Exposiciones

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ALBERTO CRUZ

Exposiciones

EL CUERPO DEL ARQUITECTO NO ES EL DE UN SOLO HOMBRE

Curadora: María Berríos

Curadora adjunta: Amalia Cross

 

SEP – NOV 2017

De primera mano –y en primera persona– los cuadernos de Alberto Cruz dan cuenta de su peculiar metodología de observación, una manera de pensar, enseñar, aprender y crear. Un lenguaje que es al mismo tiempo palabra y dibujo. La exposición, a cargo de la curadora María Berríos, presenta por primera vez los cuadernos inéditos de Alberto Cruz, que durante toda una vida fueron su laboratorio personal de experimentación y desarrollo de esta metodología, un archivo íntimo de su manera de recorrer, investigar y hacer mundo. Esto junto a otros documentos y ejercicios gráficos de su archivo personal que dan cuenta de facetas poco conocidas de Alberto Cruz y de cómo él re-significó lo que puede ser un arquitecto, a través de su propia experiencia.

Los papeles de Alberto Cruz están atravesados por su obra colectiva, aquella revolución de la arquitectura conocida internacionalmente como la Escuela de Valparaíso, cuyo legado vivo permanece en la Escuela de Arquitectura que re-fundó, el grupo Amereida y la Ciudad Abierta. Fue en esa experiencia de “unidad de  vida, trabajo y estudio”, a la que dedicó toda una vida, en que se fundamenta la pedagogía radical que Alberto Cruz desarrolló durante más de medio siglo. Para él la vida (y la arquitectura) no se puede aprender en las aulas, sino saliendo al mundo a recorrerlo.

En su deambular cotidiano Cruz llevaba consigo –al menos– tres cuadernos, hoy existen más de 2000 cuadernos escritos, rescritos, tachados, dibujados y desdibujados por él entre 1934 y 2013. Un fragmento de ellos constituyen el pulso de esta exposición que propone un recorrido, entre múltiples posibles, para explorar su obra. Esta, al igual que sus cuadernos, es continua, abierta e inconclusa, única, múltiple y, en su conjunto, posee la extensión de una sola frase sin comienzo ni fin. Constituye así “una escritura de la simultaneidad”, el modo en que Alberto Cruz definió el dibujo.

La curadora: María Berríos

Socióloga, editora y curadora independiente, vive entre Santiago de Chile y Copenhagen. Es miembro fundador, junto a los artistas Ignacio Gumucio y Francisca Sánchez, del colectivo vaticanochico. Berríos ha escrito extensamente sobre arte y cultura contemporánea en América Latina y más allá en diversas publicaciones internacionales.

Continuamente realiza conferencias, seminarios y talleres en múltiples instituciones artísticas y educacionales de Europa y América. Fue coeditora de documenta 12 magazines (2007). Junto a Lisette Lagnado, fue co-curadora de la exposición sobre arquitectura experimental en Chile y Brasil Desvíos de la Deriva (Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, 2010), acerca de arquitecturas artísticas en América Latina y curadora de la exposición Nuestro Caos, Nuestro Mar (2014), acerca de la Escuela de Valparaíso. Entre sus proyectos más recientes está The Revolution is a School of Unfettered Thought, realizado en colaboración con el artista Jakob Jakobson presentado en la 31 Bienal de Sao Paulo (y luego en la Bienal de
Gotemburgo, 2015 y en Tratados de Paz en San Sebastián, 2016).

Fundación Alberto Cruz

La Fundación Alberto Cruz Covarrubias nace en 2016 gracias a la voluntad de sus herederos, quienes deciden donar el conjunto de la obra inédita de su padre, la que constituye el principal patrimonio material de la misma y es reflejo de más de 70 años de trabajo creativo, artístico y docente.

Más de dos mil cuadernos y alrededor de 200 pinturas en distintas técnicas y formatos, entre otros documentos, componen el Archivo que custodia la Fundación, cuya misión es la investigación, desarrollo y difusión de la cultura y el arte, desde el aporte singular que significa para Chile y el mundo la creación artística, académica y cultural desarrollada a lo largo de su vida por el arquitecto y profesor de la Escuela de Arquitectura de la UCV y Premio Nacional de Arquitectura, 1975

 

SOLA TIERRA

Exposiciones

DE EMMA MALIG

JUL – AGO 2017

La muestra individual de Emma Malig está compuesta por dos instalaciones de grandes dimensiones, en las que – apelando a ciertas reminiscencias de las linternas mágicas – logra evocar de manera sutil, el desamparo y desarraigo de nómadas, exiliados y emigrantes que sin tener un lugar, lo sueñan y lo inventan.

Se trata de una obra etérea, en un material que se pliega y despliega, ligero y al mismo tiempo monumental. Trabaja con materiales muy variados; tradicionales como los papeles de distintas texturas o informales como encajes, hilos, gasas o finos alambres de acero (cuerdas de piano), etc. Los textos o palabras siempre presentes en las obras parecen inspirados en la poesía japonesa Haiku.

En un proceso complejo y profundo, la artista construye un relato silencioso y atemporal, que intenta reunir tanto la pérdida como la reconstrucción de un lugar.

 

Emma Malig’s individual exhibition is composed of two large installations, in which – appealing to certain reminiscences of the magic lanterns – it manages to evoke in a subtle way, the abandonment and uprooting of nomads, exiles, and emigrants who, without having a place, dream it and invent it.

It is an ethereal work, with material that folds and unfolds light and at the same time monumental. She works with very varied materials; tradicional such as papers of different textures, or informal materials like laces, threads, chiffons or fine steel wires (piano strings), etc. The texts or words always present in her works seem inspired by Haiku, the Japanese poetry. 

In a complex and profound process, the artist constructs a silent and timeless story, which attempts to gather both the loss and the reconstruction of a place.

 

 

 

SOLA TIERRA

BY EMMA MALIG

JUL – AUG 2017

Emma Malig’s individual exhibition is composed of two large installations, in which – appealing to certain reminiscences of the magic lanterns – it manages to evoke in a subtle way, the abandonment and uprooting of nomads, exiles, and emigrants who, without having a place, dream it and invent it.

is an ethereal work, with material that folds and unfolds light and at the same time monumental. She works with very varied materials; tradicional such as papers of different textures, or informal materials like laces, threads, chiffons or fine steel wires (piano strings), etc. The texts or words always present in her works seem inspired by Haiku, the Japanese poetry.

In a complex and profound process, the artist constructs a silent and timeless story, which attempts to gather both the loss and the reconstruction of a place.

 

EL FANTASMA DE LA UTOPÍA

Exposiciones

DE ARTURO DUCLOS

JUN – AGO 2017

Duclos revisita el fantasma de la utopía revolucionaria en Latinoamérica

Más de 30 años de carrera artística celebra el destacado artista nacional Arturo Duclos con esta exposición titulada El Fantasma de la Utopía, la cual ocupará el espacio principal del MAVI (5 salas) y la Plaza Mulato Gil de Castro con el fin de hacer una metáfora del decaimiento de estos ideales a través de una mezcla con las narrativas locales latinoamericanas, especialmente representada por sus fiestas populares religiosas y el kitsch.

Bajo la curaduría del español Paco Barragán, esta muestra ya tuvo una primera versión en una céntrica calle de la ciudad de Toronto, en Canadá, en el marco del Festival de Arte Internacional La Nuit Blanche del mes de octubre de 2016, con una superficie de banderas dispuestas sobre el pavimento, a modo de intervención pública (http://nbto.com/ ).

El Fantasma de la Utopía explora el sentido político de la utopía en el continente americano, contrastando los ideales libertarios que provienen de los diferentes grupos revolucionarios que trataron de imponer sus convicciones a través de la conciencia ideológica, la lucha armada y el terrorismo, inspirados en los grandes discursos revolucionarios del siglo XX. En palabras del propio artista: “recurro a la simbología y la iconología de las banderas de esos grupos y movimientos que, tradicionalmente, en Latinoamérica asociamos con el espíritu de liberación, otros mesiánicos y la utopía social: Tupamaros, EZLN, FARC, Sendero Luminoso, M-19, MIR, 26 de Julio, FPMR, MRTA , FSLN y otros tantos de menor duración, con el deseo de codificar el carácter fluctuante del texto semiótico y de la propia idea política de estos movimientos revolucionarios, en tanto que metáfora de alteración, ruptura y abandono como síndromes propios de la utopía”.

Como parte de un nutrido programa de mediación y diálogo con la comunidad que contempla esta exposición, se instalará en el patio de acceso al museo una tienda de campaña, llamada Cuartel General, que se constituirá en un centro de conversación a modo de talleres entre el público, los estudiantes, políticos y artistas, en torno a los tópicos que convoca la exposición y de acuerdo a un calendario que se fijará semanalmente.

Después del MAVI, El Fantasma de la Utopía viajará a la Región del Biobío, donde se exhibirá en Chillán (Centro Cultural Alfonso Lagos) y Concepción (Sala Principal de la Pinacoteca de la Universidad de Concepción), para luego presentarse en San Paulo, Brasil, y Buenos Aires, Argentina, en una circulación que se prolongará hasta el año 2019.

 

 

THE PHANTOM OF UTOPIA

BY ARTURO DUCLOS

JUN – AUG 2017

In a world in which mankind has experienced the greatest advances but also the greatest inequalities as said by Thomas Piketty, the mere idea of achieving happiness sounds like pure nostalgia nowadays. No one is surprised or has any doubt when we say that we lost faith in utopia some time ago. What is this about? Perhaps the answer requires another question: is utopia still valid as an aspiration for a better or even perfect society?

The exhibition Arturo Duclos: the Phantom of Utopia is part of a long-term project that reflects on the great narratives that have articulated the contemporary world and, in particular, on what they all promise without exception: the advent of utopia.

In face of the doubts that the future casts, Arturo Duclos questions the past investigating what happened with the utopias of the revolutionary movements that in Latin America tried to impose a more just society through armed struggle: Tupamaros, EZLN, FARC, Sendero Luminoso , M-19, MIR, 26 de Julio, FPMR, MRTA or FSLN, among others. Through striking symbology and iconography of the revolutionary movements flags, Duclos confronts the spectator not only with ideals associated with the spirit of liberation, messianism and social utopia, but also allows a subtle comparison with the present and the fate of leftist governments in the last two decades in Latin America: from Chavez, Kirchner, Morales, Correa and Lula to Mujica.

Through an interdisciplinary proposal ranging from drawing to sculpture, installation, painting, video, performance or photography that is displayed throughout four rooms of MAVI, the artist presents five thematic constellations -Banderas, Caporales, Escudos de armas, Memorabilia and Machina anemica, as well as Cuartel General, the tent located in the square of the museum that acts as a mediation point with the public.

Arturo Duclos: the phantom of utopia does not search for utopia in the future, but in the past, aware that the utopian spirit was permeated with nostalgia. And although the idea of utopia remains captivating, for Duclos it is like pursuing a necessary ghost that we vividly want to resurrect but never ends up appearing.

Paco Barragán
Curator

 

1/8 POR EL TODO

Exposiciones

DE PILAR ELGUETA

MAY  – JUN 2017

La muestra “1/8 Por el todo” apunta al octavo de un iceberg, que es la parte del bloque de hielo que se puede ver sobre el agua.

Pilar recorre kilómetros detrás de una quimera. Quiere demostrarnos, (¿demostrarse?) que la dificultad que significa la tarea propuesta no es un obstáculo suficiente como para no ir tras de ella. Como una heroína, la artista nos sumerge en la odisea de trasladar un iceberg, su propio iceberg, desde el taller en el centro de la ciudad hasta el lugar donde pudo encontrar otro, gemelo, real, con el cual contrastarlo. Infructuosa tarea. Nada es como se espera. Pero ¿espera algo? Creo que no; y entonces quizás nosotros, espectadores de esta gesta nos planteamos que el éxito podría no estar ahí, en la meta, sino en el quehacer.

La artista en un bote, frágil, expuesta, con su iceberg frente al iceberg. Extraordinaria metáfora visual de la inutilidad de la búsqueda de la representación en el arte. Al igual que en la obra ganadora del Premio Arte Joven 2015, con el asombroso título “Tres maneras de fracasar frente a un paisaje”, desnuda la posibilidad del fracaso para develarlo como el motor de su quehacer. La limitación entendida como el impulso generador para poder retomar una y otra vez el cuestionamiento sin respuesta del artista contemporáneo frente a la realidad. El mito de Sísifo.

María Irene Alcalde

 

Pilar Elgueta (Santiago, 1989) obtuvo el primer lugar en el X Premio MAVI / Minera Escondida Arte Joven Contemporáneo. Estudió en la Escuela de Arte de la Pontificia Universidad Católica de Chile, ha colaborado con el colectivo Museo Internacional de Chile (MICH), ha trabajado como Directora de Arte y Escenógrafa, y ha participado en residencias de investigación artística en Tubul y Lota, de la Región del Biobío, y en Puyuhuapi y el glaciar de la Laguna San Rafael, de la Región de Aysén.

Sus obras han sido expuestas en muestras colectivas en el Museo de Arte Contemporáneo (MAC), Museo de Artes Visuales (MAVI), Casona Santa Rosa de Apoquindo y Association Culturelle Oblik en París, entre otros.

 

 

1/8 FOR IT ALL

BY PILAR ELGUETA

MAY – JUN 2017

Pilar covers miles in search of her chimera. She wants to show us (or show herself perhaps?) that the difficulty of what she has chosen to carry out is not so great an obstacle as to stop her from attempting to do it. Like a true heroine, this artist takes us on her odyssey of moving an iceberg – her own – from the workshop in the heart of the city all the way to the place where she found another one, a real twin so to speak, against which she can contrast her own iceberg. A futile exercise. Nothing resulted as expected. But does the artist truly expect anything? I think not. And so perhaps we as spectators might conclude that success lies not in actually achieving the goal but rather in the undertaking itself.
The artist in a boat, fragile and vulnerable, with her iceberg opposite the other one. An extraordinary visual metaphor for how useless it is to seek representation in art. As with her 2015 Young Artists Award-winning work impressively entitled “Three Ways of Failing With A Landscape”, Pilar seizes the possibility of failure to reveal it as the engine which drives her art. Limitations interpreted as the creative momentum which moves the contemporary artist – time and again – to question reality wihout ever finding answers. The myth of Sisyphus.

The artist
Pilar Elgueta (Santiago, 1989) is a visual artist who won the first place in the X MAVI / Escondida Mine Young Contemporary Art Award.
She studied art at the Pontificia Universidad Católica de Chile and has worked as assistant professor in the same institution. She has collaborated with the International Museum of Chile (MICH), has worked as Art Director and Stage Designer in several performing art projects, and has participated in artistic research residencies and internships in places such as Tubul and Lota, Biobío, and also in Puyuhuapi and in the glacier of San Rafael Lagoon, in the Aysén Region.
Her works have been exhibited in collective exhibitions inside and outside Chile, in places such as the Museum of Contemporary Art (MAC), Museum of Visual Arts (MAVI), Casona Santa Rosa of Apoquindo, Cultural Center -Juventud Providencia- and Association Culturelle Oblik in Paris, among others.

 

LA OSCURIDAD VISIBLE

Exposiciones

DE MATÍAS MOVILLO

MAR – MAY 2017

En el presente conjunto de trabajos recientes de Matías Movillo confluyen dos asuntos que en principio podrían parecer muy distantes entre sí: por un lado, la noción de testimonio (a partir de recuerdos personales del pasado lejano), y por el otro, lo rotundamente sensorial (el implacable “aquí y ahora” físico propuesto por la imagen y la materialidad de cada una de estas pinturas).

Es decir, en este trabajo se manifiesta la decidida voluntad del autor por transformar lo autobiográfico -y todos sus fantasmas- en materia sensible.

Aunque suene a perogrullada, para funcionar, estas obras requieren de nuestra presencia. Para asimilar los nutrientes de estas pinturas es indispensable que estemos aquí, aquí mismo y en este momento, contemplándolas en persona. De ese modo, nos podemos acercar y alejar, movernos de un lado hacia el otro, interactuar con sus componentes y extraer de ellos todo tipo de señales que nos permiten acceder a este lenguaje secreto, a este jeroglífico que nos propone ser descifrado más desde lo emocional que desde el intelecto.

En términos plásticos, el espacio es un asunto que para Matías resulta un protagonista decisivo; el espacio y su deconstrucción, su desmantelamiento, su puesta en tensión. Gran parte del conflicto espacial en estas obras surge entonces desde la pugna entre luz y sombra, desde la compleja negociación que opera entre figura y fondo, y la manera en como ese diálogo se entrelaza con las múltiples tensiones entre texturas y descascarados, transparencias y opacidades.

Podríamos afirmar que estamos aquí ante una gran colección de superficies trastornadas.

En cuanto a sus procedimientos técnicos, y aunque opera claramente desde la “lógica del cuadro”, este cuerpo de obras establece una notable diferencia respecto de los métodos de la pintura tradicional. En este caso, la materia no se va sumando gradualmente sobre un soporte, sino que, más bien, es depositada de golpe sobre ese soporte (a veces hasta su saturación), para luego iniciar du despojo progresivo y pausado, en un proceso que podríamos considerar eminentemente sustractivo: esto es, la rigurosa aplicación inicial de varias capas de cinta para enmascarar, otras tantas capas de pintura sobre la retícula de cinta, y la posterior y paulatina devastación –parcial o total- de ambos materiales.

Es decir, Matías primero carga, y luego descarga. Primero alimenta, y luego hambrea. Primero genera opulencia, y luego desata la escasez. Primero instaura reglas, y a continuación las somete al desgobierno. Dicho de otro modo: el artista ha inventado un sistema para desencadenar -desde lo regular, racional y metódico- un caudal impredecible, lírico, místico, pulsional.

De este modo, cuando cree estar pintando, en verdad está componiendo música electrónica, ritmos sincopados y melodías disonantes; un vital tejido de límites y transgresiones. Cuando siente que está sumergiéndose en su memoria, lo que en realidad está haciendo es supervisar una secuencia de demoliciones, de derrumbes programados.

Matías Movillo es un fabricante de arenas movedizas: manchas que flotan a la deriva o que están ancladas a otras manchas.

Sus pinturas son un viaje espiritual plagado de accidentes y patrones que van emergiendo del camino mismo. De superposiciones, reservas, rasgaduras. De continuidad y discontinuidad. De maceración. Cada pintura es una cisterna, un embalse, una represa; un charco de lodo, de petróleo, de lágrimas, de hidrógeno, de helio… Ciénagas, musgos, lama. Costras. Sedimentos.

Bosques encantados, camuflajes militares, reptiles desollados, una red de nervaduras (orgánicas o sintéticas, curvas o rectas). Mensajes póstumos. Lápidas. Una cascada fragmentada. Decadencia y decaimiento, tragedias de mármol y caramelo. La trama de un vidrio roto. Cartografías. Coreografías. Desbordes. Obediencias y desobediencias: a lo burgués, a lo monstruoso, a lo magnético. Llagas y laceraciones -físicas y emocionales- con el brillo y la viscosidad de la tinta esmeralda de un modesto bolígrafo Bic.

Estas pinturas no son ilusiones espectrales; son materia viva y real. Son cuerpos. Son la vida que brota de las ruinas. Es el renacer de la vegetación después de un incendio: donde antes había sólo humo y escombros calcinados, ahora fluye savia. O como el propio artista lo describe, en estas obras se celebra la reconciliación con “el momento en el que descubres que la grieta de una casa se debe a una grieta en el terreno”.

Yo no se si Matías busca algo puntual con su trabajo, pero si así fuese, tengo la impresión que eso que busca en su pintura es consuelo. Y belleza. Consuelo, belleza, y ojalá la posibilidad de enfrentar y exorcizar sus miedos. Al mismo tiempo, es posible percibir además una exploración de lo voluptuoso, de lo suntuoso, sólo que –paradójicamente- esto se persigue a través de la austeridad y la contención.

La memoria de largo plazo es crucial en estas obras: Matías invoca su infancia y luego la sepulta, reiteradamente. En ese sentido, estos trabajos tienen mucho de juego. Pero es una especie de juego de Fort–Da pictórico, en el que el autor evoca y replica, una y otra vez, la secuencia de la construcción de una casa, de un hogar, de una familia -la madre, el padre, los hermanos-, su gradual desmontaje y su definitiva desintegración. De esta manera, a través de su práctica, logra “controlar” y editar los eventos: dirigirlos, alterarlos, congelarlos, precipitarlos, intercalarlos, decidir dónde comienzan y dónde se detienen.

Para quienes no conocían su obra, resultará algo desconcertante enterarse que, hasta el año 2006, Matías Movillo era considerado el más promisorio representante del realismo pictórico en Chile. Hasta mediados de ese año, entonces, produjo una pintura gentil, tenue, silenciosa, de bajo contraste, brumosa y melancólica. Sin embargo, al apreciar hoy su obra reciente, si bien se conserva intacta la carga de ensoñación y misterio, ésta parece haber evolucionado hacia una poética más industrial, científica y de combate: cada una de las pinturas en esta exposición se comporta como una inquietante maquinaria, un pequeño laboratorio, un intenso e inagotable campo de batalla.

 

Cristián Silva
marzo, 2017

 

 

VISIBLE DARKNESS

BY MATÍAS MOVILLO

MAR – MAY 2017

In the present set of recent works by Matías Movillo, two issues come together that may at first seem very distant from each other: on one hand, the notion of testimony (from personal memories of the distant past), and on the other, the resounding sensorial (The “here and now” physical proposed by the image and materiality of each of these paintings).

That is to say, in this work the decisive will of the author is manifested by transforming the autobiographical – and all its ghosts – in sensible matter.

In order for these pieces to work, they need our presence. To assimilate the nutrients of these paintings it is indispensable that we are here, here and now, contemplating them in person. In this way, we can move closer and farther, move from side to side, interact with its components and extract from them all kinds of signals that allow us to access this secret language, this hieroglyphic that proposes us to be deciphered more from the Emotional side than from the intellect.

In plastic terms, space is a matter that Matías is a decisive protagonist; The space and its deconstruction, its dismantling, its putting in tension. Much of the space conflict in these works then arises from the struggle between light and shadow, from the complex negotiation that operates between figure and background, and the way in which this dialogue is intertwined with the multiple tensions between textures and peelings, transparencies and opacities .

We could say that we are here before a large collection of disturbed surfaces.

As for its technical procedures, and although it operates clearly from the “logic of the picture”, this body of works establishes a remarkable difference with respect to the methods of traditional painting. In this case, the matter is not gradually added on to a support, but rather is deposited suddenly on that support (sometimes until its saturation), then initiate the progressive and slow spoliation, in a process that we could To consider eminently subtractive: that is, the rigorous initial application of several layers of masking tape, as many layers of paint on the tape, and the subsequent and gradual devastation – partial or total – of both materials.

Matías first loads, and then unloads. First feeds, and then hunger. First he generates opulence, and then scarcity. First he establishes rules, and then subjects them to misrule. In another way: the artist has invented a system to unleash – from the regular, rational and methodical – an unpredictable, lyrical and mystical flow.

Thus, when he thinks he is painting, he is actually composing electronic music, dissonant melodies; A vital fabric of limits and transgressions. When he feels he is sinking into his memory, what he is actually doing is supervising a sequence of demolitions, of collapses.

Matías Movillo is a manufacturer of quicksand: spots that drift or are anchored to other spots.

His paintings are a spiritual journey riddled with accidents and patterns that are emerging from the road itself. From overlays, reservations, rips. Of continuity and discontinuity. Each painting is a puddle of mud, oil, tears, hydrogen, helium … Swamps, mosses, mud. Scabs. Sediments.

Enchanted forests, military camouflage, skinned reptiles, a web of ribs (organic or synthetic, curved or straight). Posthumous messages. Tombstones. A fragmented waterfall. Decay, tragedies of marble and caramel. The plot of a broken glass. Cartographies. Choreography. Overflows. Obedience and disobedience: the bourgeois, the monstrous, the magnetic. Sores and lacerations – physical and emotional – with the brightness and viscosity of the emerald ink of a modest Bic pen.

These paintings are not spectral illusions; Are living and real matter. They are bodies. They are the life that springs from the ruins. It is the rebirth of vegetation after a fire: where once there was only smoke and calcined debris, now sap flows. Or as the artist himself describes it, in these works we celebrate the reconciliation with “the moment when you discover that the crack of a house is due to a crack in the ground.”

I do not know if Matías looks for something punctual with his work, but if so, I have the impression that what he seeks in his painting is consolation. And beauty. Consolation, beauty, and hopefully the possibility of facing and exorcizing his fears. At the same time, it is possible to perceive an exploration of the voluptuous, but this is pursued through austerity and restraint.

The long-term memory is crucial in these works: Matías invokes his childhood and then buries it, repeatedly. In that sense, these works have a lot of game. But it is a sort of pictorial Fort-Da game, in which the author evokes and replicates, again and again, the sequence of the construction of a house, a home, a family-the mother, the father, the Brothers -, its gradual dismantling and its definitive disintegration. In this way, through his practice, he manages to “control” and edit the events: directing, altering, freezing, precipitating, deciding where they begin and where they stop.

For those who did not know his work, it will be disconcerting to learn that, until 2006, Matías Movillo was considered the most promising representative of pictorial realism in Chile. Until the middle of that year, then, he produced a gentle painting, tenuous, silent, low contrast, foggy and melancholy. However, in his recent work, although the mystery remains intact, it seems to have evolved into a more industrial, scientific, and combative poetics: each of the paintings in this exhibition behaves like a disturbingMachinery, a small laboratory, an intense and never ending battlefield.

Cristián Silva

March 2017

 

REFLEJO INVOLUNTARIO

Exposiciones

DE MARIO FONSECA

MAR  – MAY 2017

Convergen en esta exposición dos énfasis que empezaron a manifestarse en mi obra desde 1986: un cuestionamiento hacia las tecnologías de reproducción visual –en este caso, la fotografía– y la credibilidad de lo reproducido; y una necesidad expresiva –no racional ni ‘objetiva’– que se resolvía con fluidez desde la misma fotografía, ocupada aquí como un medio de captación de luz y formas que me permiten manifestar algunas sensaciones y algunos sentimientos.

En este sentido, las primeras piezas expuestas en esta misma sala, que corresponden a un periodo anterior (1979-1983), están aquí a manera de referencia previa o punto de contraste. Así también, he incorporado en la siguiente sala algunas obras de 1992-1996 ya expuestas en mi retrospectiva de 1996 en el Museo Nacional de Bellas Artes, a manera de transición hacia lo que abarca esta muestra, que va en lo principal de 1996 a 2016 y reúne obras no expuestas previamente en conjunto.

No obstante abarcar 20 años, varias obras en esta exposición han sido replanteadas a partir de los medios hoy disponibles, modificando sus formatos y en algunos casos hasta el carácter de su contenido original, a partir de las posibilidades expresivas que aportan en la actualidad tanto las técnicas como los materiales de impresión de imágenes. Esta posibilidad de renovación me atrajo especialmente pues reactiva la vigencia de estas imágenes, distinguiéndolas de lo que podría haber sido una muestra ‘arqueológica’, que no es de mi interés.

Dos conjuntos de obras en las salas 5 y 6 (zócalo) confrontan desde sus momentos y recursos una expresividad mística y afectiva, muy sensible, con un discurso más bien intelectual, desde el cual me he venido alejando de las imágenes. Las series Gólgota, Pasión y La Esperanza surgen desde lo religioso, citando específicamente instancias finales de la vida de Cristo, y conforman el énfasis sensible junto con las piezas El blanco y el negro, Say Goodbye Say Hello, y Octubre 1987. Por el contrario, el políptico La última imagen acusa la incapacidad de las imágenes para expresar e incluso explicar objetivamente cualquier instancia de vida, aquí resuelta con la palabra, en tanto la serie Next, espontánea y profusa (las imágenes van de c2010 a 2016), ilustra cómo la falla o el error pueden lograr mayor atractivo visual y curiosidad por el contenido que la imagen ‘correcta’, banalizada por su exacerbación periodística, publicitaria e incluso artística.

En la realización de esta exposición –en el desarrollo de su contenido, preciso–, han contribuido de manera destacada la curadora Niki Raveau, la productora ejecutiva Pía Bahamondes, el maestro impresor Ramón Aldunate, y mi esposa Patricia Vogel. Agradezco especialmente sus aportes, así como a la organización del MAVI, al laboratorio Ekho, y a los colaboradores cuyas marcas aparecen junto a este texto.

Mario Fonseca

Gorbea, febrero 2017

 

INVOLUNTARY REFLECTION

BY MARIO FONSECA

MAR – MAY 2017

This exhibition brings together two emphases that began to appear in my work since 1986: a questioning towards the technologies of visual reproduction – in this case, photography – and the credibility of what is reproduced; And an expressive need – not rational or ‘objective’ – that was fluently solved from the same photograph, used here as a means of capturing light and forms that allow me to manifest some feelings and emotions.

In this sense, the first pieces exhibited in this same room, from a past period (1979-1983), are here to help have a reference or a contrast point .Also, I have incorporated in the following room some works of 1992-1996 already exposed in my retrospective of 1996 in the National Museum of Fine Arts, as a transition to this exhibition, which goes from the works between 1996 to 2016 and not previously exposed works, all together.

Nevertheless to cover 20 years of work, several have been rethought because of the new media and means available today, modifying their formats and in some cases up to the character of their original content, based on the expressive possibilities that currently contribute both the Techniques such as image printing materials. This possibility of renewal attracted me especially because it reactivates the validity of these images, distinguishing them from what could have been an ‘archaeological’ sample, which is not of my interest.

Two sets of works in rooms 5 and 6 confront from their moments and resources a mystical and affective expressiveness, very sensitive, with an intellectual discourse, from which I have been moving away from images. The series Golgotha, Passion and Hope come from the religious, specifically the final instances of Christ life, and conform the sensitive emphasis along with the pieces White and Black, Say Goodbye Say Hello, and October 1987. On the contrary, The polyptych “The last image” accuses the inability of images to express and even explain objectively

any instance of life, here resolved with the word, while the “Next”series, spontaneous and profuse (the images go from 2010 to 2016), illustrates how Failure or mistake can achieve greater visual appeal and curiosity of the content than the ‘correct’ image, trivialized by its exaggerated journalism, advertising and even artistic.

The curator Niki Raveau, the executive producer Pía Bahamondes, the master printer Ramon Aldunate, and my wife, Patricia Vogel, have made outstanding contributions to the development of this exhibition. I specially appreciate their contributions, as well as the organization by MAVI, the Ekho laboratory, and the collaborators that appear next to this text.

Mario Fonseca

Gorbea, February 2017

 

XI PREMIO MAVI / MINERA ESCONDIDA ARTE JOVEN CONTEMP.

Exposiciones

DIC 2016 – FEB 2017

Por onceavo año consecutivo, el Museo de Artes Visuales (MAVI) y Minera Escondida, operada por BHP Billiton, se reúnen para presentar la XI versión de “Premio MAVI / MINERA ESCONDIDA: Arte Joven Contemporáneo”, concurso que convoca a jóvenes talentos chilenos del área de las artes visuales.

El certamen se realiza con el objetivo de premiar, incentivar, promover y difundir la creación e innovación de artistas jóvenes, así como también detectar talentos emergentes y crear una plataforma de proyección, a la vez de generar espacios de acercamiento entre los artistas y la comunidad en general.

El Museo de Artes Visuales se ha consolidado como un espacio independiente, de  sólido prestigio dentro del medio de las artes visuales nacionales e internacionales, presentando cada año una programación de primer nivel junto a un innovador programa de educación y extensión, que busca mediar entre las audiencias y el arte contemporáneo.

El Museo de Artes Visuales MAVI y Minera Escondida, operada por BHP Billiton, trabajan en una alianza desde hace más de una década tras el objetivo de abrir espacios de generación y promoción de nuevos talentos en el campo de las artes visuales.

De esta manera, nace el Premio MAVI / MINERA ESCONDIDA: Arte Joven Contemporáneo, que a partir su creación, en 2006, se ha consolidado como un espacio para visibilizar y difundir el trabajo de los artistas emergentes chilenos, así como una plataforma para proyectar su trabajo.

Premio MAVI / MINERA ESCONDIDA: Arte Joven Contemporáneo busca detectar tendencias y nuevos talentos emergentes que se proyecten en el medio profesional de las artes visuales chilenas. Tomando criterios inclusivos como la temática y técnica libre, la convocatoria abierta y la postulación online, para dar cabida a la mayor cantidad de creadores del país. Otorgando una plataforma de visibilidad y difusión de los trabajos participantes, por medio de la exposición en el Museo de Artes Visuales y a través de la publicación de las mismas en la página web.

Lanzamiento en Antofagasta

Este 2016, la décima versión del Premio MAVI / MINERA ESCONDIDA: Arte Joven Contemporáneo se lanzó el pasado agosto en Antofagasta, en el Muelle Histórico Melbourne Clark en el marco de la Semana Cultural SACO5 evento en el que participa ya por tercera vez consecutiva.

Este año, MAVI llevó a Antofagasta tres esculturas del ganador de la versión IX del Premio MAVI /Escondida, Gonzalo Contreras, quien las expuso primero en Santiago, en su primera muestra individual producto del Premio. Las escultura “Tetrápodos”, estarán expuestas en dicha ciudad hasta el día 13 de septiembre, fecha del fin de SACO.

 

XI PREMIO MAVI / MINERA ESCONDIDA ARTE JOVEN CONTEMP.

DIC 2016

Por onceavo año consecutivo, el Museo de Artes Visuales (MAVI) y Minera Escondida, operada por BHP Billiton, se reúnen para presentar la XI versión de “Premio MAVI / MINERA ESCONDIDA: Arte Joven Contemporáneo”, concurso que convoca a jóvenes talentos chilenos del área de las artes visuales.

El certamen se realiza con el objetivo de premiar, incentivar, promover y difundir la creación e innovación de artistas jóvenes, así como también detectar talentos emergentes y crear una plataforma de proyección, a la vez de generar espacios de acercamiento entre los artistas y la comunidad en general.

El Museo de Artes Visuales se ha consolidado como un espacio independiente, de sólido prestigio dentro del medio de las artes visuales nacionales e internacionales, presentando cada año una programación de primer nivel junto a un innovador programa de educación y extensión, que busca mediar entre las audiencias y el arte contemporáneo.

El Museo de Artes Visuales MAVI y Minera Escondida, operada por BHP Billiton, trabajan en una alianza desde hace más de una década tras el objetivo de abrir espacios de generación y promoción de nuevos talentos en el campo de las artes visuales.

De esta manera, nace el Premio MAVI / MINERA ESCONDIDA: Arte Joven Contemporáneo, que a partir su creación, en 2006, se ha consolidado como un espacio para visibilizar y difundir el trabajo de los artistas emergentes chilenos, así como una plataforma para proyectar su trabajo.

Premio MAVI / MINERA ESCONDIDA: Arte Joven Contemporáneo busca detectar tendencias y nuevos talentos emergentes que se proyecten en el medio profesional de las artes visuales chilenas. Tomando criterios inclusivos como la temática y técnica libre, la convocatoria abierta y la postulación online, para dar cabida a la mayor cantidad de creadores del país. Otorgando una plataforma de visibilidad y difusión de los trabajos participantes, por medio de la exposición en el Museo de Artes Visuales y a través de la publicación de las mismas en la página web.

 

TRANQUIL MOTIONS

Exposiciones

DE MARCEL ODENBACH

SEP – NOV 2016

MAVI e IFA, en cooperación con el curador Matthias Mühling, presenta la muestra Marcel Odenbach: Stille Bewegungen / Tranquil Motions. Catorce obras seleccionadas de las últimas tres décadas, incluyendo videos, instalaciones de video y trabajos en papel, muestran un abanico de su obra. La selección de las obras despliega un panorama de la obra entera de Odenbach  y dibuja un retrato tan analítico como emocional del ser humano en la sociedad globalizada.

Marcel Odenbach nació en Colonia en 1953 y es uno de los pioneros en video arte. Su trabajo en video e instalaciones de video demuestra su rol en el fomento y desarrollo internacional de este género.

Desde sus primeros videos, que fueron concebidos para ser presentados en un monitor, hasta sus complejas instalaciones más recientes con proyecciones importantes, ilustran la sutilidad y variedad formal, así como la diversidad de contenidos con los que Odenbach pone en escena la imagen animada y su acompañamiento acústico.

Los trabajos en papel constituyen una parte separada y no menos importante de su obra.

La selección de los trabajos para esta exposición combina esta retrospectiva con el intento de cubrir las temáticas más centrales de su obra.

 

TRANQUIL MOTIONS

BY MARCEL ODENBACH

SEP – NOV 2016

MAVI and IFA, in cooperation with the curator Matthias Mühling, presents the exhibition Marcel Odenbach: Stille Bewegungen / Tranquil Motions. Fourteen selected works from the last three decades, including videos, video installations and paper works, show a range of his work. The selection of the works unfolds an outlook of his entire work and draws a portrait as analytical as emotional of the human being in the globalized society.

Marcel Odenbach was born in Cologne in 1953 and he is one of the pioneers in video art. His work in video and video installations demonstrates his role in the promotion and international development of this genre.

From his first videos, which were conceived to be presented on a monitor, to his most recent complex installations with important projections, illustrate the subtle and formal variety, as well as the diversity of contents with which Odenbach brings to scene the animated image and its Acoustic.

Paper works are a separate and no less important part of his work.

The selection of works for this exhibition combines this retrospective with the attempt to cover the most central themes of his work.

 

NI UNO NI OTRO, LOS OTROS

Exposiciones

ONE MOMENT ART

OCT 2016

El año expositivo 2016 de MAVI ha dejado un espacio dentro de su programación con el fin de albergar al Proyecto ONE MOMENT ART en su versión número 4. La primera de ellas se llevó a cabo en la Biblioteca Nacional con el artista Basco Vazko; luego Germán Tagle expuso en el Museo de Artes Decorativas y finalmente Francisco Bustamante en Matucana 100.

El proyecto gestionado por Jose Manuel Belmar, es una plataforma que propone el uso de un espacio patrimonial reconocible como es el MAVI, dentro de un concepto de exposición pop up, fácil de montar, de contenido consistente y con artistas de indudable solidez.

Una exposición que, a diferencia de las habituales del museo, aparece y desaparece con facilidad, que permanece durante un corto espacio de tiempo entregando un contenido atractivo para el público y dinamiza y potencia la situación acostumbrada que se genera dentro de nuestro espacio.

Sin perder la calidad y las características expositivas de MAVI, ONE MOMENT ART se presenta como una estimulante instancia para el público que nos visita, con esta condición de inminencia, situación de ahora o nunca, que establece esta muestra. Dejarnos con el interés de no perderse la exposición y de ver más.

En esta ocasión los expositores, todos ellos hombres, exhiben cada uno una obra de gran formato. Nicolás Radic, Francisco Peró, Pablo Serra, Adrián Gouet, Cristóbal Anwandter y Felipe Achondo abordan el tema del otro, desde la pintura y de una perspectiva además figurativa, a la que se podría atribuir cierto carácter conservador, pero sin lugar a dudas atractivo para el público.

Mención aparte recibe el hecho de que dos de los expositores participantes, han sido finalistas de nuestro PREMIO MAVI/ MINERA ESCONDIDA ARTE JOVEN CONTEMPORÁNEO: Pablo Serra, ganador del primer premio el año 2008, y Adrián Gouet, tercer premio año 2015.

 

 

NEITHER ONE OR ANOTHER, THE OTHERS

ONE MOMENT ART

OCT 2016

The 2016 exhibition year of MAVI has left a space within its programming in order to host the Project ONE MOMENT ART in its fourth version. The first of them was carried out in the National Library with the artist Basco Vazko; Then German Tagle exhibited in the Museum of Decorative Arts and finally Francisco Bustamante in Matucana 100.

The project managed by Jose Manuel Belmar, is a platform that proposes the use of a recognizable patrimonial space such as the MAVI, within a concept of pop up exposure, easy to set up, with consistent content and solid artist

An exhibition that, unlike the usual ones of the museum, appears and disappears easily, that remains for a short time delivering content attractive to the public and dynamizes and enhances the usual situation that is generated within our space.

Without losing the quality and expository characteristics of MAVI, ONE MOMENT ART presents itself as a stimulating instance for the public that visits us, with this condition of imminence, now or never, which establishes this exhibition. Leave us with the interest of not missing the exhibition and see more of it.

On this occasion each exhibitor, all men, exhibit a large format work. Nicolás Radic, Francisco Peró, Pablo Serra, Adrián Gouet, Cristóbal Anwandter and Felipe Achondo deal with the subject of the other, from painting and from a figurative perspective, which could be attributed to a certain conservative character, but undoubtedly attractive for the public.

A special mention is given to the fact that two of the participating exhibitors have been finalists of our MAVI / ESCONDIDA MINE YOUNGCONTEMPORARY ART AWARD: Pablo Serra, winner of the first place in 2008, and Adrián Gouet, third place in 2015.

 

LOCUS

Exposiciones

DE GIANFRANCO FOSCHINO

AGO – OCT 2016

El agua es el principal protagonista de LOCUS, la exhibición de Gianfranco Foschino, curada por el crítico e historiador de arte Justo Pastor Mellado.

La muestra exhibió una pieza inédita denominada OJOS DE AGUA, video escultura de cristal de 5 x 3 x 0,5 metros que buscaba transportar al espectador hacia las aguas de deshielo del río Futaleufú, uno de los más torrentosos del Mundo.

Gianfranco Foschino ha logrado una reconocida carrera a nivel internacional, exponiendo en dos ocasiones en la Bienal de Venecia (2011, 2014), Novena Bienal de Santa Fe, Nuevo México (2014), Decimoctavo Festival Videobrasil, Sao Paulo (2013) y la Décima Bienal de Artes Mediales, Santiago (2012), entre otras participaciones en países como Argentina, México, Alemania, Austria, España y China.

LOCUS es la tercera muestra individual de Foschino en Chile y la más importante. En esta exhibición vuelve a sorprender con su trabajo que ya casi es una marca registrada: videos silenciosos en tiempo real y cámara fija, que parecieran ser fotografías, ventanas o portales a paisajes que, con un poco más de atención, van develando sus ritmos internos a través de sutiles, y casi imperceptibles, movimientos.

 

 

LOCUS

BY GIANFRANCO FOSCHINO

AGU – OCT 2016

The theme of LOCUS is water, the exhibition of Gianfranco Foschino, curated by the art critic and historian Julio Pastor Mellado.

The exhibition show an unknown piece of art called OJOS DE AGUA/ WATER EYES, a crystal video sculpture of 5 x 3 x 0,5 meters which purpose is to transport the spectator to the thawing waters of Futaleufú river, one of the most torrential in the world.

Gianfranco Foschino, who has achieved international recognition, presented two times in the Venice Biennale (2011, 2014), 9th Biennal show of Santa Fe, New Mexico (2014), 18th Video Brasil festival, San Paulo (2013) and the 10th Biennal show of Media Arts, Santiago (2012) among other countries such as: Argentina, Mexico, Germany, Austria, Spain and China.

LOCUS is the third and most important individual exhibition of Foschino in Chile. In this exhibition he will surprise us with his work that consists in silent streaming videos with a fixed camera which seems to be photographs, windows or landscapes and if you pay attention you will see subtle and almost imperceptible movements.