajos gráficos aparecen en publicaciones de autores como Pablo Neruda, Julio Cortázar y Octavio Paz.

#ColecciónMAVI en www.mavi.cl/coleccion
Investigación y textos: Carolina Castro - @caroinc - y Carol Illanes - @carolillanes -.
Edición: @ladosurgc

Exposición colectiva web "La Deriva del Gesto y l

Exposición colectiva web "La Deriva del Gesto y la Forma" en mavi.cl • Se proyecta como exposición presencial durante 2021.

"La investigación con el textil comenzó con la idea de trabajar con un material con el que pudiera imitar la pintura con la intención de ‘transformar’ un material en otro.

Siempre me ha interesado el tema del cuerpo como materia y su transformación: la materia viva, la que está en transición o la que ha muerto. La idea de piel, pelaje, órganos, lo que nos protege, lo que nos cubre. Por eso viene el interés de trabajar con ese material, textil”.

Josefina Concha
@josefinaconcha

Con el Primer Ciclo de Encuentros Colección MAVI,

Con el Primer Ciclo de Encuentros Colección MAVI, el Museo de Artes Visuales abre la exposición web "De la Pintura a la Instalación”.

Se trata de una selección de 155 artistas de la colección de arte del museo, cada uno/a presentado/a a través de una obra reseñada por las investigadoras Carolina Castro y Carol Illanes, quienes darán comienzo a este ciclo de encuentros que busca dar a conocer en profundidad la Colección MAVI.

Esta actividad online se realizará el jueves 6 de agosto a las 19:00 horas, vía zoom. Inscripción con cupos limitados en mavi.cl

Imagen: "Serie panes" (1991) de José Balmes y "Coreografía" (2011) de Johanna Unzueta. #colecciónmavi

@carolillanes @caroinc @culturas_cl

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#CarmenAldunate
“Fin de fiesta” (1991)
Óleo sobre tela. 105 x 130 cm

Carmen Aldunate (1940) es una artista chilena adscrita a la corriente neofigurativa latinoamericana, en específico a un estilo prerrenacentista perteneciente al género de la pintura, el dibujo y la ilustración.

La figura humana tiene un papel protagónico en su trabajo, la que cobra un carácter narrativo de gran contenido psicológico. Usa como elemento iconográfico a las mujeres y, más específicamente, sus rostros. Su obra tiene un marcado acento en busca de poner un mensaje feminista que denuncia con elegante sarcasmo y humor, la opresión y el sufrimiento psicológico del que por siglos, hemos sido víctimas las mujeres. Bajo un dibujo riguroso, éstas aparecen amarradas con paños, clavos y vendas, con amplios ropajes, túnicas y cofias que recuerdan el vestuario medieval, evocando el ideal de la belleza clásica, así como también una sensación de encierro y dolor. El empleo de una oscura armonía de colores acentúa el carácter conmovedor de estas imágenes.

Aldunate ha expuesto internacionalmente destacando su participación en la exposición colectiva de gráfica latinoamericana organizada por el Museo de Arte Moderno, MoMA, de Nueva York (1977), la Bienal de Sao Paulo (1973), la Bienal de Uruguay (1975) y la Bienal de Cali (1981).

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Investigación y textos: Carolina Castro - @caroinc - y Carol Illanes - @carolillanes -.
Edición: @ladosurgc

Detalle de “Cogollo de toronjil” (2018) de la

Detalle de “Cogollo de toronjil” (2018) de la artista Magdalena Atria. Plasticina, 200 x 700 cm

Exposición colectiva web "La Deriva del Gesto y la Forma" en mavi.cl • Se proyecta como exposición presencial durante 2021.

Posted @withregram • @fundacionactual Para postu

Posted @withregram • @fundacionactual Para postular a la Beca Fundación Actual MAVI hay que presentar un proyecto de exhibición individual inédito pensado para el @mavichile . La temática es libre y se admitirán únicamente proyectos expositivos con obras en formato bidimensional.

🔵 Se entienden por bidimensionales, obras realizadas con técnicas diversas, como pintura, ilustración, gráfica, fotografía, collages, textiles y otros, cuyas medidas sean expresadas en solo dos dimensiones: ancho y alto. Su profundidad no debe exceder los 10 cm.

➡️ Más información y bases en www.becaactualmavi.cl

#impulsandoartistas #medianacarrera #beca #artistasvisuales #artistaschilenos #artistaschilenas
#artecontemporaneo #fundacionactual #mavi #oportunidad

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#GuillermoNúñez
“Sin título”, de la serie “La Suite Des Bolsees” (1985)
Acrílico sobre tela. 130 x 97 cm

La obra de Guillermo Nuñez (1930) ha estado marcada por su visión de un mundo fragmentado por el dolor y la violencia humana, enmarcados por experiencias personales, problemas sociales, guerras y dictaduras, trasladando la realidad cotidiana a la pintura. También ha incursionado en la estética del objeto y en la presentación de éste como objeto de arte, así como en el grabado, técnica en la que ha realizado grandes tirajes, de hasta 2.000 ejemplares con una sola matriz, interviniendo cada uno con fotografías, textos, manchas de color, timbres y sobreimpresiones.

Núñez muestra una pintura que por sí sola y por sus propios medios naturales explora el imaginario artístico, separándose de la gestualidad concentrada del grabado, usando el empaste en las luces y un distinto grado de expresionismo al que el artista adscribe. Tonos oscuros, rojos, azules y luces violentas recuerdan la carga emotiva del temprano expresionismo alemán de entreguerras.

Lúdico y multifacético, en su permanente contacto dinámico con el arte, se ha desarrollado en distintos ámbitos de la creación que lo han llevado a crear estrategias de expresión muy diversas y ricas, como sus incursiones en la poesía, la instalación y el teatro, donde ha diseñado vestuarios y escenografías. Ha recibido el Premio Altazor a las Artes Nacionales en tres ocasiones y en 2007 recibió el Premio Nacional de Arte.

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#PatriciaIsrael
“Mujer” (1991)
Óleo sobre tela. 150,5 x 130,5 cm

Patricia Israel (1939-2011) fue pintora y grabadora de origen judío adscrita a la corriente del Neoexpresionismo. Entre los ejes temáticos de su trabajo están las diversas situaciones que simbolizan la relación del humano con el mundo, desarrollando temas específicos, como el del holocausto judío, pero que traspasado al ámbito del arte, representa dolores y horrores universales. Esa unión se presenta siempre bajo un pulcro tratamiento formal que permite vislumbrar al dibujo como soporte de su imaginario, utilizando tanto el color como la tela misma, como soporte de la composición.

Ese modus operandi, que ha sido la punta de lanza de su producción desde el inicio, le permitió en sus trabajos más recientes abordar con más fuerza temas americanistas. Partiendo su investigación en textos literarios, rescataba imágenes iconográficas como el conquistador y los dominados, representando la aún utópica liberación sudamericana.

Israel fue la primera mujer en ganar la Bienal Internacional de Arte de Valparaíso (1991) algo muy significativo para ella, ya que desde muy el comienzo de su carrera asumió y defendió su postura como mujer, chilena y latina en defensa de la injusticia de género como analogía del sufrimiento de los oprimidos. De ahí que su pintura “Mujer” del mismo año sea un homenaje a esta lucha.

Su obra ha sido exhibida internacionalmente destacando su participación en la Bienal de Venecia en 1974 y el Premio Altazor a las Artes Nacionales recibido el año después de su muerte.

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