LA OSCURIDAD VISIBLE

DE MATÍAS MOVILLO

MAR – MAY 2017

En el presente conjunto de trabajos recientes de Matías Movillo confluyen dos asuntos que en principio podrían parecer muy distantes entre sí: por un lado, la noción de testimonio (a partir de recuerdos personales del pasado lejano), y por el otro, lo rotundamente sensorial (el implacable “aquí y ahora” físico propuesto por la imagen y la materialidad de cada una de estas pinturas).

Es decir, en este trabajo se manifiesta la decidida voluntad del autor por transformar lo autobiográfico -y todos sus fantasmas- en materia sensible.

Aunque suene a perogrullada, para funcionar, estas obras requieren de nuestra presencia. Para asimilar los nutrientes de estas pinturas es indispensable que estemos aquí, aquí mismo y en este momento, contemplándolas en persona. De ese modo, nos podemos acercar y alejar, movernos de un lado hacia el otro, interactuar con sus componentes y extraer de ellos todo tipo de señales que nos permiten acceder a este lenguaje secreto, a este jeroglífico que nos propone ser descifrado más desde lo emocional que desde el intelecto.

En términos plásticos, el espacio es un asunto que para Matías resulta un protagonista decisivo; el espacio y su deconstrucción, su desmantelamiento, su puesta en tensión. Gran parte del conflicto espacial en estas obras surge entonces desde la pugna entre luz y sombra, desde la compleja negociación que opera entre figura y fondo, y la manera en como ese diálogo se entrelaza con las múltiples tensiones entre texturas y descascarados, transparencias y opacidades.

Podríamos afirmar que estamos aquí ante una gran colección de superficies trastornadas.

En cuanto a sus procedimientos técnicos, y aunque opera claramente desde la “lógica del cuadro”, este cuerpo de obras establece una notable diferencia respecto de los métodos de la pintura tradicional. En este caso, la materia no se va sumando gradualmente sobre un soporte, sino que, más bien, es depositada de golpe sobre ese soporte (a veces hasta su saturación), para luego iniciar du despojo progresivo y pausado, en un proceso que podríamos considerar eminentemente sustractivo: esto es, la rigurosa aplicación inicial de varias capas de cinta para enmascarar, otras tantas capas de pintura sobre la retícula de cinta, y la posterior y paulatina devastación –parcial o total- de ambos materiales.

Es decir, Matías primero carga, y luego descarga. Primero alimenta, y luego hambrea. Primero genera opulencia, y luego desata la escasez. Primero instaura reglas, y a continuación las somete al desgobierno. Dicho de otro modo: el artista ha inventado un sistema para desencadenar -desde lo regular, racional y metódico- un caudal impredecible, lírico, místico, pulsional.

De este modo, cuando cree estar pintando, en verdad está componiendo música electrónica, ritmos sincopados y melodías disonantes; un vital tejido de límites y transgresiones. Cuando siente que está sumergiéndose en su memoria, lo que en realidad está haciendo es supervisar una secuencia de demoliciones, de derrumbes programados.

Matías Movillo es un fabricante de arenas movedizas: manchas que flotan a la deriva o que están ancladas a otras manchas.

Sus pinturas son un viaje espiritual plagado de accidentes y patrones que van emergiendo del camino mismo. De superposiciones, reservas, rasgaduras. De continuidad y discontinuidad. De maceración. Cada pintura es una cisterna, un embalse, una represa; un charco de lodo, de petróleo, de lágrimas, de hidrógeno, de helio… Ciénagas, musgos, lama. Costras. Sedimentos.

Bosques encantados, camuflajes militares, reptiles desollados, una red de nervaduras (orgánicas o sintéticas, curvas o rectas). Mensajes póstumos. Lápidas. Una cascada fragmentada. Decadencia y decaimiento, tragedias de mármol y caramelo. La trama de un vidrio roto. Cartografías. Coreografías. Desbordes. Obediencias y desobediencias: a lo burgués, a lo monstruoso, a lo magnético. Llagas y laceraciones -físicas y emocionales- con el brillo y la viscosidad de la tinta esmeralda de un modesto bolígrafo Bic.

Estas pinturas no son ilusiones espectrales; son materia viva y real. Son cuerpos. Son la vida que brota de las ruinas. Es el renacer de la vegetación después de un incendio: donde antes había sólo humo y escombros calcinados, ahora fluye savia. O como el propio artista lo describe, en estas obras se celebra la reconciliación con “el momento en el que descubres que la grieta de una casa se debe a una grieta en el terreno”.

Yo no se si Matías busca algo puntual con su trabajo, pero si así fuese, tengo la impresión que eso que busca en su pintura es consuelo. Y belleza. Consuelo, belleza, y ojalá la posibilidad de enfrentar y exorcizar sus miedos. Al mismo tiempo, es posible percibir además una exploración de lo voluptuoso, de lo suntuoso, sólo que –paradójicamente- esto se persigue a través de la austeridad y la contención.

La memoria de largo plazo es crucial en estas obras: Matías invoca su infancia y luego la sepulta, reiteradamente. En ese sentido, estos trabajos tienen mucho de juego. Pero es una especie de juego de Fort–Da pictórico, en el que el autor evoca y replica, una y otra vez, la secuencia de la construcción de una casa, de un hogar, de una familia -la madre, el padre, los hermanos-, su gradual desmontaje y su definitiva desintegración. De esta manera, a través de su práctica, logra “controlar” y editar los eventos: dirigirlos, alterarlos, congelarlos, precipitarlos, intercalarlos, decidir dónde comienzan y dónde se detienen.

Para quienes no conocían su obra, resultará algo desconcertante enterarse que, hasta el año 2006, Matías Movillo era considerado el más promisorio representante del realismo pictórico en Chile. Hasta mediados de ese año, entonces, produjo una pintura gentil, tenue, silenciosa, de bajo contraste, brumosa y melancólica. Sin embargo, al apreciar hoy su obra reciente, si bien se conserva intacta la carga de ensoñación y misterio, ésta parece haber evolucionado hacia una poética más industrial, científica y de combate: cada una de las pinturas en esta exposición se comporta como una inquietante maquinaria, un pequeño laboratorio, un intenso e inagotable campo de batalla.

Cristián Silva
marzo, 2017

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VISIBLE DARKNESS

BY MATÍAS MOVILLO

MAR – MAY 2017

In the present set of recent works by Matías Movillo, two issues come together that may at first seem very distant from each other: on one hand, the notion of testimony (from personal memories of the distant past), and on the other, the resounding sensorial (The “here and now” physical proposed by the image and materiality of each of these paintings).

That is to say, in this work the decisive will of the author is manifested by transforming the autobiographical – and all its ghosts – in sensible matter.

In order for these pieces to work, they need our presence. To assimilate the nutrients of these paintings it is indispensable that we are here, here and now, contemplating them in person. In this way, we can move closer and farther, move from side to side, interact with its components and extract from them all kinds of signals that allow us to access this secret language, this hieroglyphic that proposes us to be deciphered more from the Emotional side than from the intellect.

In plastic terms, space is a matter that Matías is a decisive protagonist; The space and its deconstruction, its dismantling, its putting in tension. Much of the space conflict in these works then arises from the struggle between light and shadow, from the complex negotiation that operates between figure and background, and the way in which this dialogue is intertwined with the multiple tensions between textures and peelings, transparencies and opacities .

We could say that we are here before a large collection of disturbed surfaces.

As for its technical procedures, and although it operates clearly from the “logic of the picture”, this body of works establishes a remarkable difference with respect to the methods of traditional painting. In this case, the matter is not gradually added on to a support, but rather is deposited suddenly on that support (sometimes until its saturation), then initiate the progressive and slow spoliation, in a process that we could To consider eminently subtractive: that is, the rigorous initial application of several layers of masking tape, as many layers of paint on the tape, and the subsequent and gradual devastation – partial or total – of both materials.

Matías first loads, and then unloads. First feeds, and then hunger. First he generates opulence, and then scarcity. First he establishes rules, and then subjects them to misrule. In another way: the artist has invented a system to unleash – from the regular, rational and methodical – an unpredictable, lyrical and mystical flow.

Thus, when he thinks he is painting, he is actually composing electronic music, dissonant melodies; A vital fabric of limits and transgressions. When he feels he is sinking into his memory, what he is actually doing is supervising a sequence of demolitions, of collapses.

Matías Movillo is a manufacturer of quicksand: spots that drift or are anchored to other spots.

His paintings are a spiritual journey riddled with accidents and patterns that are emerging from the road itself. From overlays, reservations, rips. Of continuity and discontinuity. Each painting is a puddle of mud, oil, tears, hydrogen, helium … Swamps, mosses, mud. Scabs. Sediments.

Enchanted forests, military camouflage, skinned reptiles, a web of ribs (organic or synthetic, curved or straight). Posthumous messages. Tombstones. A fragmented waterfall. Decay, tragedies of marble and caramel. The plot of a broken glass. Cartographies. Choreography. Overflows. Obedience and disobedience: the bourgeois, the monstrous, the magnetic. Sores and lacerations – physical and emotional – with the brightness and viscosity of the emerald ink of a modest Bic pen.

These paintings are not spectral illusions; Are living and real matter. They are bodies. They are the life that springs from the ruins. It is the rebirth of vegetation after a fire: where once there was only smoke and calcined debris, now sap flows. Or as the artist himself describes it, in these works we celebrate the reconciliation with “the moment when you discover that the crack of a house is due to a crack in the ground.”

I do not know if Matías looks for something punctual with his work, but if so, I have the impression that what he seeks in his painting is consolation. And beauty. Consolation, beauty, and hopefully the possibility of facing and exorcizing his fears. At the same time, it is possible to perceive an exploration of the voluptuous, but this is pursued through austerity and restraint.

The long-term memory is crucial in these works: Matías invokes his childhood and then buries it, repeatedly. In that sense, these works have a lot of game. But it is a sort of pictorial Fort-Da game, in which the author evokes and replicates, again and again, the sequence of the construction of a house, a home, a family-the mother, the father, the Brothers -, its gradual dismantling and its definitive disintegration. In this way, through his practice, he manages to “control” and edit the events: directing, altering, freezing, precipitating, deciding where they begin and where they stop.

For those who did not know his work, it will be disconcerting to learn that, until 2006, Matías Movillo was considered the most promising representative of pictorial realism in Chile. Until the middle of that year, then, he produced a gentle painting, tenuous, silent, low contrast, foggy and melancholy. However, in his recent work, although the mystery remains intact, it seems to have evolved into a more industrial, scientific, and combative poetics: each of the paintings in this exhibition behaves like a disturbingMachinery, a small laboratory, an intense and never ending battlefield.

Cristián Silva

March 2017

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