2015, Venezuela
Director: Lorenzo Vigas
Guión: Guillermo Arriaga, Lorenzo Vigas
Fotografía: Sergio Ammstrong
Reparto: Alfredo Castro, Luis Silva, Jericó montilla, Catherine Cardozo.
Sinopsis
En la convulsa Caracas, Armando, de 50 años de edad, dueño de un laboratorio de prótesis dentales, busca chicos jóvenes en paradas de autobús y les ofrece dinero para que los acompañen a su casan con el fin de observarlos. Tiene también la costumbre de espiar a un hombre de edad avanzada; sabe donde vive, qué lugares frecuenta. Entre ellos hay un vínculo que se remonta al pasado.
Un día Armando se lleva a un chico a su casa, Elder, líder de una banda de delincuentes juveniles. De ese encuentro nacerá un vínculo que cambiará sus vidas para siempre.
Premios
2015 León de oro festival Venecia. Mejor película.
2015 Selección oficial competencia. Festival de San Sebastián.
2015 Mejor opera prima. Festival de la Habana.
2016 Nominada mejor película extranjera. Premios Goya.
FROM A FAR
2015, Venezuela
Director: Lorenzo Vigas
Script: Guillermo Arriaga, Lorenzo Vigas
Photography: Sergio Ammstrong
Cast: Alfredo Castro, Luis Silva, Jericó montilla, Catherine Cardozo.
Synopsis
In the hectic Caracas, 50 years old Armando, owns a dental prosthesis lab, he looks for young boys at the bus stops and offers them money in order to observe them at his house. He also has the habit of spying on an elderly man; He knows where he lives and what places he frequents. Between them there is a bond since long time ago.
One day Armando takes a boy to his house, Elder, leader of a gang. Since then their lives will change forever.
Awards
2015 Golden Lion,Venice festival. Best film.
2015 Official competition selection. San Sebastián Festival.
2015 Best First Film. Havana Festival.
2016 Nominated best foreign film. Goya Awards.
2015, Brasil
Directora: Anna Muylaert
Guión: Anna Muylaert
Fotografía: Bárbara Álvarez
Música: Fabio Trummer, Vitor abajo.
Sinopsis
Val, una ama de casa que trabaja para una familia de mucho dinero de Sao Paulo -lavando, cocinando y limpiando- crea en sus años de trabajo una fuerte relación con la familia, especialmente con Fabrinho, el hijo del matrimonio de la casa, de quien es su confidente, ya que su madre parecer no tener tiempo para él.
Val dejó hace años a su propia hija, Jessica, para dedicarse a trabajar y poder darle el sustento económico que ella necesita. De pronto Jessica anuncia su llegada, ahora es una joven segura de sí misma, llena de capacidades y con la intención de estudiar arquitectura en la Universidad de Sao Paulo. A Jessica no le parecen las reglas de la casa donde vive y trabaja su madre, lo que desata una serie de situaciones y discusiones entre madre e hija en las que la familia también se ve involucrada, acabando por alterar los ordenes de poder y las reglas dentro de la casa. Esta nueva situación pondrá en tela de juicio las lealtades de Val y la obligará a valorar lo que está dispuesta a perder.
Una película que aborda de manera inteligente y con mucha sensibilidad la lucha de clases, un juego complejo de relaciones sociales, poder, afectos y sentimientos.
Es la segunda película de su directora; actriz, guionista y directora brasileña (52 años), con mucha experiencia en televisión y cine.
THE SECOND MOTHER
2015, Brasil
Director: Anna Muylaert
Script: Anna Muylaert
Photography: Bárbara Álvarez
Music: Fabio Trummer, Vitor abajo.
Synopsis
Val, a housekeeper who works for a wealthy family from Sao Paulo – washing, cooking and cleaning – creates in her years of work a strong relationship with the family, especially with Fabrinho, the son of the marriage of the house, of Who she is his confidant, since his mother does not seem to have time for him.
Val left her own daughter, Jessica, years ago to work and give her the financial support she needs. Suddenly Jessica arrives, she is a young woman now, full of skills and with the intention of studying architecture at the University of Sao Paulo. Jessica does not like the rules of the house where her mother lives and works, which unleashes a series of situations and discussions between mother and daughter in which the family is also involved, altering the order and rules inside the house. This new situation will challenge Val’s loyalties and force her to value what she is willing to lose.
A film that intelligently and sensitively approaches the class struggle, a complex game of social relations, power, affections and feelings.
It is the second film of Anna Muylaert; Actress, screenwriter and Brazilian director (52 years), with much experience in television and cinema.
2014, Cuba
Dirección: Ernesto Daranas
Guión: Ernesto Daranas
Fotografía: Alejandro Pérez
Reparto: Armando Valdés Freyre, Alina Rodriguez, Silvia águila, Yuliet Cruz, Amaly Junco.
Sinopsis
Cuenta la historia de Chala (Armando Valdés Freyre), un niño de once años cuya vida transcurre en un ambiente de violencia, con una madre adicta a las drogas y al alcohol y perros de pelea que entrena para sostener su hogar. Este niño, que acude a su escuela sin despojarse de su marginalidad y conflictos, tiene una relación especial con su maestra Carmela (Alina Rodriguez).
Ernesto Daranas es uno de los directores cubanos contemporáneos mas importantes y ha logrado hacer con Conducta, no solo un trabajo vivencial para sus alumnos de cine, sino que juntos han creado una película emotiva que se adentra en las calles de cuba y que -más aún- se mete en las aulas que han albergado a decenas de generaciones de niños desde que inició el régimen (incluso antes).
Daranas explora distintas historias de niños en una escuela en La Habana, que se entrelazan gracias a la presencia de su maestra Carmela. Ella ha dado su vida por la formación de sus alumnos durante décadas y en este particular punto de su vida (a un paso del retiro) interviene en la vida de dos chicos en particular: Chala y Yeni.
Las historias son distintas pero Carmela cuida de todos los niños, aunque comienza a resentir con mucha más insistencia la presión política y social que existe ahora en el sistema educativo Cubano.
Mientras tanto, Daranas, muestra las condiciones de Cuba, que sigue viviendo en una cápsula del tiempo con sus casas viejas sin mantenimiento, sus vehículos de los años 50, sus calles, sus aulas son las mismas desde hace 40 años, el color del alma de los cubanos ilumina sus paredes grises y desechas; es la luz que emanan las personas las que encienden la bahía. Daranas captura todo y lo deja en la cinta, en la gama de luces ocres semi coloreadas que da calidez a la historia y alcanza a dibujar una sensación de incomodidad que contrasta con el azul del cielo y los destellos de luz en algunos elementos de los vestuarios y las escenografías.
BEHAVIOR
2014, Cuba
Director: Ernesto Daranas
Script: Ernesto Daranas
Photography: Alejandro Pérez
Cast: Armando Valdés Freyre, Alina Rodriguez, Silvia águila, Yuliet Cruz, Amaly Junco.
Synopsis: Tells the story of Chala (Armando Valdés Freyre), an eleven-year-old boy whose life takes place in an environment of violence, with a mother addicted to drugs and alcohol and who trains fighting dogs to support the home. This child, who comes to school carrying his problems, has a special relationship with his teacher Carmela (Alina Rodriguez).
Ernesto Daranas is one of the most important contemporary Cuban directors and has managed to do with Conduct, not only a living work for his film students, but together they have created an emotional film that goes into the streets of Cuba and goes into the classrooms that have housed dozens of generations of children since the beginning of the regime (even before).
Daranas explores different stories of children in a school in Havana, which intertwined thanks to the presence of their teacher Carmela. She has given her life for her students for decades and in this particular point of her life (a step away from retirement) takes part in the lives of two boys in particular: Chala and Yeni.
The stories are different but Carmela takes care of all the children, although she begins to feel with much more insistence the political and social pressure that now exists in the Cuban educational system.
Meanwhile, Daranas shows the conditions of Cuba, which continues to live in a time capsule with its old houses without maintenance, its vehicles of the 50’s, its streets, its classrooms are the same for 40 years, the color of the soul Of Cubans illuminate its gray walls; It is the light of people that illuminate the bay. Daranas captures everything, in the range of semi-colored ocher lights that gives warmth to the story and reaches to draw a feeling of discomfort that contrasts with the blue sky and flashes of light in some elements of the costumes and the scenographies.
Colombia, 2015
Dirección: Ciro Guerra
Países: Colombia, Venezuela, Argentina.
Guión: Ciro Guerra, Jacques Toulemonde Vidal
Basada en diarios de Theodor Koch_ Grunberg y Richards Evans Schultes
Producción: Cristina Gallego
Fotografía: David Gallego
Montaje: Etienne Boussac
Música: Nascury Linares
Sinopsis
La película nos sitúa en plena “guerra del caucho” en el amazonas y narra entre 1909 y 1940 los diarios de viaje de dos científicos, el alemán Theodor Koch_ Grunberg y el norteamericano Richard Evans, junto a una especie de guía gurú un chamán amazónico Karamakate, en busca del yakruna, una planta sagrada difícil de conseguir.
Esta bella e interesante película ha recibido importantes reconocimientos, el Art Cinema Award de la quincena de realizadores en Cannes, su director ha construido la pieza final de una trilogía, iniciada con La sombra del caminante (2004), Los viajes del viento (2009), en la que aborda, como idea central, el viaje como jornada de transformación personal.
Una especie de metáfora visual que propone en El abrazo de la serpiente a el río como personaje principal en una especie de ser mítico que te abraza con su energía cíclica, que acompaña al hombre amazónico durante toda su vida. La realidad es que la selva es tan impenetrable que los recorridos se hacen a través del río; hay un homenaje al hombre que habita estos paisajes y que sobrevive relacionando con la naturaleza que lo rodea y que lo supera con una fuerza divina, tribus de raza: Tikuna, Kubeo, Huitoto y Ocaina que en alguna época surcaron esas aguas y que hoy aun sobreviven.
La película muestra la convivencia de dos universos distintos, el de los científicos y toda su experiencia en esta investigación de campo hecha junto a estos indígenas; como aprenden de las culturas nativas y como a la vez ellos van poniendo al servicio de los descubrimientos su conocimientos científicos, en un mensaje de diversidad cultural que mezcla dos extremos: la visión científica, exploradora y bien intencionada, curiosa y obsesionada no solo con las riquezas naturales de la región sino también por los misterios encerrados en sus plantas únicas de poder sanador y mágico. Del otro lado, la visión mágico iluminada chamánica, igualmente culta, desarrollada, respetuosa y temerosa del indígena, que es maestro y guía. Ambas visones conversan, se comunican, se complementan en el cruce de conocimientos y en el habitar de importantes momentos de experiencia de vida que forjan relaciones y vínculos en torno a este extraordinario y único viaje.
EMBRACE OF THE SERPENT
Director: Ciro Guerra
Countries: Colombia, Venezuela, Argentina
Script: Ciro Guerra, Jacques Toulemonde Vidal
Based on the diaries of Theodor Koch_ Grunberg and Richards Evans Schultes
Production: Cristina Gallego
Photography: David Gallego
Montage: Etienne Boussac
Music: Nascury Linares
Synopsis: The film puts us in the middle of the “Gaucho war” in the Amazon and narrates the travel journals of two scientists, the German Theodor Koch_ Grunberg and the American Richard Evans, between 1909 and 1940, along with a kind of guide, a guru, a Karamakate Amazonian Shaman, in search of the yakruna, a sacred plant difficult to get.
This beautiful and interesting film has received important recognitions, the Art Cinema Award of the fifteen filmmakers in Cannes, its director has built the final piece of a trilogy, begun with Wandering Shadows (2004), The Wind Journeys (2009) In which he approaches, as a central idea, the journey as a transformation.
A kind of visual metaphor proposed in Embrace of the Serpent is the river as the main character in a kind of mythical being that embraces you with its cyclical energy, which accompanies the Amazonian man throughout his life. The reality is that the jungle is so impenetrable that the routes are made through the river; There is a tribute to the man who inhabits these landscapes and who survives living with the nature that surrounds him and that is much more than him due to a divine force, tribes of race: Tikuna, Kubeo, Huitoto and Ocaina that once crossed those waters and that survive today.
The film shows the coexistence of two different universes, the scientists and all their experience in this research field done with the natives; As they learn from the native cultures and at the same time they put their scientific knowledge at the service of the discoveries, in a message of cultural diversity that mixes two extremes: the scientific, exploratory and well-intentioned, curious and obsessed not only with natural resources of the place but also by the mysteries enclosed in its unique plants of healing and magical power. On the other side, the illuminated shamanic magical vision, equally cultured, developed, respectful and fearful of the native, who is a teacher and guide. Both visions discuss, communicate, complement each other in the crossing of knowledge and in the living of important moments of life experience that build up relationships and bonds around this extraordinary and unique journey.
Francia, 2001
117 minutos
Dirección: Phillipe Garrel
Guión: Phillipe Garrel, Marc Cholodenko, Chilique Garrel, Arlette Langmann
Música: Jean Claude Vannier
Fotografía: Raoul Coutard
Un director quiere hacer una película contra la heroína (su mujer murió de una sobredosis). Le gustaría que la protagonista fuese la actriz de la que se ha enamorado. Se pone a buscar financiamiento, pero le va mal. Un día un tipo después de escuchar su relato un tipo le propone una gran cantidad de dinero por pasar una maleta con heroína de un país a otro, en la desesperación de vengar a su mujer y de su nuevo amor decide aceptar.
WILD INNOCENCE
2001, France
Director: Phillipe Garrel
Script: Phillipe Garrel, Marc Cholodenko, Chilique Garrel, Arlette Langmann
Music: Jean Claude Vannier
Photography: Raoul Coutard
A director wants to make a movie against heroin (his wife died of an overdose). He would like the protagonist to be the actress he has fallen in love with. He looks for someone to finance the project, but he doesn’t succeed. One day a guy after listening to his story proposes him a lot of money for passing a suitcase with heroin from one country to another, wishing to avenge his wife and his new love he decides to accept.
Francia, 1999
Director: Philippe Garrel
Fotografía: Caroline Champetier
Musica: John Cale
Reparto: Catherine Deneuve, Daniel Duval, Xavier Beauvois, Jaques Lasallee, Danielle Pommereulle.
Helen podría tener un vida feliz junto a su marido, pero se aburre. Mantiene una relación con un hombre más joven, Paul; no sabe bien que es lo que sostiene esa relación, si el deseo, el dinero, la necesidad de compañía, la misma soledad que la visita… no sabe. Serge; un hombre mayor, arquitecto, que carga con una pena muy fuerte por la pérdida de su esposa, se cruzara en sus historias; un hombre, una proyección, la consumación de los deseos y los fracasos de ambos; un personaje que es como un fantasma de la vida, pero que los marcará para siempre.
NIGHT WIND
1999 France
Director: Philippe Garrel
Photography: Caroline Champetier
Music: John Cale
Cast: Catherine Deneuve, Daniel Duval, Xavier Beauvois, Jaques Lasallee, Danielle Pommereulle.
Helen could have a happy life with her husband, but she gets bored. She maintains a relationship with a younger man, Paul; she does not know well what sustains that relationship, if the desire, the money, the need for companionship, or the loneliness that visits her …she does not know. Serge; An older man, an architect, who carries a big sorrow for the loss of his wife, will cross their stories; A man, a projection, the consummation of the desires and failures of both; A character who is like a ghost of life, but who will mark them forever.
EEUU, 1974
Director: John Cassavetes.
Siempre me ha parecido extraño el título de este film. Bajo la influencia. ¿Cuál?, ¿De qué o de quién? Parece una frase inacabada, de la misma manera que no estamos frente a una historia acabada y cerrada.
En un arco dramático clásico Una mujer bajo la influencia no ya solo comienza a media res, si no que se sitúa en el desenlace. En ella Mabel / Gena Rowlands tiene problemas con las expresiones de sus sentimientos. Nunca acaba de encajar con el entorno que se ha creado en el matrimonio con Nick / Peter Falk (actor y amigo de Cassavetes), obrero italoamericano de la construcción.
La mujer trata de comportarse según lo que dictan las convenciones sociales sobre como tiene que ser una madre de mediana edad, ama de casa y madre de tres hijos (Nick siempre es la batuta que la guía). En Una Mujer bajo la influencia Cassavetes nos muestra a dos personas que tratan de hacer lo mejor que pueden, para que su historia de amor prevalezca por encima de todos los palos en las ruedas que el entorno mas inmediato pone (premeditadamente o no). El problema de Nick es que esta demasiado pendiente de lo que dicen y opinan los demás, donde no falta una intrusa, demoniaca y posesiva madre.
Su conflicto radica en gran parte en el modelo de perfección para ser el hombre de la casa impuesto en su crianza, sin poder soportar sus propios errores, sus fracasos y los de los que lo rodean. Cassavetes, en una escala de microambiente familiar, mediante un obsesivo verismo absoluto, inarticulado, lleno e vacilaciones, digresiones e imperfecciones, como la vida misma, reproduce las mismas acciones que sedan en la sociedad con el que es distinto, con el raro, el extraño, primero se trata de asimilarlo y si no es posible se anula, se borra. Por eso Nick acaba tomando la decisión de internar a su mujer en u hospital. Nick ha tratado durante toda la película de encarrilar a Mabel.
La importancia de Una mujer bajo la influencia está en que está enfocada desde el punto de vista de la que sufre la inadaptación, Mabel es un espíritu libre, así quiere sentirse, un poco excéntrica y nerviosa como la describe su hijo Tony, pero no una enajenad mental ni mucho menos, si acaba quebrándose es por todo lo que la rodea, por que no hay mayor frustración que no poder expresarse y sentirse como eres. Los hijos son los únicos que la ven tal y como es, y por eso cuando Nick va tras ella, la defienden, porque Mabel es pura y limpia como un niño, un pajarillo frágil que quiere volar y le han cortado las alas.
A WOMAN UNDER THE INFLUENCE
EEUU, 1974
Director: John Cassavetes.
It has always seemed strange to me the title of this film. Under the influence. Which or whose influence? It seems an unfinished phrase, just as we are not dealing with a finished and closed story.
In a classic dramatic arc A woman under the influence is placed at the denouement. In it Mabel / Gena Rowlands has problems with her feeling expressions. She never really fits in with the environment created in the marriage with Nick / Peter Falk (actor and friend of Cassavetes), an Italian-American construction worker.
The woman tries to behave according to what social conventions dictate about what a middle-aged mother, housewife, and mother of three should be (Nick is always the one who guides her). In A Woman under the influence Cassavetes shows us two people trying to do their best, so that their love story prevails over all the sticks in the wheels that the immediate environment puts (premeditatedly or not). Nick’s problem is that he is too aware of what others say, where there is always an intrusive, demonic and possessive mother.
His conflict lies largely in the perfection model on how to be the man of the house imposed since childhood, unable to bear his own mistakes, his failures and of those around him.
Cassavetes, in a scale of family environment, through an absolute obsessive truth, inarticulate, full of vacillation, digressions and imperfections, like life itself, reproduces the same actions of society with whom is different, with the weird, the Strange, at first he tries to assimilate it and if it is not possible it is erased. That’s why Nick ends up making the decision to put his wife in a hospital. Nick has been trying all along to put Mabel on track.
The importance of A woman under influence is that it is focused from the point of view of whom cannot be adapted, Mabel is a free spirit, so she wants to feel, a little eccentric and nervous as her son Tony describes her, she is not mentally ill, if she ends up breaking down is because of everything that surrounds her, because there is no greater frustration than not being able to express and feel as you are. Her children are the only ones who see her as she is, and so when Nick goes after her, they defend her, because Mabel is pure and clean as a child, a fragile little bird that wants to fly and they have cut off her wings.
Irán, 1991
Dirección: Abbas Kiarostami
Guión: Abbas Kiarostami
Fotografia: Hormayoon Payvar
Musica: Musica popular iraní
Y la vida continua es la segunda parte de la denominada trilogía Koker o trilogía del terremoto, la primera parte es Donde esta la casa de mi amigo y la ultima es A través de los olivos.
En 1990, un terremoto devastó el norte de Irán. Un cineasta, acompañado por su hijo, regresa a los lugares de los que estuvo en su última película.
Este caso, es la transposición de la verdadera historia del cineasta Abbas Kiarostami, donde rodó la película Donde está la casa de mi amigo, lugares donde tuvo lugar el terremoto. Allí se encontró solo ruinas, luto, la desolación; sin embargo, sigue siendo un fuerte impulso para que la vida continúe… como si nada hubiera pasado.
AND LIFE CONTINUOUS
1991 Iran
Musica: Musica popular iraní/ Music: Popular Iranian Music
Director: Abbas Kiarostami
Script: Abbas Kiarostami
Photography: Hormayoon Payvar
And Life Continuous is the second part of the so-called Koker trilogy or trilogy of the earthquake, the first part is Where is the friend’s home is and the last one is Through the olive trees.
In 1990, an earthquake devastated northern Iran. A filmmaker, accompanied by his son, returns to the places where he was in his last film.
This case is the transposition of the true story of the filmmaker Abbas Kiarostami, where he filmed Where is the friend’s home, places where the earthquake occurred. There he found only ruins, mourning, desolation; However, a strong energy remains for life to continue … as if nothing had happened.
Dirección: Abbas Kiarostami
Irán / 1994
Director: Abbas Kiarostami
Guión: Abbas Kiarostami
Fotografía: Hossein Djafarian, Farhad Saba.
Música: Música popular iraní.
Un equipo de rodaje llega a un pueblo del norte de irán, en la región de Koker, devastado por un temblor de tierra, para realizar una película. Hossein, un muchacho del lugar, es contratado como ayudante del equipo y, además se le asigna la interpretación de un pequeño papel. Casualmente, también colabora en la película una muchacha del vecindario, de la que Hossein está enamorado, pero los padres de ella lo rechazan porque carece de recursos económicos.
THROUGH THE OLIVE TREES
Director: Abbas Kiarostami
Iran / 1994
Script: Abbas Kiarostami
Photography: Hossein Djafarian, Farhad Saba.
Music: Popular Iranian music
A film crew arrives in a village in northern Iran, in the region of Koker, devastated by an earthquake, to make a film. Hossein, a local boy, is hired as an assistant and also they assign him a small role in the film. Incidentally, a girl from the neighborhood also collaborates in the film, of which Hossein is in love, but her parents do not approve him because he lacks the economic resources.
Dirección: Phillipe Garrel
Francia, 2005
Director: Phillipe Garrel
Guión: Phillipe Garrel, Marck Cholodenko, Arlette Langmann.
Fotografía: Willy Lubtchansky
Los amantes regulares es un estremecedor viaje de tres horas al convulso mayo del 68 y sus postrimerías, escenario que el veterano Phillipe Garrel utiliza para documentar los instantes que median entre la posibilidad de alcanzar la gloria ( personal, colectiva, en la guerra , en el amor) y la certeza de haber fracasado estrepitosamente.
François (Louis Garrel) es un joven poeta parisino involucrado en las revueltas de mayo del 68, los meses pasan la revolución pierde fuelle, François frecuente junto a otros artistas y revolucionarios el piso de Antoine (Julien Lucas) un joven adinerado que actúa como mecenas de todos ellos. En esta torre de marfil, se habla sobre maoísmo, los caducos valores de la Francia Gaullista y el arte. Se citan versos de Musset, uno de los jóvenes pinta cuadros incasablemente, se disparan el la sien con pistolas descargadas y fuman opio, en medio de rituales que subrayan la idea de la rebeldía y el descontento pero también los sueños de juventud. Aparece entonces Lilie una joven escultora de la que François se enamora y con la que comienza una relación que se va consolidando en la mediad que aparecen los cuestionamientos sobre las obligaciones, el compromiso, la fidelidad y el proyecto común. Quizás en sus primeros 20 minutos parece un retrato a pie de barricada del mayo del 68 francés al estilo de un cine veritè, con una mirada neutra y cámara fija: imágenes que son un registro documental de la realidad de una revuelta: coches ardiendo, muros levantados en medio de la calle, lluvia de molotov y hordas de policías armados hasta los dientes.
Pero es lo que acontece después a este marco lo que provoca e interesa la mirada del director, un militante solitario de la independencia cinematográfica. Entonces en la segunda parte dl film participamos de un cambio total de timón, de la acción callejera pasamos a un universo de apáticos interiores, del ensueño del cambio al sueño que provoca el opio, las barricadas que los protegen de lo que no les gusta la conforman ahora los amigos, el amor, la música también muta y pasa del pop al piano ensimismado de Jean Claude Vannier.
Garrel documenta el desengaño y la perdida (de ideales, de amistad, amor, ilusión por el arte, por la vida) y lo hace sin sentimentalismos, sin grandilocuencia. Con el tono aséptico y pulcro de un buen cronista; con la lentitud y serenidad necesarias para entender el proceso gangrenoso de la devastación y el vacío.
Por su lado el blanco y negro cavernoso, sin grises de por medio, de la cámara de William Lubtchansky añade a la causa tenebrosidad e inquietante belleza. Elegante en el despertar amoroso, fatídico cuando en la relación de François y Lille aparecen los primeros baches.
Visualmente incontestable, el filme de Garrel posee entre otros atributos un extraño y prodigioso fluir, resultado de una particular conjunción de planos. La escenas claves nunca se muestran pero e algún modo las llegamos a saber, bien mediante entrecortadas conversaciones, un intercambio de tímidas sonrisas o el regreso a casa, de puntillas, muy entrada la noche.
Los amantes regulares se podría entender como un filme intergeneracional, familiar. Además del protagonismo de Louis Garrel, hijo del director también aparece su padre, Maurice Garrel en una inolvidable escena de magia.
Los amantes regulares bucea tanto en la memoria colectiva como en el recuerdo íntimo. Su fuerza es por ello universal, y su fulgor imborrable.
REGULAR LOVERS
Francia, 2005/ France
Director: Phillipe Garrel
Script: Phillipe Garrel, Marck Cholodenko, Arlette Langmann.
Photography: Willy Lubtchansky
Regular lovers is a thrilling three-hour trip to May 1968, a stage that veteran Phillipe Garrel uses to document the moments between the possibility of achieving glory (personal, collective, in war and in love) and the certainty of having failed miserably.
François (Louis Garrel) is a young Parisian poet involved in the protests of May 68, months pass the revolution loses strength, François frequents, with other artists and revolutionaries, the floor of Antoine (Julien Lucas) a wealthy young man who acts as “the leader” of all them. In this ivory tower, they talk about Maoism, the outdated values of the Gaullist France and art. They quote Musset’s verses, one of the young men paints non- stop, they shoot themselves in the temple with discharged pistols and smoke opium, in middle of rituals that emphasize the idea of rebellion and discontent but also dreams of youth. Then appears Lilie a young sculptress of whom François falls in love and begins a relationship that is consolidating as the questions about obligations appear, like commitment, fidelity and common projects. Perhaps in its first 20 minutes it looks like a portrait of the French May of 68 in the style of a cinema veritè (or cinema of reality), with a neutral point of view and fixed camera: images that are a documentary record of the reality in times of protest: cars burning, Raised walls in the middle of the street, petrol bomb rain and groups of police armed from head to toe.
But what happens next to this framework is what provokes and interests the eyes of the director, a solitary militant of the cinematographic independence. Then in the second part of the film we participate in a total change, from the street action we move to a universe of indifferent spaces, from the dream of change to the dream that opium causes, the barricades that protect them from what they do not like are now made up by friends, love, music also mutates and passes from pop to Jean Claude Vannier’s self-absorbed piano.
Garrel documents the disappointment and loss (of ideals, friendship, love, illusion for art, for life) and does so without sentimentality. With the aseptic and neat tone of a good chronicler; With the slowness and serenity necessary to understand the process of devastation and emptiness.
On the other hand, the white and black camera, without gray in the middle, of William Lubtchansky adds to the cause darkness and disturbing beauty. Elegant in the love awakening, fateful when in the relationship between François and Lille appear the first obstacles.
Visually unanswerable, Garrel’s film has among other attributes a strange and prodigious flow, the result of a particular conjunction of frames. The key scenes are never shown but somehow we get to know them, either through choppy conversations, an exchange of shy smiles or the tiptoe return home, very late at night.
Regular lovers could be understood as an intergenerational, familiar film. Besides the protagonism of Louis Garrel, son of the director, also appears his father, Maurice Garrel in an unforgettable scene of magic.
Regular lovers dives into the collective memory and in the intimate memory. Its force is therefore universal, and its glow is unforgettable.