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Consuelo Lewin y Carlos Navarrete están a cargo

Consuelo Lewin y Carlos Navarrete están a cargo de la curaduría de la exposición colectiva "LA DERIVA DEL GESTO Y LA FORMA", que se presenta en la web y redes sociales del Museo de Artes Visuales y se proyecta abierta al público del museo durante 2021.

Artistas: Jaime Alvarado, Magdalena Atria, Ciro Beltrán, Josefina Concha, Sofía Donovan, Colomba Fontaine, Rodrigo Galecio, Félix Lazo, Consuelo Lewin, Cristián Mono Lira, Paulina Mellado, Francisco Morán, Carlos Navarrete, Ricardo Pizarro, Ximena Rojas, Macarena Ruiz Tagle, Malu Stewart, Francisca Sutil, Valentina Valladares, Andrés Vio y Rodrigo Zamora.

Esta exposición se inaugura el miércoles 8 de julio de 2020 a las 20:00 horas, vía zoom. Inscripción con cupos limitados en este formulario: https://bit.ly/InauguraciónMAVI (link en bio de instagram).

Será exhibida desde ese momento mediante videos, imágenes y textos en mavi.cl, buscando acercar las propuestas de las y los 21 artistas, con el fin de entrar en contacto con el público.

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🌐 El Museo de Artes Visuales - @mavichile - abre sus puertas virtuales para mostrar obras de la #ColecciónMAVI

#MatíasVial
“La Cochera" (1978)
Escultura, bronce, 38 x 13 x 9 cm

Matías Vial (1931), escultor, fue alumno de notables artistas como Lily Garafulic y Nemesio Antúnez en su paso por las Universidades de Chile y Católica. Realizó estudios en España, donde profundizó sus conocimientos en escultura, y también en Estados Unidos, donde también entró en la orfebrería y la cerámica. Fue parte del grupo de escultores denominado la “generación del 50” junto a otros artistas como Sergio Castillo y Alfredo Portales.

Desarrolla sus piezas en bronce, piedra y madera mediante el proceso de la talla directa, trabajando las relaciones entre los volúmenes que generan formas. Estas tienden a lo abstracto y a lo vertical, tendencia que vemos reiterada. Las líneas delicadas y las texturas como huellas sobre los materiales son dos características muy propias de su trabajo. La textura en particular permite resaltar los volúmenes, incluso en las figuras abstractas trabajadas en el relieve.

Sus piezas, casi monolíticas, se muestran además influenciadas por uno de los temas que estudió, el arte precolombino y los pueblos amazónicos. El continente americano cumple un rol fundamental en su obra, sus viajes por América lo hicieron reconocer el valor visual en la geografía y la cultura de la región. Concentrándose en la figura humana, vierte este interés en lo que él llama una “tendencia barroca, popular y mestiza”.

#ColecciónMAVI en www.mavi.cl/coleccion
Investigación y textos: Carolina Castro - @caroinc - y Carol Illanes - @carolillanes -.
Edición: @ladosurgc

Posted @withregram • @fundacionactual 🔵 El

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🔵 El próximo lunes 6 se abre la convocatoria de la segunda versión de la Beca Fundación Actual MAVI. Revisa de qué se trata y empieza a preparar tu postulación.

Más información y bases en www.becaactualmavi.cl
Link en bio de @fundacionactual

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#impulsandoartistas #medianacarrera #beca #artistasvisuales #artistaschilenos #artistaschilenas #artecontemporaneo #fundacionactual #mavi #oportunidad

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#PatriciaVargas
“Sin título” (1981)
Técnica mixta sobre papel, 99 x 148 cm

En el trabajo Patricia Vargas (1949) se reconoce un afán sostenido por la repetición de figuras y cuerpos femeninos desnudos en representaciones que denotan una condición de fragilidad y vulnerabilidad. Sus figuras aparecen vendadas, oprimidas y yacentes en situaciones de encierro. A menudo mezcla diversas técnicas en su obra, entre las que se encuentran el dibujo, la fotografía, la pintura y la escultura a través del uso de grandes formatos.

Mayormente en sus dibujos y pinturas se observa un refinado sentido del equilibrio entre abstracción y figura reconocible, en cambio sus esculturas muestran un realismo más afinado hacia la figura humana como modelo. En cuanto a su dibujo, utiliza mayormente soportes no tradicionales ya sea como papeles murales que se pliegan o se despliegan y que coloca sobre bastidores de madera de extensa superficie. Por otro lado, sus esculturas son modeladas primero en greda, luego vaciadas en bronce y pintadas al óleo. A los problemas volumétricos de la escultura se suman los propios de la pintura como la preocupación por el cromatismo de la piel humana.

Vargas ha expuesto internacionalmente destacando su participación en la Bienal de Sao Paulo (1983).

#ColecciónMAVI en www.mavi.cl/coleccion
Investigación y textos: Carolina Castro - @caroinc - y Carol Illanes - @carolillanes -.
Edición: @ladosurgc

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#VicenteGajardo
"Torso" (1991)
Granito negro, 47 x 60 x 20 cm
Vicente Gajardo (1953) es un escultor que ha trabajado principalmente la talla directa del granito, el basalto negro y el mármol, así como también madera y fierro. Su interés por la escultura urbana de impronta arquitectónica lo ha llevado a trabajar formatos de gran tamaño que proyecta en sentido vertical. Comenzó a trabajar la escultura abordando temas relacionados con el hombre, el cosmos y la reflexión del arte y la religión.

Ha trabajado en torno a conceptos del arte primitivo reflejando una constante preocupación por la pureza de las formas, utilizando símbolos que hablan del entorno rural en el que se desenvuelve. Crea sus figuras con ideas de simpleza y dualidad, ensamblando bloques de a dos estableciendo de este modo la unidad. Sus títulos generalmente se refieren a instrumentos de labranza campesina.

Sus obras se pueden agrupar en series: herramientas, clavas, muros, mesas y asientos, corazas y torsos. Algunas son esculturas monumentales producto del ensamble de bloques de dos o más partes de granito pulido o levemente texturados, que conservan una cara sin devastar; otras de formato más pequeño, donde el granito negro pulido les da un aspecto de pequeñas joyas de piedra.

Gajardo ha expuesto internacionalmente y sus esculturas se encuentran en espacios públicos de todo el mundo. En 2011 recibió el Premio Altazor a las Artes Nacionales.

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#NormaRamírez
"Animal II"
137 x 20 x 20 cm

Norma Ramírez (1964) es una artista cuyo trabajo ha transitado por diversos modos de comprender la escultura y la intervención espacial que ella implica. Así, su obra explora táctil y sensorialmente materialidades y situaciones que vinculan lo corporal y lo geográfico, lo orgánico y los territorios, en un proceso cruzado con las historias y las biografías.

A lo largo de su trayectoria ha trabajado principalmente la escultura, explorando con materiales como la arcilla, madera, cerámica y bronce. Sin embargo, su interés por materiales precarios la han llevado a incorporar palos, paja, tierra, bolsas con agua, sangre, cera de abejas, vidrio, piedra, cuerdas, esmaltes, plumas, piel de serpiente y pelo humano. En los últimos años la materia escultórica se ha ido diluyendo y sus instalaciones proyectan cuerpos abarcando el espacio total de la sala mediante el uso de hilos de algodón, que primero levantan desde el suelo y luego suspenden en el espacio formas suaves y contorneadas de cerámica o pequeñas explosiones de poliuretano expandido, adoptando una estética diáfana y sutil.

Como comenta la curadora Soledad Novoa: “Sus obras se mueven de lo sutil, lo etéreo, para hablar de lo corpóreo. Lo ingrávido, el abandono de la masa: el cuerpo presente de la obra, su materialidad, ha dado paso a presencias fantasmáticas, de ensoñación, una ensoñación en la que nos movemos -como espectadoras- entre la realidad y la irrealidad de la forma.” Ramírez obtuvo el Premio Altazor a las Artes Nacionales en 2014.

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#JuanEgenau
"Blindaje para mi ego" (1974)
Aluminio, 45 x 40 x 50 cm

Juan Egenau (1927-1987) ingresó a la carrera de Arquitectura en la Universidad Católica de Chile en 1947, sin embargo al año siguiente tomó la decisión de dedicarse por completo a la pintura. Pronto derivaría en su interés por las técnicas del esmalte sobre metal, las artes de la fundición y luego, la escultura en metal.

Su obra marcó en forma significativa el proceso de renovación de la escultura chilena no solo por haber introducido en el país la técnica del vaciado de aluminio “a la tierra”, sino también por la profunda impresión que causaron sus obras, creaciones de armoniosas líneas y minuciosa factura, que admirablemente logran conciliar la naturaleza de formas orgánicas, con el diseño humano de un mundo tecnológico y mecanizado.

Su especial concepción del mundo, del arte y su comprometida dedicación a la enseñanza, permitieron su contacto con numerosos/as artistas jóvenes, de quienes fue maestro en la Facultad de Artes de la Universidad de Chile.

Durante la década de los setenta y principio de los ochenta, Egenau presentó una serie de esculturas de aluminio blindadas. Estas son torsos y figuras que sugieren organismos vivos cubiertos parcialmente con intrincados cierres metálicos a manera de armaduras medievales que el autor relacionaba con sistemas defensivos y el mundo tecnológico moderno.

La obra de Egenau se encuentra principalmente en el extranjero y durante su vida participó en exposiciones internacionales, destacando varias ediciones de la Bienal de Sao Paulo.

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#PilarOvalle @pilarovallev
"Sin título"
Técnica mixta

La obra escultórica de Pilar Ovalle (1970) ha tenido al ser humano como temática constante. En los inicios de su carrera esto se manifestaba de manera más abstracta, creando figuras antropomorfas, y en el último tiempo la representación del cuerpo se ha ido haciendo cada vez más literal. La raíz de su proceso creativo ha estado asociado a sus propias transformaciones, creando obras que reflejan sus búsquedas personales y que han sido parte, como ella misma cuenta, de su proceso para trascender como ser humano. Materializando ideas, vivencias y relatos, sus creaciones están cargadas de emociones y dedicación.

En su trabajo ha desarrollado un lenguaje escultórico personal donde hace reminiscencias a las tradiciones ancestrales de los pueblos originarios; la artista busca otorgar un aspecto vital a sus obras por medio de juegos de texturas, nudos y vetas naturales de la madera a la que luego aplica aceite impermeabilizante que permite el emplazamiento de las esculturas en espacios exteriores.

Lo orgánico está siempre presente en sus esculturas; el elemento encontrado, las raíces y las maderas labradas por fuerzas naturales, constituyen el alma de su trabajo, como prolongaciones de trozos acuciosamente trabajados y ensamblados por la artista.

#ColecciónMAVI en www.mavi.cl/coleccion
Investigación y textos: Carolina Castro - @caroinc - y Carol Illanes - @carolillanes -.
Edición: @ladosurgc

Atención #profesores y #profesoras • Nuevo mat

Atención #profesores y #profesoras •
Nuevo material de APOYO EDUCATIVO de la exposición “Wenu Pelon”. Se trata de un libro con material de apoyo para profesoras y profesores que buscan facilitar la aproximación de las y los estudiantes al arte. •
Este recurso pedagógico incluye sugerencias de actividades interdisciplinares para la asignatura de artes visuales desde las bases curriculares actuales para 1º año básico hasta 4º año medio.

En mavi.cl o pinchando el link de la bio.

Edición y desarrollo de contenidos: Paula Caballería A.
Desarrollo de contenidos: Pía Quintana
Colaboración en diseño de este documento: Josefa Maureira C.
Ilustraciones y diseño de este documento: Sebastián Riffo Valdebenito
Fotografías: Freddy Ibarra

#DíaPueblosIndígenas #SolsticioDeInvierno #Wetripantu #wiñoltripantu

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#AuraCastro
"La Torre de Babel II" (1993)
Bronce fundido, 31 x 14 x 5 cm

Aura Castro nace en Chile en 1946. Su obra se caracteriza por el sentido del color, la simpleza abstracta y la fuerza donde prima la utilización de una amplia gama de materiales que se extiende desde la talla tradicional en mármol y piedra, la fundición de metales (especialmente bronce y aluminio a la cera perdida), la serigrafía y el cartón piedra. Este último, considerado su predilecto, lo trabaja mediante un específico medio de oxidación con el que alcanza una apariencia similar a la madera, en cuanto a textura y color.

Su estética representa a la escena posterior a las vanguardias de las décadas de los cincuenta y setenta. En su obra expresa su búsqueda de valores espirituales, el sometimiento de la mujer y sus concepciones sobre el tiempo y la muerte. Son conocidos sus volúmenes escultóricos en los que representa simbólicamente templos y altares pretéritos, con formas que se remiten a un tiempo mítico.

#ColecciónMAVI en www.mavi.cl/coleccion
Investigación y textos: Carolina Castro - @caroinc - y Carol Illanes - @carolillanes -.
Edición: @ladosurgc

Conoce la PRIMERA EXPOSICIÓN 3D de @mavichile en

Conoce la PRIMERA EXPOSICIÓN 3D de @mavichile en mavi.cl

La exhibición "Wenu Pelon - Portal de luz", que invita a apreciar parte de la tradición Mapuche y a comprenderla como una cultura viva, se encuentra desde el año 2015 en la Sala-Museo Arqueológico de Santiago, al interior del Museo de Artes Visuales.

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#NemesioAntúnez
"Hombres y estatuas" (1983)
Óleo sobre tela, 43 x 81 cm

Nemesio Antúnez (1918-1993) se formó como arquitecto en Pontificia Universidad Católica de Chile y fue en ese contexto donde comenzó a incursionar en la pintura. El desarrollo artístico de Antúnez incluyó la creación de óleos, acuarelas, dibujos y, en gran medida, grabados, en los que experimentó con diversas técnicas. Además, incursionó en la pintura mural, realizando obras en Chile y en el extranjero. En el contexto nacional, cuatro de sus murales fueron declarados monumentos históricos en 2011.

En su vasta producción, el artista transitó entre la figuración y la abstracción, configurando imágenes que presentan elementos cotidianos (como camas, ventanas y mesas), escenas de baile, paisajes y elementos que refieren a tradiciones de Chile (destacan las cerámicas de Quinchamalí), entre otras temáticas. Para ello recurrió a una paleta cromática en la que predomina el negro y los tonos grises, los que combina con ocres, rojos y colores fríos.

Si el trabajo artístico de Antúnez se caracteriza por su gran contundencia, aquello puede verse reflejado igualmente en su rol como agente cultural. A lo largo de su trayectoria, el artista desempeñó varias funciones, que incluyen labores de enseñanza y difusión del arte, puestos directivos (director del Museo Nacional de Bellas Artes) y cargos diplomáticos (agregado cultural de Chile en Estados Unidos). #ColecciónMAVI en www.mavi.cl/coleccion
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#SamyBenmayor
“Sin título” (1987)
Pintura, óleo sobre tela. 2,2 x 1,6 metros
Samy Benmayor (1956), pintor, dibujante y fotógrafo, es parte de la “generación de los 80” dentro de lo que se ha identificado como “la vuelta a la pintura”. Junto a otras se encargaron de distender el medio del hermetismo del discurso artístico de la generación anterior. Este cambio buscó una relación más inmediata con el lenguaje pictórico sin perderse en la influencia de teorías o disciplinas fuera de ella.

Su expresiva pintura, caracterizada por el humor y la presencia de lo caricaturesco, da importancia a la dimensión simbólica de las formas. Yendo a lo propiamente subjetivo y favoreciendo lo gestual, se ha definido como neoexpresionista. En las composiciones de sus gráfico pinturas, ocurren varias cosas en el mismo espacio/tiempo lo que acrecienta lo lúdico de sus elecciones cromáticas. Respecto a los temas y motivos, hay una clara elección por lo banal y cotidiano, y también por el inverso de las imágenes permeado por lo emocional donde la mancha, el chorreo y el grosor de los trazos nos llegan inmediatamente con figuras que anuncian su origen en gestos veloces. Con los años, estos se han matizado y vuelto más sobrios, problemas como la profundidad, el espacio y el color ahora son su mayor preocupación.

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#JulenBirke @julenbirke
“De la serie panal” (2011)
Gofrado sobre papel tiziano, 65 x 50 cm
Julen Birke (1973) forma parte de un grupo de artistas que permitieron la renovación de la escultura en los años 90, la que se había mantenido en una línea más bien tradicional en el contexto local en comparación a otros medios. Este arranque de la escultura tuvo que ver con una comprensión más expansiva de su lenguaje. En el caso de Birke, muy vinculada tanto a lo material como a la relación del objeto con el espacio. Esto es, una obra consciente de sus múltiples interacciones con el entorno.

Su trabajo, fundamentalmente instalativo, utiliza objetos como tela, algodón, elástico, plástico (muchas veces blando e inflable), donde la artista se ha reconocido por exponer el contraste entre lo artificial y lo natural, interviniendo espacios de distintas escalas.

Incorporando elementos comunes en su obra, como la serialización de las formas y objetos y la expresión de la dimensión contenida de lo orgánico en los elementos utilizados – como en “Panal” – la artista lleva el volumen al papel por medio del gofrado, una técnica de grabado que permite construir una imagen a partir de los relieves generados por la luz.

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#CristianSalineros
"La revolución del trompo #1" (2003)
Acero lacado 350 x 260 cm

El trabajo de Cristián Salineros (1969) se caracteriza por establecer relaciones entre la concepción del espacio, el emplazamiento, el paisaje, la arquitectura y los sistemas constructivos, indagando la relación existente entre las materialidades y su arraigada vinculación con algunos procesos tanto artesanales como tecnológicos.

Los procesos de investigación que desarrolla apuntan a la construcción visual de modelos o sistemas de comprensión de las coyunturas que nos rodean, ya sea desde las experiencias personales como de los contextos públicos y sociales.

Obras como “La revolución del trompo” muestran varios de los rasgos que han aparecido en su trayectoria de exploración escultórica, como por ejemplo el lugar de la repetición de una forma para crear una trama experimentable en el espacio o como espacio mismo. Volumen, escala y las posibilidades del movimiento guían la construcción de estas estructuras, hechas para incitar la experiencia del espectador como cuerpo que recorre y que percibe sensorialmente la escala y las posibilidades de su escultura modular.

Salineros obtuvo el Premio Altazor a las Artes Nacionales en 2003 y ha participado en exposiciones internacionales destacando la Bienal de Santa Cruz de la Sierra en Bolivia y la Bienal Paiz en Guatemala.

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#Brunatruffa @brunatruffa
“Especies” (1996(
Óleo sobre tela, 100 x 100 cm
Bruna Truffa (1963) ha desarrollando un lenguaje que se inscribe dentro de las estrategias del Arte Pop. Su obra se caracteriza por elaborar discursos que se desplazan desde la Figuración al Neo Barroco. En sus llamativas, irónicas y disonantes propuestas visuales, muestra una especial confrontación entre el Arte Culto y el Arte Popular, retomando de este último recursos como el bordado, las manualidades, las artes decorativas, el collage, entre otros que se reconocen como técnicas no tradicionales dentro del universo a la pintura clásica.

Aborda también la temática del Mestizaje como un rasgo de identidad nacional y propio de los pueblos Latinoamericanos de donde extrae la “Religiosidad popular y su iconografía” adaptándolas como propias e incluyéndose en su íntima imaginería. Bruna Truffa se destaca por tener una delicada y a la vez punzante mirada “femenina” que se mantiene como una constante a través de su ya extensa labor en el arte. En sus obras recientes, explora el mundo de lo imaginario, lo inusual y lo onírico, incorporando imágenes especulares, usando el reflejo o el espejismo como un recurso dentro de sus imágenes, poniendo en crisis el estatuto de realidad, a pesar de la exacerbada figuración en su obra.

Truffa ha expuesto internacionalmente, destacando su participación en la Bienal de Cuenca en 1998 y 2004. Obtuvo el Premio Altazor a las Artes Nacionales en 2006.

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Posted @withregram • @museodelosmuseos • [MIÉ

Posted @withregram • @museodelosmuseos • [MIÉRCOLES 17 JUNIO] #Museos en Cuarentena 12 viaja a Chile para hablar con Paula Caballería Aguilera @pcaballeria sobre "El nuevo museo inclusivo"

Ella es Directora de Educación e Inclusión del Museo de Artes Visuales @mavichile , ha desarrollado la inclusión al arte y la cultura de personas con discapacidad como un derecho al consumo y a la producción cultural.

País: Chile
[MIÉRCOLES 17 JUNIO] 20h Chile / 21h Argentina - Brasil / 19h Perú - Ecuador- Colombia - México en @museodelosmuseos

#adelanto #primicia #wiñoltripantü . En el MAVI

#adelanto #primicia #wiñoltripantü .
En el MAVI se celebra el año nuevo de los pueblos originarios, Wiñol Tripantü o retorno del sol. .
Esta vez daremos a conocer el PRIMER RECORRIDO VIRTUAL 3D en el MAVI, hecho por @virtualflip_cl para visitar en línea la muestra permanente “Wenu Pelon – Portal de Luz”. • Desde el 23 de junio se podrá conocer este recorrido 3D en www.mavi.cl .
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Esta exhibición, que invita a apreciar parte de la tradición Mapuche y a comprenderla como una cultura viva, se encuentra desde el año 2015 en la Sala-Museo Arqueológico de Santiago, al interior del Museo de Artes Visuales.

EL RETORNO DEL SOL EN EL MUSEO DE ARTES VISUALES

EL RETORNO DEL SOL EN EL MUSEO DE ARTES VISUALES

En el MAVI se celebra el “año nuevo” de los pueblos originarios (solsticio de invierno), Wiñol Tripantü o retorno del sol.
Esta vez no habrá un baile comunitario o una cita con la poesía Mapuche, como en años anteriores, pero sí daremos a conocer el PRIMER RECORRIDO VIRTUAL 3D en el MAVI, hecho por Virtualflip, mediante el cual se podrá visitar en línea la muestra permanente “Wenu Pelon – Portal de Luz”. •
>> Desde el 23 de junio en la mañana se podrá conocer este recorrido 3D en www.mavi.cl •

Esta exhibición, que invita a apreciar parte de la tradición Mapuche y a comprenderla como una cultura viva, se encuentra desde el año 2015 en la Sala-Museo Arqueológico de Santiago, al interior del Museo de Artes Visuales.

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#ValentinaCruz
"Hombre sentado" (1966)
Técnica mixta

Valentina Cruz (1938) es reconocida principalmente por su obra escultórica, en la que representa formas humanas o fragmentos de cuerpo a escala real -muchas veces sacando moldes de los mismos cuerpos- consiguiendo realismo en sus formas y texturas, y otras veces jugando a deformar sus escalas y contexturas naturales. A lo largo de su carrera experimentó en la mezcla de materiales no típicamente artísticos de características industriales, tal como la resina, el caucho, la cola y el látex, y otros de origen cotidiano, en permanente afán de conectar con la realidad, tales como periódicos, arpilleras, cera, sacos,

En 1962 presenta su obra “Mujer”, una figura femenina de ángulos abruptos y toscas extremidades, hecha a base de avisos económicos del diario y engrudo. Para entonces, la obra rompe las concepciones habituales de la escultura, abriendo también nuevas posibilidades materiales. Los acelerados cambios político-sociales a nivel internacional influyeron en la visión de Cruz sobre el cuerpo en la esfera social y los mecanismos de construcción de género. Estas experiencias dotan a su obra de un humor satírico, revelando una dimensión crítica respecto a las lecturas sobre el cuerpo, en especial el femenino, el cual es intervenido, manipulado y deformado a nivel tanto visual como simbólico.

En 1966 gana el primer premio en la Bienal de Arte Joven de París con “Hombre de pie”. En los años setenta, comienza a desarrollar su obra gráfica, obteniendo el Premio Altazor a las Artes Nacionales en categoría dibujo en 2003 y 2010.

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