Exposiciones

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LARGO PÉTALO DE MAR: COLECCIÓN MAVI EN CALLE LARGA

Exposiciones, Exposiciones Itinerantes

MUESTRA ITINERANTE DE LA COLECCIÓN DE ARTE DEL MAVI

DIC 2021 – FEB 2022

La exposición itinerante LARGO PÉTALO DE MAR: COLECCIÓN MAVI se instala en el Centro Cultural Pedro Aguirre Cerda de Calle Larga, Provincia de los Andes desde el 16 de diciembre de 2021 al 27 de febrero de 2022.Esta muestra presenta obras de la Colección MAVI realizadas por Roser Bru y José Balmes. Ambos artistas obtuvieron el Premio Nacional de Artes Plásticas (en 2015 y 1999, respectivamente).

 

  • En este marco, se ha realizado una colaboración con Fundación Setba Chile para trabajar con la comunidad sobre la inclusión de personas migrantes en la zona de Aconcagua.

 

“Largo pétalo de mar” es el nombre de la novela que escribió Isabel Allende sobre el Winnipeg “el barco de la solidaridad”, de la mano de personajes que dan cuenta que el exilio y la migración dejan huellas profundas, no solo para quienes deben huir, sino también para quienes acogen.

“Largo pétalo de mar, vino y nieve” son palabras de Pablo Neruda para referirse a Chile, este país que recibió a 2201 españoles/as el 3 de septiembre de 1939 en Valparaíso gracias al compromiso del Presidente Pedro Aguirre Cerda. Entre estas personas venían los adolescentes Roser Bru y José Balmes.

En ese barco acudió el arte, la poética del trazo de una mujer y un hombre con deseos fuertísimos de vivir y de denunciar los abusos, resabios de los horrores del exilio, la guerra civil y el fascismo. De ahí surgieron ambos artistas, siempre comprometidos con el entorno y con el tiempo, plasmado en sus pinturas mediante el trazo o la pincelada denunciando las injusticias del momento, haciendo visibles los problemas en cada etapa del camino recorrido y desde la más estricta honradez intelectual han interpelado una realidad no siempre cómoda de contemplar.

Ambos fueron reconocidos con el Premio Nacional de Artes Plásticas por el invaluable aporte a las artes visuales no solo chilenas sino iberoamericanas. Este año llegaron a la casa de quien les dio una segunda oportunidad, para decir que en una vida se puede volver a nacer muchas veces y que la inclusión hace de un pueblo diverso una mejor nación.

 

Entrada liberada.

Fechas: Desde el 16 de diciembre 2021 al 27 de febrero 2022

Horario: Lunes a sábado, de 10:00 a 18:00 horas.

Lugar: Centro Cultural de Pedro Aguirre Cerda, Avenida Pedro Aguirre Cerda s/n sector Pocuro, Calle Larga, Provincia de Los Andes

Teléfono: +56 34 246 2012

Esta exposición se enmarca en las itinerancias presenciales que el Museo de Artes Visuales realiza para mostrar su Colección más allá de los muros del edificio institucional de la calle José Victorino Lastarria, como una forma de aportar al acercamiento del arte contemporáneo chileno a diversos públicos.

INAUGURACIÓN DE “LARGO PÉTALO DE MAR” EN CALLE LARGA, REGIÓN DE VALPARAÍSO. DICIEMBRE 2021

   

   

   

   

El Museo de Artes Visuales forma parte del Programa de Apoyo a Organizaciones Culturales Colaboradoras del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio, que busca fortalecer y dar continuidad a instituciones y organizaciones culturales de derecho privado y sin fines de lucro. Este programa además es parte del Sistema de Financiamiento a Organizaciones e Infraestructura Cultural del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio que integra, articula y coordina de forma transversal los planes, programas y fondos orientados al fomento y apoyo de las organizaciones, de la infraestructura cultural, y de la mediación artística. Todo esto con una vocación descentralizada, mecanismos participativos, y la promoción de la creación de redes y asociaciones.

Exposición Ver y palpar

Exposiciones

4 de diciembre de 2021 a 13 de marzo de 2022 en el MAVI

Exposición: “Ver y palpar”
de Magdalena Vial

 

La exhibición Ver y Palpar muestra de manera presencial una serie de obras en madera y papel desarrollada por la artista Magdalena Vial en los últimos dos años. El trabajo exhibido en el MAVI reflexiona sobre la relación sensorial entre lo que es perceptible desde la visión y lo que es aprehendido por el tacto. De esta manera, cuestiona – a través de su objetualidad – la inmaterialidad y virtualidad a la que nos exponemos en la actualidad.


Para visitar la muestra, puedes inscríbete pinchando aquí y completando el formulario de mavi.cl/visitanos. “Ver y palpar” está en las salas 1 y 2 del Museo de Artes Visuales. La entrada es con aporte (monto voluntario).


El museo está abierto de martes a domingo, entre 11:00 y 17:00 horas. Para visitar el MAVI, sólo hay que escoger un día para ir e inscribirse en mavi.cl/visitanos. La iniciativa cuenta con el financiamiento del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio, a través de su Programa de Apoyo a Organizaciones Culturales Colaboradoras.

Durante los meses de la exposición, la artista realizará actividades de extensión y también de mediación junto al Área de Educación e Inclusión del museo, que se informarán vía mavi.cl y las redes sociales @mavichile.

 

Magdalena Vial plantea que una de las características de la madera es ser un material que ofrece una resistencia, hay que hacer una presión o fuerza para trabajarla. Las grandes dimensiones y peso de la madera hacen que el desbaste y el tallado requiera ser realizado a veces en el suelo tal y como si se estuviera excavando en la tierra. Es un material que no permite hacerlo todo, impone ciertas reglas o limitaciones que hay que tener en cuenta para crear. Además de las más de veinte obras de mediano a gran formato en madera terciada y en papel (hechas con la técnica del frottage), se incluye el Kit de obras abstractas para imaginar diseñado para que personas ciegas y/o de visión reducida puedan “ver” a través del tacto y mediante la técnica del frottage en papel.

“En mi trayectoria artística he desarrollado una investigación en pintura cuyo eje ha sido el trabajo de taller con énfasis en la búsqueda de un lenguaje que dé cuenta de mis inquietudes formales y conceptuales. Mi formación, marcada fuertemente por el grabado, ha permeado mis estrategias pictóricas, coexistiendo con la pintura técnicas gráficas como la xilografía y el frottage. La madera, soporte y materialidad de mi trabajo actual, ha sido fundamental por la resistencia que ofrece al momento de abordarla. A través de acciones como tallar, cortar, debastar y hacer incisiones voy dejando huellas que quedan grabadas en el soporte unas sobre otras como si fueran palimpsestos, esos manuscritos borrados para volver a escribir un nuevo texto encima”, explica Magdalena Vial.

 

Ver y Palpar se articula a través de dos ejes materiales en tensión y diálogo: madera y papel. Las obras en madera enlazan prácticas de pintura, escultura y grabado. A partir del tallado de grandes tableros de madera terciada, usando gubias, construye una geografía dada por surcos e incisiones, rasgados y desbastes, que se organizan de manera rítmica generando grandes superficies de textura. La imagen se estructura a partir del bajorrelieve que deja al descubierto las capas de madera terciada que, por diferenciación cromática, componen un territorio simbólico asociado al paisaje. Las obras en papel son hechas usando el frottage, técnica que consiste en traspasar la textura de la madera tallada a una lámina de papel mediante el frotado con carboncillo que da cuenta de la superficie texturada de las obras en madera otorgándole así una segunda lectura al trabajo ya realizado. El proyecto de esta exposición obtuvo la primera mención honrosa en el Premio Fundación Actual MAVI 2018.

 

“Es interesante el proceso de transformación de un material que es empleado en el ámbito de la construcción (tableros de madera terciada) y que es simple, neutro y de carácter industrial, en un objeto que tiene una cualidad estética, espacial, rítmica que sugiere a través de la abstracción elementos del paisaje y superficies geográficas. Esa transformación siempre es variada y constituye una sorpresa y un riesgo. Una vez que se desbasta y se talla la madera no se puede volver a pegar, extraer el material no tiene vuelta atrás por lo que hay que estar muy atenta y saber trabajar en un estado de incertidumbre que oscila entre el arrojo y el riesgo, la determinación y la inseguridad, el cálculo y la improvisación”, señala la artista.

 

El Kit de obras abstractas para imaginar es una propuesta interactiva, lúdica e inclusiva que consiste en una serie de módulos en madera tallada por ambas caras. Cada uno de estos módulos tiene texturas y formas diferenciadas entre sí, imágenes abstractas que sugieren elementos de la naturaleza y el paisaje. Sobre estas tablas, las personas pueden realizar frottages en papel usando lápices de cera y grafito que registren de manera gráfica la imagen en bajorrelieve de los módulos de madera. Esta experiencia ha sido realizada anteriormente en la Universidad Mayor de Temuco, en la Corporación para Ciegos y en el Colegio Santa Lucía de Fundación Luz.

“La mayoría de las obras de arte permiten experimentarse a través de la percepción sensible, sobre todo cuando la experiencia estética es presencial, pero mi trabajo tiene una cualidad que es especialmente háptica dado sus relieves, volúmenes y texturas sobre la madera. De manera que la experiencia visual y táctil se genera a partir del relato material a través del cual se estructura mi obra. En este sentido, el trabajo con personas ciegas ha sido importante para relevar desde la práctica artística estas reflexiones”, sostiene Magdalena Vial.

A la artista le interesa recuperar, a través de estas obras, la experiencia de lo táctil, que hoy en día se ha visto mermada producto de la pandemia que ha provocado menos interacción con lo corpóreo aumentando aún más la experiencia de la virtualidad a través de las pantallas. Esto ha sido algo muy práctico para seguir comunicándose, pero tiende a alejarnos de nuestros sentidos táctiles, de nuestra experiencia sensorial más primaria y esencialmente humana.

 

Imágenes: obras de Magdalena Vial.

MAGDALENA VIAL OLIVARES

(Santiago de Chile, 1972) Licenciada en Arte con mención en Pintura de la Universidad Católica de Chile y Magíster en Prácticas Artísticas Contemporáneas de la Universidad Finis Terrae, tiene estudios de postgrado en Arte Contemporáneo en la Universidad Autónoma de Barcelona.

Desde 1997, es docente en la Facultad de Artes Plásticas de la Universidad Finis Terrae. Forma parte del comité editorial de la Revista de Arte Contemporáneo “Diagrama” de dicha facultad. Y es coautora, junto a Pedro Millar, del libro “El dibujo de desnudo. Visión y Concepto”, editado por Ril Ediciones.

 Entre los años 1996 y 2019 ha realizado exposiciones individuales, las últimas en Galería Isabel Aninat, Sala Gasco Arte Contemporáneo y Galería Artespacio.

  • Ha participado en numerosas muestras colectivas en Chile y en el extranjero: en el Museo de Nacional Bellas Artes, MAC de Valdivia,  Sala Gasco Arte Contemporáneo, Universidad de Talca, Galería Patricia Ready, Galería Paulina Rieloff de Nueva York, Galeríe Bernanos de París, Sala Parés de Barcelona, Embajada de Chile en Berlín, Alemania, entre otros. 
  • Ha realizado distintos proyectos públicos y universitarios como: Murales para los Liceos Bicentenario San Pedro y Escuela Chiloé de la Municipalidad de Puente Alto y “Intervención de color en un espacio arquitectónico” en la Escuela de Ingeniería de la Pontificia Universidad Católica.

Por su trabajo ha obtenido reconocimientos tales como Beca Amigos del Arte; Premio Alcatel; Primer Premio Concurso Nacional de Arte Joven Universidad de Valparaíso; Segundo Premio Concurso Arte en Vivo Librería Nacional; Primer Premio Concurso “Los jóvenes pintan la paz” Fundación Wizo y Embajada de Israel; Premio a la Excelencia Académica de la Pontificia Universidad Católica; y Primera Mención Honrosa el Premio Fundación Actual MAVI.

 

Fotografía: Retrato de Magdalena Vial por Claudio González.

Exposiciones actuales en el MAVI

El Museo de Artes Visuales forma parte del Programa de Apoyo a Organizaciones Culturales Colaboradoras del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio, que busca fortalecer y dar continuidad a instituciones y organizaciones culturales de derecho privado y sin fines de lucro. Este programa además es parte del Sistema de Financiamiento a Organizaciones e Infraestructura Cultural del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio que integra, articula y coordina de forma transversal los planes, programas y fondos orientados al fomento y apoyo de las organizaciones, de la infraestructura cultural, y de la mediación artística. Todo esto con una vocación descentralizada, mecanismos participativos, y la promoción de la creación de redes y asociaciones.

Exposición Suelo

Exposiciones

18 de noviembre de 2021 a 27 de febrero de 2022 en el MAVI

Exposición: “Suelo”
de Francisca Sánchez

 

La exposición “Suelo” reúne una serie de esculturas en yeso, una maqueta de la topografía del suelo de Aculeo, dibujos en diferentes formatos, dos piezas de video y el libro de dibujos “Arriba del suelo, abajo del suelo”; con los que la artista apunta a mostrar su práctica escultórica de los últimos cuatro años. En ella reflexiona sobre modos de su hacer material en torno al suelo y el valor de fijar un piso desde donde modelar imágenes en un presente en constante cambio.


  • El lanzamiento del libro “Arriba del suelo, abajo del suelo” será el viernes 21 de enero, a las 12:30 horas, en la Plaza Mulato Gil de Castro. Entrada por orden de llegada con aforo limitado.

La iniciativa cuenta con el financiamiento del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio a través de su Programa de Apoyo a Organizaciones Culturales Colaboradoras. Asimismo, la exposición “Suelo” cuenta con el financiamiento de FONDART, convocatoria 2019.

 

“Suelo” surge primeramente de la curiosidad por ver el molde desaguado de la Laguna de Aculeo, ver la topografía expuesta. Surge de la pregunta por ese espacio inédito e intenta dar cuenta de él desde las caminatas y cruces con el hacer artístico.

A partir de esas salidas a terreno, Francisca comienza a llamar a esta planicie: suelo, porque esta palabra nombra mejor la actual cara de la “laguna”. Este nombre a su vez se relaciona con sus trabajos previos, en los que excavar en el suelo es un modo dibujar y obtener esculturas vaciadas en dichos moldes. El diálogo entre las visitas a la laguna y las reflexiones del hacer del taller tienen eco en una serie de esculturas que alimentó su consciencia del movimiento y la continuidad de los espacios como el constante entrar y salir de un hoyo, llenar vertiendo dentro un molde o prolongar una estructura fuera de él. Las esculturas usan el suelo de textura, de contenedor, de soporte; asumen la escala del cuerpo y sus movimientos.

Cerca de la laguna de Aculeo, Francisca tiene su taller que define como una espacio de soberanía personal, en este lugar explica “no tengo que estar inventándome y reinventándome, está todo lo que necesito, no hay ingenio, una cosa lleva a la siguiente”.

Al mismo tiempo que el suelo es entendido como una zona de actividad escultórica, sus materiales son usados para dibujar sobre papel, imágenes de gran formato fabricados con arena y tinta china que replican bidimensionalmente formas afines a las ensayadas por las esculturas expuestas en las salas del MAVI.

 

Un libro y piezas audiovisuales en diálogo con la exposición “Suelo”

Para la artista las reflexiones provienen del hacer y en este sentido dibujar es la manera de escribir propia del taller. Esta escritura se expresa en el libro “Arriba del suelo, abajo del suelo”, una publicación hecha en coautoría con Magdalena Recordón, que narra en dibujos, la ficción de una figura que en su transformación comunica los espacios del arriba y del abajo del suelo. “En mi comprensión, lo que he estado haciendo constantemente es conectando lo de abajo con lo de arriba. Pensando el suelo como una dimensión de dos caras, como el espejo de Alicia en la historia de Lewis Carroll; dos mundos comunicados, que no se reflejan sino que nos permite ver lo que tiene de inverso el uno del otro, ver la infidelidad de los fantasmas con las cosas del mundo”.

La última escena de la exposición es una sala de proyección en la que se exhiben dos piezas de video: “Los lados de una tortuga” de Carolina Saquel y “La caída” de Claudia Aravena. Cada pieza es resultado del encargo de realizar un video, tomando como punto de partida, la visita a la laguna de Aculeo y el peregrinar sobre su suelo.

 

Imágenes: dibujos de Francisca Sánchez.

Exposiciones actuales en el MAVI

FRANCISCA SÁNCHEZ nació en Santiago, en 1975. Licenciada en Arte y Antropología, y Magíster en Artes Visuales de la Universidad de Chile. En el 2004 participa en la residencia De Ateliers en Amsterdam y dos años después se integra al programa de investigación artística La Seine de l’École Nationale Supérieure des Beaux Arts de Paris.

Durante el tiempo que vive en el extranjero es becada por las entidades en las que participa, lo que le permite dedicarse exclusivamente a la experimentación y al trabajo sistemático en el taller. Esto marcará su quehacer artístico proponiendo la práctica de la escultura como una metodología para entender el mundo. Francisca ha expuesto en Santiago, Ámsterdam, Madrid, Lima, Seúl, París, Nueva York, Praga, Montevideo y Santa Cruz.

El 2009, de regreso en Chile, funda junto a María Berríos e Ignacio Gumucio el colectivo y editorial vaticanochico, que postula la curiosidad como motor del conocimiento y del autoaprendizaje. Actualmente, vive y trabaja en Santiago, compartiendo su tiempo entre sus investigaciones y la enseñanza en la Escuela de Arte de la Universidad Diego Portales.

Fotografía: Archivo personal.

Video accesible: Proceso creativo de la exposición “Suelo” de Francisca Sánchez.
Conversación con el artista Matías Movillo en el taller de la artista.

  • Grabación y edición: Naira Films. / Sonido directo: Esteban Sandoval.
  • Subtítulos e interpretación a Lengua de señas chilena: Pupa Studio Creativo.

El Museo de Artes Visuales forma parte del Programa de Apoyo a Organizaciones Culturales Colaboradoras del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio, que busca fortalecer y dar continuidad a instituciones y organizaciones culturales de derecho privado y sin fines de lucro. Este programa además es parte del Sistema de Financiamiento a Organizaciones e Infraestructura Cultural del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio que integra, articula y coordina de forma transversal los planes, programas y fondos orientados al fomento y apoyo de las organizaciones, de la infraestructura cultural, y de la mediación artística. Todo esto con una vocación descentralizada, mecanismos participativos, y la promoción de la creación de redes y asociaciones.

Exposición “Desde mi ventana” en Los Andes

Exposiciones, Exposiciones Itinerantes

Septiembre – Octubre 2021 en Los Andes

Colección MAVI en itinerancia con la exposición “Desde mi ventana” en Los Andes

 

El Museo de Artes Visuales, MAVI se ha propuesto la misión de mostrar su colección más allá de los muros de su edificio institucional de la calle José Victorino Lastarria, como una forma de acercar al arte contemporáneo chileno a un público descentralizado. Durante septiembre y octubre de 2021, la exposición está en el Centro Cultural de Los Andes, ubicado en calle Maipú 475.

 


Las ventanas son umbrales para la mente humana,
como una forma de conectar con el universo
y buscar nuevas posibilidades.

 

El Museo de Artes Visuales MAVI, a través de una nueva reinterpretación de su Colección de Arte Contemporáneo Chileno, invita a repensar e imaginar DESDE MI VENTANA.

Nunca como en último tiempo las ventanas y balcones se han convertido en los ojos con los que nos asomamos al mundo. Desde ahí nos apartamos de la soledad, porque la ventana nos conecta con el mundo exterior, compartimos los aplausos a los trabajadores de la salud, la música con los vecinos o se escuchan los cantos de los pájaros. Desde ahí también se visitan nuestras emociones y nuestros pensamientos toman forma en la ventana interna, la más íntima.

La ventana como motivo pictórico, cuya forma se insinúa en la misma cuadratura del lienzo, ha sido un elemento emblemático de representación artística durante siglos, y lo sigue siendo. Técnicamente, la ventana cuando se representa en una pintura funciona como un dispositivo de encuadre que facilita el acceso pictórico tanto a la naturaleza como al proceso de creación artística.

Dentro de la historia del arte, ya León Battista Alberti se pronunciaba frente a uno de sus cuadros como: “es una ventana abierta a través de la cual puedo mirar la historia”, así como también Leonardo Da Vinci dijo: “hay perspectiva allí donde el cuadro se transforma, de alguna manera, en una ventana”.

La ventana, ese objeto cotidiano por donde podemos mirarnos sin asfixia y permitir que la creatividad vuele, nos permite una atravesar su reflejo para navegar por el mundo interior. Una ventana es signo de deseo y de libertad, pero también una invitación a perder el miedo, una apertura a lo misterioso y desconocido que puede ser nuestro futuro.

DESDE MI VENTANA Colección MAVI es un reencuentro con el arte como imagen de esperanza que pareciera indicarnos que todavía es posible ver más allá. Así se plantea la invitación a contemplar y reflexionar frente a las obras y frente a las propias experiencias actuales.

 

LA VENTANA COMO PASAJE

La inmensidad que nos propone la mirada a través de la ventana es el movimiento del ser humano inmóvil. Las ventanas marcan los pasos entre el interior y el exterior. En este sentido, la ventana no es una puerta, no supone un tránsito físico sino mental, de ahí es que la ventana nos entrega ese pasaje para viajar sin límites, una poderosa evocación fuera de campo desde un espacio doméstico, creando un poderoso imaginario exterior.

Las ventanas nos recuerdan aquella aspiración romántica del extrañamiento, la necesidad de ir siempre más allá, deseamos estar lejos, en otro espacio. En este sentido, la ventana es un espacio para el recuerdo y para la ausencia: una incitación a la memoria.

 

LA VENTANA COMO ESPEJO

Estar delante de la ventana no sólo nos conduce únicamente hacia lo que está ocurriendo afuera, sino que reclama una instropección interior, un posible encuentro con nuestro yo. Ante la ventana se vive en la frontera entre el mundo interior-cerrado y el exterior-abierto. La mirada se nos presenta como una mirada al espejo, haciéndonos mirar hacia adentro y preguntarnos, por ejemplo, ¿cómo me siento?, ¿qué deseo?, ¿quien soy?, ¿que quiero?

Ante un personaje frente a una ventana nos preguntamos ¿qué mira?, pero también ¿qué piensa?, ¿qué siente? Evoca el sueño y nos permite ver lejos, ver otras cosas, otros mundos internos. La ventana deviene como pantalla de nuestra mente.

 

LA VENTANA COMO VITRINA

La ventana no es sólo apertura al paisaje interior-exterior de nosotros, sino también al mundo de los otros. Las ventanas también permiten que seamos observados dentro de nuestra cotidianidad. Se convierten en el marco de las obras de nuestras propias vidas cotidianas, con escenas interiores, rincones de jardín, naturalezas muertas y figura humana que habita en un interior.

En la ventana, lo interior y lo exterior, lo próximo y lo lejano, el autor y el lector, se con-funden y se vuelven intercambiables. Toda mirada tiene multiplicidad de significados a la vez. Y es así como vemos el mundo: como algo que se encuentra fuera de nosotros, aunque no sea sino una representación mental de aquello que, simultáneamente, experimentamos en nosotros mismos.

 

Exposiciones actuales en el MAVI

El Museo de Artes Visuales forma parte del Programa de Apoyo a Organizaciones Culturales Colaboradoras del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio, que busca fortalecer y dar continuidad a instituciones y organizaciones culturales de derecho privado y sin fines de lucro. Este programa además es parte del Sistema de Financiamiento a Organizaciones e Infraestructura Cultural del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio que integra, articula y coordina de forma transversal los planes, programas y fondos orientados al fomento y apoyo de las organizaciones, de la infraestructura cultural, y de la mediación artística. Todo esto con una vocación descentralizada, mecanismos participativos, y la promoción de la creación de redes y asociaciones.

Exposición Diorama en expansión

Exposiciones

Desde el 25 de septiembre al 28 de noviembre 2021 en el MAVI

Exposición: Diorama en expansión 
de Rodrigo Arteaga

 

La exposición Diorama en expansión reunió una serie de esculturas, obras gráficas y sonoras que apuntan a buscar nuevas formas de lenguaje y categorización para el universo de lo vivo y sus infinitas interacciones. La fragilidad que sufren actualmente los ecosistemas que sustentan la vida, ponen de manifiesto el fin de una era de contradicciones en la disputa del ser humano como especie dominante para mostrar una geografía abundante en seres invisibles y fundamentales para nuestra existencia.


 

Una de las obras centrales de esta exposición hizo eco del gran impacto que tienen los incendios forestales y el excesivo uso de monocultivos en los ecosistemas. Trabajando en un amplio rango de escalas y medios, la presente exposición busca crear una imagen que refleje de alguna manera las interacciones humanas  y no humanas en Chile, su fragilidad y acelerada transformación, así como también llamar nuestra atención sobre el rol que cumplen diferentes seres como hongos, murciélagos y líquenes en mantener el equilibrio de nuestros ecosistemas. 

Entendida como un diorama de historia natural, esta exhibición se toma como un dispositivo que, al ser deconstruido, permite repensar a su vez en la idea de naturaleza como construcción cultural y en particular en el contexto chileno, presentando conceptos como ausencia, extinción y la agencia humana en el ecosistema.

Diorama en expansión es parte del Premio MAVI Arte Joven 2020, contó con la curaduría de Carolina Castro Jorquera, y fue producto de una colaboración de largo aliento entre Rodrigo Arteaga y la curadora, así como también con artesanas/os, biólogas/os, ilustradoras/es, sonidistas y artistas sin quienes este proyecto no hubiese sido posible. La exposición cuenta con la colaboración de Marcela Mella; Danitza Moya; Catalina Huala; Sandra Aranda y Roberto Sandoval del colectivo Manos del Sur; Gabriel Arteaga; Gregorio Fontén de Laboratorio del Eco; Robert Muñoz Alocilla y Antonia Flandes de FungiFest; Cristóbal Stock; Adam M. Wilson; Irene Abujatum de Galería AFA; Ricardo Rozzi; Raisa Bosich; Pablo Arteaga; José Mulatti; Katia Abarca y Javier López; Romy Rementeria y Mark Long.

La práctica de Rodrigo Arteaga transita entre la instalación, escultura, dibujo, libros, sonido, música y video. Su trabajo apunta a disolver la dicotomía entre naturaleza y cultura, a través del análisis de dispositivos y métodos asociados a la historia de la ciencia. 

Su interés en trabajar a través de diferentes áreas del pensamiento lo ha llevado a colaborar con especialistas en campos como la Microbiología, Bio-Fabricación, Micología, Historia Natural, Botánica y Arquitectura. Su trabajo frecuentemente aborda las complejidades entre relaciones humanas y no-humanas, la fragilidad del conocimiento y las certezas, desenterrando los enigmas codificados de nuestra relación con el entorno.

Imagen que acompaña el texto: “Dispositivo para sostener un árbol” de Rodrigo Arteaga.

Exposiciones actuales en el MAVI

Imagen principal: Detalle de “Variaciones de hongos: shiitake” de Rodrigo Arteaga. 2021.

RODRIGO ARTEAGA (Santiago de Chile, 1988) vive y trabaja en Valparaíso, Chile. Master of fine arts en Escultura, Slade School of Fine Art, University College London (2018) y licenciado en Artes Visuales con mención en Grabado, Universidad de Chile (2010) donde obtiene el título de Grabador.

Entre sus exposiciones individuales destacan “Placed into abyss” en Kostka Gallery, Meet Factory en República Checa; “This path one time long time ago” en el Potteries Museum en el Reino Unido; “Just as the daylight was fading” en Sobering Galerie en Francia; “De ideas una historia natural, parte II” en Galería Tajamar en Chile; “Hybridae” en Galería AFA en Chile. 

Ha sido parte de la VII Moscow International Biennale for Young Art en Rusia; IV Trienal Poli/Gráfica de San Juan, América Latina y el Caribe en Puerto Rico; Bienal Internacional SIART 2013 en Bolivia; 11ª y 14ª Bienal de Artes Mediales en Chile. Su trabajo ha sido parte de exposiciones grupales en Hong Kong, Francia, Reino Unido, Alemania, España, Bolivia, Perú, Puerto Rico, Argentina, Venezuela, Colombia y Chile.

Imagen: retrato de Rodrigo Arteaga. Praga. 2018. Libor Galia.

El Museo de Artes Visuales forma parte del Programa de Apoyo a Organizaciones Culturales Colaboradoras del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio, que busca fortalecer y dar continuidad a instituciones y organizaciones culturales de derecho privado y sin fines de lucro. Este programa además es parte del Sistema de Financiamiento a Organizaciones e Infraestructura Cultural del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio que integra, articula y coordina de forma transversal los planes, programas y fondos orientados al fomento y apoyo de las organizaciones, de la infraestructura cultural, y de la mediación artística. Todo esto con una vocación descentralizada, mecanismos participativos, y la promoción de la creación de redes y asociaciones.

Exposición Pinturas de Aventura y Pararrayos

Exposiciones

Desde el 28 de agosto al 4 de noviembre 2021 en el MAVI

Exposición doble: Pinturas de Aventura y Pararrayos 
de los artistas Rodrigo Galecio y Tomás Rivas

 

El arte y la cultura pop, la pintura constructivista y el cubismo, el textil precolombino y la abstracción geométrica sudamericana, entre otras referencias, se sitúan dentro de las inquietudes de Rodrigo Galecio. Por su parte, Tomás Rivas responde de manera crítica, especulativa, contradictoria e imaginativa a la cuestión del artista como artesano, reuniendo una multiplicidad de referentes iconográficos, que aluden al diseño, la ornamentación y la arquitectura. Se trata de dos artistas, amigos y compañeros de taller por más de una década que presentaron dos exposiciones individuales dentro de Pinturas de Aventura y Pararrayos en el Museo de Artes Visuales.


Para visitar el MAVI, inscríbete sin costo pinchando aquí y completando el formulario de mavi.cl/visitanos


Las exposiciones Pinturas de Aventura y Pararrayos son dos en una. La razón de esto es que, en principio, los artistas Rivas y Galecio trabajan en el mismo taller, compartiendo el mismo espacio, desde hace once años. Si bien, se conocen y son amigos desde que entraron a la Escuela de Arte en 1994, en la práctica, sus modos de trabajo se han ido interrelacionando progresivamente al experimentar en el mismo laboratorio: intercambian materiales y herramientas, comparten recetas, formulan figuraciones, experimentan catástrofes, aventuras y pinturas, rayos y centellas.

Así, como las obras que salen de un taller de producción artística medieval o renacentista, sus trabajos manifiestan inquietudes individuales y colectivas, cruces de sensibilidades estéticas, visiones imaginarias personales y grupales que surgen en la coexistencia vivida mediante sus procesos de creación artística. En esta lógica, la exposición que vimos en el MAVI se trató de un ensayo y una oportunidad para exhibir no sólo unas obras, sino el modo de una relación.

La serie principal correspondió a la de más reciente producción Pinturas de Aventura de Rodrigo Galecio. “En esta puse en marcha algunos recursos y/o principios de trabajo que provienen del cómic como, por ejemplo, la formulación de un personaje que transita por el espacio plástico de las pinturas”, señala el artista. 

Respecto a la configuración del personaje, que se llama señor Plano, su característica particular es que está sujeto a la estructura geométrica de la imagen, de tal forma que es la geometría la que configura su aspecto. Se trata, esencialmente, de un triángulo que aparece según la morfología que sostiene el sistema de orientaciones que, para la mirada, se sitúa en la pintura. Cada cuadro, entonces, sería una especie de aventura que vive señor Plano que no es otra que la experiencia de hacer y ver una pintura o las pinturas en general y que cada vez se manifiesta según diferencias al nivel del color, del estilo, de elementos simbólicos y de las referencias representadas, entre otros elementos configuradores.

Imagen: Obra de Rodrigo Galecio. Señor Plano en: mapeo iconográfico para un autorretrato metacultural, 110×150 cm, acrílico sobre tela sobre tabla, 2019-20.

La exposición Pararrayos de Tomás Rivas reunió el trabajo que ha realizado durante los últimos cuatro años. “La muestra se compuso de más de cincuenta obras realizadas en mi taller en distintos formatos y técnicas, que fueron incorporadas en la creación de obras murales específicas para distintas salas del museo. Estos trabajos comenzaron a organizarse y producirse en un formato de series, bajo distintas ideas y procesos que, en términos generales, se caracterizan por la multiplicidad de referentes iconográficos y experiencias personales reflejadas en imágenes. Tanto en el total como en sus partes y fragmentos, prevalece un pensamiento divergente que conjuga y configura imágenes de manera libre y asociativa”, explica Tomás Rivas.

A raíz de la apertura con la que se emprende este trabajo, se reconoce la construcción de una identidad visual híbrida o mestiza. Tiene un marcado interés por un tipo de museografía o puesta en escena de las obras que intenta complejizar los límites o bordes entre el objeto/obra y su contexto. En particular, destacan pinturas y dibujos realizados sobre planchas de yeso, un material bastante convencional en la construcción de interiores, que como soporte de dichas obras, adopta la función de una doble capa de muro y establece un puente directo con la arquitectura y configuración del espacio existente.

Imagen: Obra de Tomás Rivas. Corriente alterna 03 – fuste dórico con acanaladuras de ángulos vivos. Acrílico, esmalte sintético y tape libre ácido sobre tela. 120 x 120 cm, 2019-21.

 

Esta exposición fue realizada con el apoyo de la Dirección de Artes y Cultura, Vicerrectoría de Investigación, Pontificia Universidad Católica de Chile.

Rodrigo Galecio (Santiago, 1972) es artista y profesor asociado en la Escuela de Arte en la Facultad de Artes de la P. Universidad Católica de Chile. Estudió Licenciatura en Artes en la P. Universidad Católica de Chile. Además, realizó dos maestrías, una en el Departamento de Pintura de la Universidad Complutense de Madrid, España, y otra en la Facultad de Filosofía y Humanidades de la Universidad Católica Alberto Hurtado. A finales del 2009 co-funda en Santiago, junto a otros cuatro artistas chilenos, Taller Bloc, un espacio dedicado a la producción, formación y difusión de las artes visuales.

Desde 1998, expone periódicamente su trabajo tanto en Chile como en el extranjero. Entre sus exposiciones individuales, las más destacadas en Santiago de Chile han sido RaM (2006) y HCO: Homenaje a Carlos Ortúzar (2010), ambas en Galería de Arte Contemporáneo Die Ecke; La tragedia del color (Homenaje a Alfonso Echeverría) (2014) en Galería XS; Estudio Libre (dic 2015 – ene 2016) en galería Tajamar; Cartoon (2017) y Zapping (2019), ambas en Galería Técnica. Fuera del país, ha participado en exposiciones colectivas de Estados Unidos, Australia y España.

Tomás Rivas (Santiago, 1975) es artista y profesor en la P. Universidad Católica de Chile. Obtuvo un Master in Fine Arts de la Universidad de Notre Dame, Estados Unidos (donde fue profesor visitante durante 2012), así como un Postítulo y Licenciatura en Arte de la P. Universidad Católica de Chile. A finales del 2009 co-funda en Santiago, junto a otros cuatro artistas chilenos, Taller Bloc, un espacio dedicado a la producción, formación y difusión de las artes visuales.

Ha expuesto de manera individual en la galería Die Ecke Arte Contemporáneo, Santiago; Galería AMS Marlborough, Santiago; Casa E, Valparaíso; Cristin Tierney Gallery, Nueva York; Douz and Mille, Washington DC. Y ha participado de exposiciones colectivas en Argentina, Alemania, Australia, Brasil, Chile, Estados Unidos, Francia, Israel e Inglaterra. Ha obtenido reconocimientos como Beca AMA (2008); Scope Emerging Artist Grant de Fundación Scope de Nueva York (2006); Beca de investigación de la Arquitectura Antigua con Robin F. Rhodes de 1984 Foundation Fellowship, Corinto, Grecia (2004); Premio Internacional a alumnos graduados de Master in Fine Arts y Beca Académica de la University of Notre Dame.

Exposiciones actuales en el MAVI

El Museo de Artes Visuales forma parte del Programa de Apoyo a Organizaciones Culturales Colaboradoras del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio, que busca fortalecer y dar continuidad a instituciones y organizaciones culturales de derecho privado y sin fines de lucro. Este programa además es parte del Sistema de Financiamiento a Organizaciones e Infraestructura Cultural del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio que integra, articula y coordina de forma transversal los planes, programas y fondos orientados al fomento y apoyo de las organizaciones, de la infraestructura cultural, y de la mediación artística. Todo esto con una vocación descentralizada, mecanismos participativos, y la promoción de la creación de redes y asociaciones.

Exposiciones virtuales MAVI 3D

Exposiciones

El Museo de Artes Visuales MAVI ha desarrollado recorridos virtuales en 3D para poder compartir algunas de sus exposiciones con quienes no han podido ir presencialmente al edificio del museo ubicado en el Barrio Lastarria, Santiago de Chile.

 

Agradecimientos a VirtualFlip

Exposiciones actuales en el MAVI

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El Museo de Artes Visuales forma parte del Programa de Apoyo a Organizaciones Culturales Colaboradoras del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio, que busca fortalecer y dar continuidad a instituciones y organizaciones culturales de derecho privado y sin fines de lucro. Este programa además es parte del Sistema de Financiamiento a Organizaciones e Infraestructura Cultural del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio que integra, articula y coordina de forma transversal los planes, programas y fondos orientados al fomento y apoyo de las organizaciones, de la infraestructura cultural, y de la mediación artística. Todo esto con una vocación descentralizada, mecanismos participativos, y la promoción de la creación de redes y asociaciones.

Exposición Interrogar / Devorar la Imagen

Exposiciones

1 julio a 12 septiembre 2021

Esta muestra, ubicada en las salas 1 y 2 del Museo de Artes Visuales, presentó obras cuya reflexión se concentra en nuestra relación con las imágenes, deformándolas, diseccionándolas, descomponiéndolas, invirtiéndolas de su sentido dado.

El estatuto de la representación en su construcción, el temor a las imágenes, se grafica o toma forma en diversos medios, prevaleciendo quizás lo pictórico (algo muy local). Materialidades, discursos y desplazamientos de campo elaboran a partir de esta impronta que ha entregado al itinerario nacional varias trayectorias sobresalientes.

Artistas: Carlos Altamirano, Natalia Babarovic, Juan Castillo, Cristóbal Cea, Gonzalo Díaz, Eugenio Dittborn, Pilar Elgueta, Klaudia Kemper, Catalina Parra, Jorge Tacla, Patricia Vargas, Ulrich Welss.


 

Interrogar la imagen

por la curadora Carolina Castro

En el cruce generacional propuesto por esta exposición, desde el reconocimiento compartido, surge un modo poderoso de investigación y estimulación en torno a la construcción de la imagen. Cada artista ha escogido una gran diversidad de medios para ello. En las obras de este conjunto parece emerger una sensibilidad común en la que el pasado no es pasado, y donde la autoconciencia y la relación de uno, la propia biografía, con el poder recursivo del discurso visual, sustenta la disputa intelectual de la imagen artística.

En el presente existe una tensión teórica, una dialéctica, entre objeto e imagen, entre lo virtual y lo real, lo material y su significado que se conecta además a la forma en que las imágenes viajan como objetos y circulan en la esfera pública, entre imaginarios culturales y temporalidades.

Nos preguntamos, ¿por qué no comprometer la materialidad de la imagen junto con la materialidad de otros elementos visuales?, ¿cómo se piensa el medio a través de la imagen que contiene?, ¿por qué no considerar las imágenes inmateriales que existen dentro de nuestras mentes y memorias, no encarnadas y sin embargo dentro de nuestros cuerpos?, ¿pueden llevar las imágenes a otras formas de la organización de lo sensible, a interferencias donde lo individual lleve también a lo colectivo?

Esta selección indaga en la posibilidad de extender el espíritu de la producción visual chilena de los últimos cuarenta años interrogándose sobre la trascendencia de las imágenes, su arraigo dentro de las estructuras de poder, así como su curso y creación de realidades.

 

Devorar la imagen

por la curadora Carol Illanes

¿Qué es la imagen? Nuestra permanente y progresiva sobreexposición a ellas no nos ayuda ciertamente a poder definirlas. Nuestro temor y desconfianza, y el querer apuntar todo lo que no está ahí y todo lo que sí está, al contrario, las diluye y nos impide alcanzar su verdadera naturaleza.

Las imágenes son siempre producto de un concepto. Los sujetos y épocas tras ellas todas las veces emergen. Pero lejos de ser solo instrumentos de representación, simples canales al servicio consciente o inconsciente de manipulaciones, la imagen es poder y pretensión; ocupa el lugar de lo que no está, de lo ocurrido ya perdido e incluso aquello que “nunca fue”. Su lugar dentro de nuestra relación con lo real nos instala en varias paradojas: cuando nos obliga a denunciar sus límites, su ser-limitado la confirma como pura permanencia y autonomía.

Pero porque nos vemos impedidos de encerrarla en los límites de su materialidad, la imagen será siempre un suspenso, algo que nos deja suspendidos.  Definida como viviente y pensante, la imagen es parte –objeto predilecto pero también matriz– del pensamiento occidental. Como establece W.J.T. Mitchell, denunciar la potencia de las imágenes o negarlas es lo mismo: los dos actos expresan la misma ansiedad o reconocimiento delante de dicha potencia.

Bajo esa extraña paradoja y innegable ansiedad, el arte “invierte” en las imágenes, resucitando su función crítica y proponiendo una actitud ante ellas: reconocer que si bien tienen el poder de tocar lo ausente y volver presente lo distante, lo que hay que buscar es precisamente controlar en lo posible ese autoexcedente exorbitante, ese infinito entre lo que es y lo que no es. Antes que nos devoren, dicen los artistas, hay que devorarlas, y volverlas otra cosa.

 

Imágenes de la exposición “Interrogar / Devorar la Imagen” (por Jorge Brantmayer)

EXPOSICIONES ACTUALES EN EL MAVI

CAROLINA CASTRO JORQUERA (San Felipe, Chile, 1982) es curadora e investigadora en arte contemporáneo. Doctora en Historia del Arte de la Universidad Autónoma de Madrid, actualmente es profesora del Magíster en creación y estudios de la imagen de la Universidad Finis Terrae y se encuentra co-investigando la Colección MAVI.

Ha cursado el Master en Arte Contemporáneo y Cultura Visual del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia, en España y ha participado en el Cuarto Curso Internacional de Curadores de la Bienal de Gwangju (GBICC), Corea del Sur. Sus escritos han sido publicados en revistas como Artishock, Latinxspaces, The Miami Rail, Terremoto y en la plataforma online de la Colección Patricia Phelps de Cisneros. Su investigación doctoral “El Camino de la conciencia: Mira Schendel, Víctor Grippo y Cecilia Vicuña” fue publicada en ediciones UFT, 2020.

CAROL ILLANES LÓPEZ (Santiago, Chile, 1987) es curadora e investigadora en arte contemporáneo chileno y latinoamericano. Magíster en Historia e Crítica da Arte en la Universidade Federal do Rio de Janeiro y Licenciada en Teoría del Arte e Historia del Arte en la Universidad de Chile, se encuentra co-investigando la Colección MAVI.

Entre sus exhibiciones están “Señales Aleatorias: retrospectiva de Arte Sonoro en Chile” (Parque Cultural Valparaíso, 2016) y “Chulos chunchules chilenos: Piero Montebruno y Paz Errázuriz” (Galería D21, 2018). Co-directora de la revista digital Arte y Crítica (2014-2016) y co-autora de los libros “Trabajo en Utopía: monumentalidad arquitectónica en el Chile de la Unidad popular” (Adrede Editora, 2012)” y “Fuera y dentro del arte contemporáneo: comunidad y territorio en las prácticas colaborativas de Valparaíso” (Adrede Editora, 2015).

El Museo de Artes Visuales forma parte del Programa de Apoyo a Organizaciones Culturales Colaboradoras del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio, que busca fortalecer y dar continuidad a instituciones y organizaciones culturales de derecho privado y sin fines de lucro. Este programa además es parte del Sistema de Financiamiento a Organizaciones e Infraestructura Cultural del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio que integra, articula y coordina de forma transversal los planes, programas y fondos orientados al fomento y apoyo de las organizaciones, de la infraestructura cultural, y de la mediación artística. Todo esto con una vocación descentralizada, mecanismos participativos, y la promoción de la creación de redes y asociaciones.

Exposición colectiva LA DERIVA DEL GESTO Y LA FORMA

Exposiciones

Consuelo Lewin y Carlos Navarrete estuvieron a cargo de la curaduría de la exposición colectiva “La Deriva del Gesto y la Forma”, que se pudo visitar presencialmente en el Museo de Artes Visuales entre el 2 de junio y el 15 de agosto de 2021.

Reunió obras de 21 artistas: Jaime Alvarado, Magdalena Atria, Ciro Beltrán, Josefina Concha, Sofía Donovan, Colomba Fontaine, Rodrigo Galecio, Félix Lazo, Consuelo Lewin, Cristián Mono Lira, Paulina Mellado, Francisco Morán, Carlos Navarrete, Ricardo Pizarro, Ximena Rojas, Macarena Ruiz Tagle, Malu Stewart, Francisca Sutil, Valentina Valladares, Andrés Vio y Rodrigo Zamora.


 

Considerando una era en donde todos los continentes estuvieron unidos o formaron una gran masa territorial sobre nuestro planeta, esta exposición reflexionó respecto a las nociones de Deriva y Forma, tomando como punto de partida la idea de la Abstracción como visualidad plástica centrada en el oficio de la pintura.

En otras palabras, la exposición indagó sobre cuáles serían esos continentes que en la actualidad desde lo pictórico alguna vez conformaron un gran territorio llamado “Pintura No figurativa”. Por tal motivo en la puesta en escena se privilegió dar cabida a un conjunto de obras que a lo largo de los últimos treinta años han permitido leer motivaciones o ideales estéticos, ligados al problema del color, la noción de geometría, el sentido del gesto, la problemática del formato y su espacio o el trabajo con objetos, para configurar un panorama de posibilidades respecto a este oficio.

Los curadores de la muestra, Consuelo Lewin y Carlos Navarrete, al convocar a esta veintena de artistas trataron de usar la teoría de la tectónica de placas y la deriva continental para dar forma a la puesta en escena, pero al mismo tiempo para analizar la idea de la pintura como un campo en permanente expansión e interpenetración con otros lenguajes visuales.

Lo anterior se comprende de mejor manera cuando se toma la reflexión del geólogo Gustavo Tolson, sobre las propuestas de geólogos y científicos que estudiaron la existencia de supercontinentes como Gondwana (concepto del geólogo Eduard Suess), Pangea (concepto del astrónomo y meteorólogo Alfred Wegener) y Laurasia (concepto del geólogo Alexander Du Toit).

El proyecto curatorial se presentó a partir de campos de trabajo, los que a la manera de continentes componen las diversas nociones de pintura no figurativa en la escena local: continente de la mancha como deposición y gesto; continente de la forma, el objeto y su espacio; territorio de la forma blanda y la naturaleza orgánica; y espacios monocromos.

Exhibit “Drifting Gestures and Shapes”

Consuelo Lewin and Carlos Navarrete are the curators in charge of the collective exhibition that is presented at the Museo de Artes Visuales bringing together the works of 21 artists: Jaime Alvarado, Magdalena Atria, Ciro Beltrán, Josefina Concha, Sofía Donovan , Colomba Fontaine, Rodrigo Galecio, Félix Lazo, Consuelo Lewin, Cristián Mono Lira, Paulina Mellado, Francisco Morán, Carlos Navarrete, Ricardo Pizarro, Ximena Rojas, Macarena Ruiz Tagle, Malu Stewart, Francisca Sutil, Valentina Valladares, Andrés Vio and Rodrigo Zamora .

This exhibition reflects on the notions of drift and shape, considering an era where all the continents were united or formed a large territorial mass on our planet, using the idea of abstraction as a plastic visuality focused on the craft of the painting as its starting point.

In other words, the exhibition explores what those continents would be like today from a pictorial point of view that once made up a large territory called “Non-figurative Painting”. For this reason, the staging has been a privilege to accommodate a set of works that throughout the last thirty years has allowed us to read motivations or aesthetic ideals related to the problem of color, the notion of geometry, the sense of gesture, the problems of formatting and its space or working with objects to configure a panorama of possibilities regarding this profession.

The exhibition´s curators, in bringing together these twenty artists, have tried to use the theory of plate tectonics and continental drift to shape the staging, but at the same time, to analyze the idea of painting as a field that is constantly expanding and penetrating other visual languages.

This is best understood when reflecting on geologist Gustavo Tolson, on the proposals of geologists and scientists who have studied the existence of supercontinents such as Gondwana (geologist Eduard Suess´ concept), Pangea (astronomer and meteorologist Alfred Wegener´s concept) and Laurasia (geologist Alexander Du Toit´s concept).

The curatorial project is presented from fields of work, which in the manner of continents, make up the various notions of non-figurative painting at the local scene: continent of stain as deposition and gesture; continent of form, object and its space; territory of the soft form and organic nature; and monochrome spaces.

Traducción: Eric Caravacci

VIDEO. El curador Carlos Navarrete habla de la exposición “La Deriva del Gesto y la Forma”

Imagen: detalle de Minimal y Marginal Series. After Brice Marden de Carlos Navarrete.

Audiodescripción de obra por Félix Lazo. Para escucharla pincha en la imagen.

VIDEOS. Conversaciones MAVI: artistas de la exposición “La Deriva del Gesto y la Forma”

Material educativo del MAVI

El Museo de Artes Visuales forma parte del Programa de Apoyo a Organizaciones Culturales Colaboradoras del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio, que busca fortalecer y dar continuidad a instituciones y organizaciones culturales de derecho privado y sin fines de lucro. Este programa además es parte del Sistema de Financiamiento a Organizaciones e Infraestructura Cultural del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio que integra, articula y coordina de forma transversal los planes, programas y fondos orientados al fomento y apoyo de las organizaciones, de la infraestructura cultural, y de la mediación artística. Todo esto con una vocación descentralizada, mecanismos participativos, y la promoción de la creación de redes y asociaciones.

EXPOSICIÓN RENCONTRES: ENTRE EL AZAR Y LA VOLUNTAD

Exposiciones

Desde el 3 de marzo al 28 de mayo de 2021 en el MAVI – Presencial y virtual

Exposición “Rencontres: entre el azar y la voluntad” de Catalina Quezada Ortega

 

La exhibición “Rencontres: entre el azar y la voluntad”, que contó con la curaduría de Grace Weinrib y texto de la investigadora en arte contemporáneo Carolina Castro, mostró de manera presencial el trabajo de la artista Catalina Quezada Ortega en las salas 1 y 2 del Museo de Artes Visuales. Influenciada por el filósofo y estudioso del mundo chino, François Julien, esta exposición fue una invitación a redescubrir la intensidad y belleza que se esconde en los aspectos menos visibles de la vida.

Se pudo visitar presencialmente durante marzo de 2021 y luego pasó a exhibirse virtualmente debido a la cuarentena en la comuna de Santiago. Al salir de cuarentena, reabrió desde el 19 hasta el 28 de mayo 2021. Se incluyeron bordados de la artista invitada Josefina Quezada Ortega, inspirados en los mitos originarios de América que relata William Ospina en el libro “La serpiente sin ojos”.


  • Catalina Quezada ofreció una visita guiada para un grupo de personas que se inscribieron sin costo para conversar con ella en ese recorrido. 12 de marzo de 2021.
  • La artista realizó el Taller Emergente de su exposición “El acto de dibujar: un portal”, un espacio creativo que emerge de los temas y técnicas de esta muestra. 22 de abril 2021.
  • También se realizó la actividad online “La obra de arte como forma de pensamiento y espíritu”, una conversación en torno a la exposición, con la artista Grace Weinrib, que estuvo a cargo de la curaduría, y la investigadora en arte contemporáneo Carolina Castro. 6 de mayo de 2021
  • Finalmente, la artista realizó una visita guiada presencial como actividad de cierre de su exposición. 28 de mayo de 2021

La muestra se compuso principalmente de encáusticas sobre maderas de pequeño formato, de una serie de esculturas y de dibujos encerados. Las obras hablaban acerca de memorias, arquetipos, creencias y pensamientos profundos del ser humano. “El uso de la encáustica me ha permitido materializar imágenes provenientes de memorias antiguas del ser humano, por ejemplo cuando comúnmente mujeres y hombres consideraban los animales como comensales simbólicos y eventuales interlocutores espirituales”.

En relación a estas pinturas, la artista presentó una serie de esculturas de pequeño formato construidas a partir de objetos y materiales que se encontraban en las fundaciones de su casa en Valparaíso. “Estas esculturas (que son más bien objetos) son una extensión de mi interés en la capacidad de los objetos en crear relaciones físicas, afectivas, inconscientes y culturales entre las personas. Algunas de ellas han sido pensadas para el trabajo que realizo con niños en un hospital de día con orientación psicoanálitica”, señaló Catalina Quezada Ortega.

2020 MAVI Exp CQ Retrato

Catalina Quezada Ortega nació en Santiago de Chile en 1983. Estudió arte en la Ecole Supérieure des Beaux-Arts de Montpellier, Francia. De regreso a Chile en paralelo a su práctica artística, ha trabajado y colaborado con diversas instituciones psiquiátricas en el campo del arte.

Su trabajo ha sido expuesto en Chile, Francia, Bélgica y Escocia.

Fotografía por Vincent Dieval.

GALERÍA DE EXPOSICIÓN “RENCONTRES: ENTRE EL AZAR Y LA VOLUNTAD” DE CATALINA QUEZADA

Fotografías por Jorge Brantmayer

Primer piso

Segundo piso

EXPOSICIONES ACTUALES EN EL MUSEO DE ARTES VISUALES MAVI

Video: “La obra de arte como forma de pensamiento y espíritu”. Conversación en torno a la exposición de Catalina Quezada Ortega “Rencontres: entre el azar y la voluntad”, con la artista Grace Weinrib, que estuvo a cargo de la curaduría, y la investigadora en arte contemporáneo Carolina Castro.

Video sobre el proceso creativo de la exposición de Catalina Quezada, con traducción a Lengua de Señas Chilena y con subtítulos en español.

– Grabación y edición: Naira Films

– Sonido directo: Esteban Sandoval

– Post producción de audio y música: Plinio Verna

– Contenido accesible: Pupa Studio Creativo

PINCHA AQUÍ para leer el texto escrito por la investigadora de arte contemporáneo Carolina Castro sobre la exposición web “Rencontres: entre el azar y la voluntad” de Catalina Quezada Ortega.

Video: como preámbulo a la exposición presencial que se preparaba para 2021 en el MAVI, la artista Catalina Quezada Ortega hizo una inauguración virtual de la muestra a fines de septiembre de 2020.

El Museo de Artes Visuales fue inaugurado el 11 de abril de 2001 en la Plaza Mulato Gil de Castro, Santiago de Chile. Haz click aquí y conoce más del MAVI.

El Museo de Artes Visuales forma parte del Programa de Apoyo a Organizaciones Culturales Colaboradoras del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio, que busca fortalecer y dar continuidad a instituciones y organizaciones culturales de derecho privado y sin fines de lucro. Este programa además es parte del Sistema de Financiamiento a Organizaciones e Infraestructura Cultural del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio que integra, articula y coordina de forma transversal los planes, programas y fondos orientados al fomento y apoyo de las organizaciones, de la infraestructura cultural, y de la mediación artística. Todo esto con una vocación descentralizada, mecanismos participativos, y la promoción de la creación de redes y asociaciones.