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PROYECCIÓN DOCUMENTAL “BUSCANDO A MATILDE”

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DE PEDRO LACERDA

MAY 2015

Nueva fecha de exhibición de la cinta “Buscando a Matilde”: documental sobre la obra de Matilde Pérez dirigida por el cineasta Pedro Lacerda.

El sábado 9 de mayo se presentará nuevamente en el Museo de Artes Visuales el documental Buscando a Matilde, del cineasta y videoartista Pedro Lacerda. Esta pieza audiovisual profundiza (desde la mirada de diferentes académicos, teóricos y especialistas) en la obra de Matilde Pérez así como los aspectos de su historia que explicarían el oscurantismo cultural que dejó a su legado fuera de la escena artística chilena. La película, que hace un año formó parte de la selección del festival Cine B, es la primera pieza audiovisual de largo aliento dedicada a la vida y obra de la artista cinética.

El  documental.

A comienzos de los años sesenta, Matilde Pérez fue becada para viajar a Francia donde junto a grandes artistas cinéticos como Julio Le Parc e Yvaral estudió y aprendió el oficio bajo la tutela de Víctor Vasarely, uno de los padres del movimiento. Un año después ella regresó a Chile para desarrollar la técnica y tratar de instalar en el  país lo que eventualmente se convertiría en uno de los movimientos artísticos definitorios de Latinoamérica en el siglo XX.  Cincuenta años después, y con la ayuda de intelectuales, historiadores y cercanos a Matilde, intentamos desenmarañar su historia con la esperanza de descubrir qué salió mal en un país que no hace se mucho se mantenía ajeno a cualquier forma de abstraccionismo geométrico y que además es de los pocos países de Latinoamérica que no tiene una tradición cinética destacada. Académicos y artistas de Chile, Brasil, Argentina y otros países de la región nos ayudan a reconstruir la mentalidad y el sentir detrás de un período artístico que encontró en la geometría y el movimiento el modernismo que Latinoamérica añoraba, mientras que a través de la historia de Matilde exploramos las razones y mentalidad que le permitió a Chile eludirlo. María Irene Alcalde, historiadora del arte y directora de arte y conservación del MAVI; Francisco Brugnoli, Director del MAC y amigo de Matilde; Gaspar Galaz, historiador de arte y académico; Ramón Castillo, profesor de arte y curador predilecto de Matilde Pérez; nos guían a través del camino y la lucha de una artista abandonada, desde sus viajes a Paris y sus reuniones con Vasarely hasta su despido de la Escuela de Bellas Artes, mientras el poderoso impacto visual de sus obras acerca al espectador al proceso de una mujer quizá demasiado moderna para su país y su época.

* Pedro Lacerda (Colonia, Alemania, 1988) estudió comunicación audiovisual en la UNIACC. En 2009 cursó ramos específicos de cine en la Universidad FAAP (São Paulo), y de arte multimedia y tecnología musical en la Universidad de São Paulo, USP. En 2013 fue seleccionado para asistir al Locarno Summer Academy en el 66° Festival del film Locarno, en Suiza. Sus trabajos han sido exhibidos en el 10º FILE Festival (São Paulo, 2009), SANFIC7 (Santiago de Chile, 2011), 25th Images Festival (Toronto, 2012), entre otros. Por dos años consecutivos ganó el segundo lugar en la sección de videoarte del concurso Innova Música (Andorra la Vella, 2009-2010). Ha participado en exposiciones colectivas, así como festivales de cine y arte en Chile, Brasil, Bolivia, Estados Unidos, Andorra, Alemania y Francia.

 

DOCUMENTARY PROJECTION “LOOKING FOR MATILDE”

OF PEDRO LACERDA

MAY 2015

New exhibition date of the film “Looking for Matilde”: documentary about the work of Matilde Pérez directed by the filmmaker Pedro Lacerda.

On Saturday May 9 will be presented again at the Museum of Visual Arts the documentary “Buscando a Matilde” (Looking for Matilde), by the filmmaker and video artist Pedro Lacerda. This audiovisual piece delves into the work of Matilde Pérez as well as the aspects of her story that explain the cultural obscurantism that left her legacy outside the Chilean art scene (from the perspective of different academics, theoreticians and specialists). The film, which a year ago was part of the selection of the Cine B festival, is the first audiovisual piece of long breath dedicated to the life and work of the kinetic artist.

The documentary.

At the beginning of the sixties, Matilde Pérez won a scholarship to travel to France where, together with great kinetic artists such as Julio Le Parc and Yvaral, she studied and learned under the tutelage of Víctor Vasarely, recognized artist in the area of movement (or kinetic art). A year later she returned to Chile to develop the technique and try to install in the country what would eventually become one of the defining artistic movements of Latin America in the twentieth century. Fifty years later, and with the help of intellectuals, historians and close ones to Matilde, we tried to unravel her story hoping to discover what went wrong in a country that, not much long ago, was far away from any form of geometric abstractionism, and one of the few Latin American countries that do not have a prominent kinetic tradition. Academics and artists from Chile, Brazil, Argentina and other countries of the region help us to reconstruct the mentality and the feeling behind an artistic period that found in the geometry and movement the modernism that Latin America longed for, while throughout the history of Matilde we explored the reasons and the mentality that allowed Chile to evade it. María Irene Alcalde, art historian and MAVI art and conservation director; Francisco Brugnoli, MAC Director and Matilde’s friend; Gaspar Galaz, art historian and academic; Ramón Castillo, art teacher and favorite curator of Matilde Pérez; Guide us through the path and struggle of an abandoned artist, from her trips to Paris and her meetings with Vasarely until her dismissal from the School of Fine Arts, while the powerful visual impact of her works brings the viewer close to the process of a woman Perhaps too modern for her country and its time.

* Pedro Lacerda (Cologne, Germany, 1988) studied audiovisual communication at UNIACC. In 2009, he studied specific courses at the FAAP University (São Paulo) and multimedia art and music technology at the University of São Paulo, USP. In 2013 he was selected to attend the Locarno Summer Academy at the 66th Locarno Film Festival in Switzerland. His works have been exhibited at the 10th FILE Festival (São Paulo, 2009), SANFIC7 (Santiago de Chile, 2011), 25th Images Festival (Toronto, 2012), among others. For two consecutive years he won second place in the video art section of the Innova Música contest (Andorra la Vella, 2009-2010). He has participated in group exhibitions, as well as film and art festivals in Chile, Brazil, Bolivia, the United States, Andorra, Germany and France.

 

CONFERENCIA “EL CORAZÓN ES UN OJO”

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DE JOHAN PERSSON

DIC 2014

Conferencia sobre Roberto Matta y su estancia en Estocolmo, desde la mirada de Johan Persson, periodista y ensayista sueco residente en Estocolmo, que ha escrito diversos artículos sobre Roberto Matta y su obra.

EL CORAZÓN ES UN OJO “El volcán es el símbolo de los cuadros de Roberto Matta, con su fuerte fuego y el sentimiento de lo incalculable y, en el mismo tiempo, lo cósmico. El hombre y la eternidad son otros temas importantes en sus dinámicas imágenes. Una semilla del mundo artístico le hizo nacer en el año 1936, según Matta. En una conversación sincera con el galerista sueco Siwert Bergström, publicada en el libro sobre Matta (GKM edición, 1988), le contó sobre su primera visita a Estocolmo el 31 de diciembre de 1936. Matta tenía 25 años, vivía en Londres, y era un hombre joven sin metas en la vida. Le preocupaba la situación mundial, especialmente la gravedad de la Guerra Civil Española y su amigo Federico García Lorca, al que habían matado unos meses antes, en agosto de ese mismo año. Estocolmo estaba incrustada en la nieve y el frio. Matta había pensado compartir una noche de fiesta, un baile de Nochevieja, pero le tocó estar solo esa noche para reflexionar, pintar y escribir. Sintió en ese momento con el olor y la magia de la capital nórdica, que el corazón era un ojo. Fue una revelación.”

 

CONFERENCE “THE HEART IS AN EYE”

OF JOHAN PERSSON

DEC 2014

Conference on Roberto Matta and his stay in Stockholm, from the perspective of Johan Persson, a Swedish journalist and essayist of Stockholm, who has written several articles on Roberto Matta and his work.

THE HEART IS AN EYE “The volcano is the symbol of the paintings of Roberto Matta, with its strong fire and the feeling of the incalculable and, at the same time, the cosmic. Man and eternity are other important themes in his dynamic images. A seed of the artistic world gave birth to him in 1936, according to Matta. In a sincere conversation with the Swedish gallery owner Siwert Bergström, published in the book about Matta (GKM edition, 1988), he told him about his first visit to Stockholm on 31 December 1936. Matta was 25 years old, lived in London, and was A young man with no goals in life. He was worried about the world situation, especially of the Spanish Civil War and his friend Federico García Lorca, killed a few months before, in August of that same year. Stockholm was invaded by snow and cold. Matta had thought of sharing a party night, a New Year’s Eve party, but finally he stays alone that night to reflect, paint and write. He felt at that moment with the smell and magic of the Nordic capital, that the heart was an eye. It was a revelation. “

 

CONFERENCIA “EL CUIDADO DE SÍ EN LA POÉTICA DEL GRIAL”

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CON VICTORIA CIRLOT

OCT 2014

Victoria Cirlot, catedrática especialista en Edad Media de la Universitat Pompeu Fabra, Barcelona, ofrecerá en esta conferencia una mirada a la poética del Santo Grial y la búsqueda y camino en él entregado en relación con el Cuidado de sí mismo, propuesto por los filósofos de la Antigüedad y que se concibe como centro para el desarrollo del conocimiento propio y del mundo. Este tema ha sido desarrollado en la época contemporánea por importantes pensadores como Pierre Hadot, Michel Foucault y Peter Sloterdijk.

 

CONFERENCE “SELF CARE IN THE POETRY OF THE GRAIL”

WITH VICTORY CIRLOT

OCT 2014

Victoria Cirlot, a specialist in Middle Ages at the Universitat Pompeu Fabra, Barcelona, will offer in this conference a glance at the poetics of the Holy Grail ,the search and path, in relation to Self Care, proposed by the philosophers of The Antiquity and that is conceived as a center for development of self and world knowledge. This theme has been developed in the contemporary period by important thinkers such as Pierre Hadot, Michel Foucault and Peter Sloterdijk.

 

SEMINARIO “EL VALOR DE LAS IMÁGENES”

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CON VICTORIA CIRLOT

OCT 2014

Día 1

Martes 7 de octubre

9.30 Presentación. Ana Maria Risco y Felipe Cussen.

10.00 Conferencia inicial: Victoria Cirlot  “Las imágenes parecidas: supervivencias, engramas y símbolos”.

Se trata de abordar las imágenes extrañamente parecidas por su alejamiento temporal dentro de la cultura occidental, y de comprender la semejanza a partir de las tres nociones de supervivencia, engramas y símbolos, que proceden de las obras del biólogo y zoólogo Richard Semon, del historiador del arte Aby Warburg y del psiquiatra Carl Gustav Jung.

11.15 Café

11.30 Cuando la escritura es imagen. Cuando las ventanas encuadran visiones. Cuando, en el cine, la tecnología se encuentra con la mística. Mesa redonda. Modera Adriana Valdés.

Fernando Pérez Villalón “Las travesías del trazo: supervivencias y metamorfosis de los caracteres chinos en la poética contemporánea”.

Diversas tentativas poéticas del siglo XX exploran la dimensión visual de la escritura tomando como punto de partida una cierta idea del carácter escrito chino: de Fenollosa y Pound a los concretos brasileños, de Henri Michaux a Arnaldo Antunes, poetas muy diversos han explorado el potencial de esta escritura no fonética que parece eliminar la contradicción entre la lengua y las imágenes.

Macarena García Moggia “Visiones y ventanas. Algunos encuadres de lo maravilloso”.

Arrancando de la visión de un “hombre que camina cortado por la mitad por una ventana transversal al eje de su cuerpo”, que André  Breton describe en el “Primer Manifiesto del Surrealismo”, la ponencia propone un recorrido por algunos imaginarios provenientes de la tradición poética, mística y psicoanalítica, que hacen de la ventana el marco a través del cual   aparece lo maravilloso, resultado de un encuentro entre la realidad exterior y la experiencia interior.

Felipe Cussen “Las tecnologías místicas de Val del Omar”.

El cineasta español José Val del Omar definió su práctica como “meca-mística”, la unión de la mecánica con la mística, y se definió a sí mismo como “cinemista”, que puede entenderse como la fusión de cineasta con alquimista. En esta ponencia se presentarán algunos fragmentos de su obra para profundizar en esa condición y en los modos en que las innovaciones tecnológicas pueden abrir nuevas formas de percepción.

13.30 Preguntas y conversación con el público.

Día 2

Miércoles 8 de octubre

9.30.- Presentación

10.00.- Primera parte. Cuando la imagen apunta a una palabra que no está. Cuando del desierto surgen las imágenes deformantes.   Segunda parte: Cuándo y cómo las imágenes se imprimieron en el corazón de la tradición occidental. Cuándo y cómo nuestros tiempos exigen una cartografía contemporánea de las imágenes. Mesa redonda. Modera Adriana Valdés.

 Marcela Labraña “Una lectura de los rollos en blanco del Liber divinorum operum de Hildegard von Bingen”.

Concentrándose en las miniaturas del Liber Divinorum Operum de Hildegard von Bingen, donde aparece una mano que suelta un rollo en blanco, se propone una lectura de la ausencia de palabras legibles, a partir de su contexto de producción y recepción, y de la condición mística de las visiones de Hildegard.

Bruno Cuneo “El Desertor”.

Se trata de una meditación sobre el desierto como lugar de emergencia de la imagen deformante, que hace especial hincapié en “Las Tentaciones de San Antonio” de El Bosco  y “Chott el-Djerid” de Bill Viola.

Sandra Accatino “Como un arquero que apunta a su blanco. Una metáfora sobre las imágenes, el pensamiento y la mirada”.

Lo ponencia apunta a los efectos producidos sobre el espectador occidental a través del tiempo: mediante la argumentación retórica, mediante la meditación religiosa, mediante la oratoria vívida que imprime imágenes en el corazón, y en el siglo XV, mediante los nuevos medios técnicos de la pintura. Desde una pintura de Mantegna a las obras de Cai Guo-Qiang servirán para visualizar la forma en que se ha entendido en Occidente la relación entre las imágenes y la mirada.

Pablo Chiuminatto “A imagen de la imagen”.

Los nuevos medios digitales han redefinido lo que originalmente se proyectaba como una cultura de la información hacia una cultura de la imagen, además, global. Este desplazamiento, impulsado por una tecnología ubicua e interconectada, rompe espacios tradicionales de comprensión asociados a la creación artística así como al concepto de espectador. Esta nueva cartografía desplaza, en consecuencia, la historia del arte a una porción ínfima respecto del contexto de producción iconográfica y plantea el desafío de una posible historia de la imagen.

11.30 Café

11.45 Victoria Cirlot “La visión abierta. Del mito del Grial al surrealismo”.

La autora presenta su libro, en el que trata las imágenes desde una cultura arcaica hasta otra moderna, las técnicas de la apertura del ojo interior, y el lugar del visionario, entre otros temas incitantes.

13.00 Preguntas del público.

 

SEMINAR “THE VALUE OF IMAGES”

WITH VICTORY CIRLOT

OCT 2014

Day 1

Tuesday, October 7

9.30 Presentation. Ana Maria Risco and Felipe Cussen.

10.00 Initial conference: Victoria Cirlot “Similar images: survivals, engrams and symbols”.
It is about dealing with images strangely similar because of their temporal estrangement within Western culture, and understanding the similarity from the three notions of survival, engrams and symbols, which come from the works of the biologist and Zoologist Richard Semo, The art Historian Aby Warburg and the psychiatrist Carl Gustav Jung.

11.15 Coffee

11.30 When writing is an image. When windows frame visions. When, in the cinema, technology meets the mystic. Round table. Moderated by Adriana Valdés.

Fernando Pérez Villalón “The journey of a stroke: survivals and metamorphosis of Chinese characters in the contemporary poetics”.

Several poetic movements of the twentieth century explore the visual dimension of writing, starting with a certain idea of Chinese writing: from Fenollosa and Pound to Brazilian concrete, from Henri Michaux to Arnaldo Antunes, very diverse poets have explored the potential of this non-phonetic script that seems to eliminate the contradiction between language and images.

Macarena García Moggia “Visions and windows. Some wonderful framing. “

Starting from the vision of a “man who walks cut in half by a transverse window from the axis of his body,” which André Breton describes in the “First Manifesto of Surrealism”, the paper proposes a tour on some Poetic imaginary tradition, mystical and psychoanalytic, that make of the window a frame of which wonderful things appear, the result of a meeting between the external reality and the inner experience.

Felipe Cussen “The mystical technologies of Val del Omar”.

Spanish filmmaker José Val del Omar defined his practice as “meca-mystique”, the union of mechanics with mysticism, and defined himself as “cinemyst”, which can be understood as the fusion of filmmaker with alchemist. In this presentation some fragments of his work will beexposed to deepen in that condition and in the ways in which technological innovations can open new forms of perception.

13.30 Questions and conversation with the public.

Day 2

Wednesday, October 8

9.30.- Presentation

10.00.- First part. When the image points to a word that is not there. When deforming images arise from the desert. Second part: When and how the images were printed in the heart of the Western tradition. When and how our times demand a contemporary cartography of images. Round table. Moderated by Adriana Valdés.

Marcela Labraña “A reading of the blank rolls from “Liber Divinorum Operum” of Hildegard von Bingen.

Focusing on the miniatures of the Liber Divinorum Operum by Hildegard von Bingen, where a hand that releases a blank roll appears, proposes a reading of the absence of readable words, from its context of production and reception, and of the mystical condition Of Hildegard’s visions.

Bruno Cuneo “The Deserter”.

It is about meditation on the desert as an emergency place of the deforming image, with a special emphasis on “The Temptations of St. Anthony” by El Bosco and “Chott el-Djerid” by Bill Viola.

Sandra Accatino “Like an archer pointing at his target. A metaphor about images, thinking and looking “.

It points to the effects produced on the western spectator over time: through rhetorical argumentation, through religious meditation, through vivid oratory that prints images in the heart, and in the fifteenth century, through the new technical means of painting. From a painting of Mantegna to the works of Cai Guo-Qiang will be useful to visualize the way in which the relation between the images and the gaze has been understood in the West

Pablo Chiuminatto “The Image’s image”.

The new digital media have redefined what was originally projected as a culture of information towards a culture of image, in addition, global. This displacement, driven by a ubiquitous and interconnected technology, breaks traditional spaces of understanding associated with artistic creation as well as the concept of spectator. This new cartography consequently displaces the history of art to a very small extent in relation to the context of iconographic production and poses the challenge of a possible history of the image.

11.30 Coffee

11.45 Victoria Cirlot “Open vision. From the Grail myth to surrealism “.

The author presents her book, which deals with images from an archaic to a modern culture, the techniques of opening the inner eye, and the place of the visionary, among other exciting themes.

13.00 Questions from the public.

 

ESTRENO “AV. IRARRÁZAVAL 2345 (CAJA NEGRA)”

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DE CLAUDIO OYARCE Y RENÉ VAN KILSDONK

JUL 2014

El Museo de Artes Visuales, en el contexto de la exposición HEROICA – Territorio de resistencia, Caja Negra Artes Visuales (1983 – 2014), presenta la película Av. Irarrázaval 2345 (Caja Negra), un trabajo colaborativo de René van Kilsdonk y Claudio Muñoz Oyarce.

Es,  Av. Irarrázaval 2345 (Caja Negra), una obra que a través de fragmentos banales, domésticos y propios de lo cotidiano de un lugar y sus habitantes, intenta esbozar un retrato subjetivo y poético del colectivo de arte Caja Negra y especialmente de la casa que lo cobijó  por cerca de 20 años, hasta su demolición.

 

PREMIERE “AV. IRARRÁZAVAL 2345 (BLACK BOX) “

OF CLAUDIO OYARCE AND RENÉ VAN KILSDONK

JUL 2014

The Museum of Visual Arts, in the context of the HEROICA exhibition – Territory of resistance, Black Box Visual Arts (1983 – 2014), presents the film Av. Irarrázaval 2345 (Black Box), a collaborative work of René van Kilsdonk and Claudio Muñoz Oyarce.

Av. Irarrázaval 2345 (Black Box), a work that through banal fragments, domestic and typical of the daily life of a place and its inhabitants, tries to sketch a subjective and poetic portrait of the art group Black Box and especially the House that sheltered them for about 20 years, until its demolition.

 

CONCIERTO “LA NATURALEZA DEL SONIDO”

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DE MARIO Z Y ALEJANDRO GONZÁLEZ

JUN 2014

En el marco de la exposición HEROICA, Territorio de resistencia, del Colectivo CAJA NEGRA ARTES VISUALES, se realizará en la Plaza Mulato Gil de Castro, un concierto de música electrónica experimental, que reúne al artista Mario Z  y Alejandro González, integrante de la Banda THE MUSEO REALMENTE CONTEMPORÁNEO.

 

CONCERT “THE NATURE OF SOUND”

OF MARIO Z AND ALEJANDRO GONZÁLEZ

JUN 2014

In the context of the HEROICA exhibition, Territory of resistance, Black Box visual Arts, will be held in the Mulato Gil de Castro Square, an experimental electronic music concert, which brings together the artist Mario Z and Alejandro González, member of the Band THE REALLY CONTEMPORARY MUSEUM.

 

CONVERSATORIO “EJERCICIOS DE COLECTIVIDAD”

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CON COLECTIVO CAJA NEGRA ARTES VISUALES

MAY 2014

Conversatorio abierto con Hernán Pacurucu, Patricio Muñoz Zárate, Patricio Bravo y Senaquerib Astudillo.

“Los más de 30 años que el proyecto Caja Negra  mantiene, resuenan mucho más admirables aun cuando pensamos en todas las crisis de la historia chilena; que van desde el desarraigo institucional generado por la dictadura chilena hasta la instauración del programa neoliberal y esa manía por privatizar hasta la conciencia de los artistas.

Esa guerrilla se ha mantenido gracias a la convicción de los integrantes; primero de no ceder ante la imposición tanto de un aparato de estado opresor, y luego el no dejarse llevar por los paradisiacos encantamientos que la sociedad del consumo-oferta a cambio de una dosis de vaciamiento de la fuerza crítica, que sin duda ha sido parte importante de la agenda de Caja Negra”

La contraposición visible entre el modelo expositivo institucional y lo que presenta Caja Negra como modelo expositivo (por ejemplo CUBO ) establece la diferencia entre lo que podemos denominar nuevos agentes de intervención en el espacio, rebasando el ideal de galería, de museo, de pabellón expositivo, en definitiva de cubo blanco, cuyo fin es reconocer la verdadera soberanía del artista y no el enunciado de poder que ésta enarbola sobre sus espectadores; ya que una exposición debería de ser el desarrollo dialectico y no dogmático del argumento del cual se está tratando.

Se trata de una toma de postura frente a los mecanismos empotrados y artimañas que ostenta la institucionalidad y que se configuran como válidos a la hora de emplazar políticas autoritarias en agendas impositivas que se visibilizan en por ejemplo restricciones del uso del espacio, en normas de montaje, o directamente en la censura del discurso de la obra, confrontadas a la libertad poética de un espacio autónomo “Cubo”.

Por lo tanto, la vertiginosa tarea de sus miembros es hoy en día el sobrellevar el complicado compromiso de entender que el proyecto no se inscribe en el espacio y por tanto no es el espacio, hoy más que nunca es preciso sobreponerse y entender a Caja Negra como un proyecto visual-crítico y de argumentación es decir un “espacio para el pensamiento”.

Extracto texto: “Del Cubo Blanco a la Caja Negra” de Hernán Pacurucu

Entrada liberada.

 

Panel discussion “EXERCISES OF COLLECTIVITY”

WITH BLACK BOX VISUAL ARTS.

MAY 2014

Open discussion with Hernán Pacurucu, Patricio Muñoz Zárate, Patricio Bravo and Senaquerib Astudillo.

“The more than 30 years that the Black Box project maintains, is much more admirably when we think of all the crises in Chilean history; Ranging from the institutional alienation generated by the Chilean dictatorship to the establishment of the neoliberal program and that obsession to privatize even the conscience of artists.

They have over passed these events thanks to their convictions; First not to yield under the imposition of an oppressive government, and not to be carried away by the enchantments that the society of consumption gives in exchange of a weakening of critical strength, which has undoubtedly been Important part of the agenda of Black Box “

The visible contrast between the institutional exhibition model and what is presented by Black Box as an exhibition model (for example, CUBO/ CUBE) establishes the difference between what we can call new intervention agents in space, beyond the ideal gallery, museum, exhibition pavilion , of a white cube, whose purpose is to recognize the true sovereignty of the artist and not the enunciation of power that the artist raises over his spectators; Since an exposition should be the dialectical and non-dogmatic development of the argument of which is being exhibited.

It is a question of taking a stand against the built-in mechanisms and tricks that institutionality shows and that are configured as valid when it comes to emplacing authoritarian policies in imposing agendas that are seen in, for example, restrictions on the use of space, in staging rules , Or directly in the censorship of the discourse of the work, confronted with the poetic freedom of an autonomous space “Cube”.

Therefore, the dizzying task of its members today is to overcome the complicated commitment of understand that the project does not fit into space and therefore it is not space, today more than ever it is necessary to overcome and understand Black Box As a visual-critical and argumentative project , that is to say, a “space for thought”.

Text Extract: “From the White Cube to the Black Box” by Hernán Pacurucu

Free entry.

 

CONFERENCIA “RECUERDOS, LUNAS E IMAGINACIÓN”

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DE EDDIE SOLOWAY

ABR 2014

El museo MAVI, se complace en presentar al fotógrafo estadounidense del National Geographic, Eddie Soloway.

Las fotografías de Eddie Soloway son la expresión de su pasión y compromiso con el mundo natural. Su ojo se ha desarrollado durante toda una vida de exploración de los lugares salvajes de la Tierra.

Su formación en  diseño de talleres, desarrollo de programas de vida salvaje y la fina impresión fotográfica han perfeccionado aún más su experiencia.

En 1998, Eddie fue el primer galardonado con el Premio de Excelencia en Enseñanza Fotográfica presentado por el Centro de Santa Fe para la Fotografía, y en 2010 la publicación de la American Photo District News nombró a Eddie uno de los mejores maestros de talleres de fotografía de Estados Unidos.

Hoy divide su tiempo entre la fotografía de bellas artes, enseñando en destacadas instituciones fotográficas, hablando sobre creatividad y la vida fotográfica para National Geographic  y promoviendo proyectos editoriales fotográficos.

Su primer libro, Mil Lunas, fue publicado en el verano de 2004, y el DVD  A Natural Eye Workshop fue lanzado en diciembre de 2009. Sus imágenes se pueden ver en: http://www.eddiesoloway.com

 

CONFERENCE “MEMORIES, MOONS AND IMAGINATION”

BY EDDIE SOLOWAY

The MAVI Museum is pleased to introduce National Geographic’s US photographer, Eddie Soloway.

Eddie Soloway’s photographs are the expression of his passion and commitment to the natural world. His eye has developed over a lifetime from the exploration of wild places on Earth.

His academic training in workshop design, development of wildlife programs and the high-quality photographic print has improved even more his experience.

In 1998, Eddie was the first winner of the Photographic Teaching Excellence Award presented by the Santa Fe Center for Photography, and in 2010 the American Photo District News publication named Eddie one of the best masters of photography workshops Of the United States.

Today he divides his time between fine art photography, teaching in outstanding photographic institutions, talking about creativity and photographic life for National Geographic and promoting photographic publishing projects.

His first book, Mil Lunas, was published in the summer of 2004, and the DVD A Natural Eye Workshop was released in December 2009. His images can be viewed at: http://www.eddiesoloway.com