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TORRENTES DE AMOR

Películas

Dirección: John Cassavetes

EE.UU, 1984

Director: John Cassavetes

Robert Harmon es un escritor que dedica el tiempo a terminar su libro sobre la verdadera naturaleza del amor entre el hombre y la mujer. A diferencia de Sarah, que cree que siempre hay una segunda oportunidad en la vida, él piensa que el amor es algo abstracto y que se puede comprar y vender como cualquier otra cosa. Sarah está pasando por momentos difíciles y le pide a Robert que la ayude a superar su divorcio.

 

LOVE STREAMS

Director: John Cassavetes

EE.UU, 1984

Robert Harmon is a writer who dedicates time finishing his book on the true nature of the love between man and woman. Unlike Sarah, who believes that there is always a second chance in life, he thinks that love is something abstract and that it can be bought and sold like anything else. Sarah is going through some difficult moments and asks Robert to help her overcome her divorce.

 

DONDE ESTA LA CASA DE MI AMIGO

Películas

Dirección: Abbas Kiarostami

Irán, 1987

Director: Abbas Kiarostami

Guión: Abbas Kiarostami

Fotografía: Farhad Saba

Montaje: Abbas Kiarostami

Música: Amine Allah Seine

Sinopsis

Ahmed se lleva por equivocación el cuaderno de su compañero Mohamed (Ahmed vive en Koker y su amigo en Poshteh). Ahmed Tiene que devolver el cuaderno porque ese mismo día el maestro había llamado la atención de Mohamed por no haber hecho los ejercicios y lo amenazó con expulsarlo si se volvía a repetir. Es por eso que Ahmed sale en busca de la casa de su amigo.

SOBRE LA HISTORIA MODERNA Y CONTEMPORÁNEA DE IRÁN, PARA ACERCARSE A LAS IDEAS QUE INTERESAN O QUE MUEVEN LA MIRADA DE ABBAS KIAROSTAMI COMO PUNTOS DE PARTIDA PARA SUS HISTORIAS Y SU CINE.

El siglo  XVI fue el de la independencia de la dinastía Safavi y las siguientes que se otorgaron el título de Shah. En el siglo XIX Persia, bajo la presión de Rusia y el Reino unido, inició un proceso de modernización. Durante la Segunda Guerra Mundial, fue ocupada por ambas potencias. En 1953, el primer ministro Mohammad Mosaddeq, fue expulsado del poder al intentar nacionalizar los recursos petrolíferos, en una operación orquestada por norteamericanos y británicos. El Shah Mohammad Reza Pahlavi incrementó sus poderes dictatoriales con el apoyo de Estados Unidos, que le consideraban su mayor aliado en la zona. En 1979 el descontento de la población provocó una rebelión que duró cerca de un año y que desembocó en el exilio del Shah y la instauración de la República Islámica con Ruhollah Khomeini como máximo dirigente.

En 1980 se inició la guerra Irán- Iraq que finalizaría en 1988 (nuestra película fue rodada en los tiempos finales del régimen dictatorial).

Tras la muerte de Khomeini en 1989 fue sucedido por Alí Khamenei como jefe de estado, quedando la jefatura del gobierno abierta a unas elecciones cada cuatro años en las que se ha asistido a una pugna entre un sector reformista liderado por Mohammad Khatami y otro conservador.

Irán hoy es una república islámica constitucional, su sistema político esta establecido en la constitución de 1979, llamada Qanun e Asasi. Irán tiene varias entidades gubernamentales complejamente interconectadas. Algunas de esas entidades son elegidas en forma democrática y otras elegidas conforme a sus inclinaciones.

En términos generales el paisaje Iraní está dominado por cordilleras que separan varias cuencas y mesetas unas de otras. La poblada parte occidental es la más montañosa, con cordilleras como los montes Zagros y las Montañas Elburz. La mitad oriental del país consiste básicamente en un desierto deshabitado formado por cuencas con ocasionales lagos de sal. Las únicas llanuras se encuentran a lo largo de la costa del mar Caspio y en el Golfo Pérsico, junto a la frontera con Iraq en Arvandrud. Llanuras  menos extensas se encuentran a lo largo de la costa del golfo, en el estrecho de Hormuz y en el Mar de Omán.

¿DÓNDE ESTÁ LA CASA DE MI AMIGO? UNA APROXIMACIÓN A REFLEXIONAR SOBRE LO QUE PUEDE SER LA AMISTAD.

Aquí hay una nuevo registro cinematográfico propio de Abbas, un tránsito por distintos lugares, intentando encontrar la casa de Nematzadeth, Ahmed se atravesará con distintas personas, quienes de alguna u otra manera intentarán  orientar su camino, pero no sin antes dejar algo de su historia, las huellas de su vida, las cicatrices de su pueblo. Desde su abuelo, un constructor de puertas o la vecina, de alguna manera se expresa el peso generacional de la gente más adulta que choca con los nuevos valores y costumbres de la gente mas joven.

ENTRE LA CIRCULARIDAD Y LA CONTEMPLACIÓN

En las películas de Kiarostami, se pueden identificar elementos propios de su mirada como el caso de la extensas escenas que parecen no llevar a ninguna parte y que siguen al protagonista por distintos paisajes y comprometen al espectador con la contemplación  de la secuencia y aprovechar de asistir a la idea del transcurso de espacio temporal de una secuencia, acompañada de la transformación del paisaje por la luz natural y el paso del día a la noche.

 

WHERE IS MY FRIEND’S HOME

Director: Abbas Kiarostami

Country: Iran 1987

Script: Abbas Kiarostami

Photography: Farhad Saba

Montage: Abbas Kiarostami

Synopsis: Ahmed mistakenly takes the notebook of his partner Mohamed (Ahmed lives in Koker and his friend in Poshteh). Ahmed has to return the notebook because the same day the teacher had called Mohamed’s attention for not having done the exercises and threatened to expel him if he repeated it. That’s why Ahmed goes looking for his friend’s house.

ABOUT THE MODERN AND CONTEMPORARY HISTORY OF IRAN, TO COME TO THE IDEAS THAT INTEREST OR THAT CHANGE THE POINT OF VIEW OF ABBAS KIAROSTAMI AS STARTING POINTS FOR HIS STORIES AND HIS FILMS.

In the sixteenth century was the independence of the Safavi dynasty and the following granted the title of Shah. In the nineteenth century Persia, under pressure from Russia and the United Kingdom, began a process of modernization. During World War II, it was occupied by both powers. In 1953, Prime Minister Mohammad Mosaddeq was expelled by attempting to nationalize oil resources in an operation by Americans and British. Shah Mohammad Reza Pahlavi increased his dictatorial powers with the support of the United States, which considered him as the greatest ally in the area. In 1979 the discontent of the population caused a rebellion that lasted about a year and that led to the exile of the Shah and the establishment of the Islamic Republic with Ruhollah Khomeini as top leader.

In 1980, the Iran-Iraq war started, which would end in 1988 (our film was shot in the final days of the dictatorship).

After Khomeini’s death in 1989 he was succeeded by Ali Khamenei as head of state, leaving the leadership of the government open to elections every four years in which
there has been a struggle between a reformist sector led by Mohammad Khatami and another conservative.

Iran today is a constitutional Islamic republic, its political system is established in the 1979 constitution, called Qanun and Asasi. Iran has several interconnected government entities. Some of these entities are democratically elected and others elected according to their inclinations.

In general terms the Iranian landscape is dominated by mountain ranges that separate several river basins and plateaus from each other. The densely populated western part is the most mountainous, with mountain ranges such as the Zagros Mountains and the Elburz Mountains. The eastern half of the country consists basically of an uninhabited desert formed by river basins with occasional salt lakes. The only plains are found along the coast of the Caspian Sea and in the Persian Gulf, on the border with Iraq in Arvandrud. Less extensive plains lie along the Gulf Coast, in the Strait of Hormuz and in the Oman Sea.

WHERE IS THE FRIEND’S HOME? AN APPROACH TO REFLECT ON WHAT CAN FRIENDSHIP BE.

Here is a new typical film of Abbas, a transit through different places, trying to find the house of Nematzadeth, Ahmed will cross with different people, who in some way or another will try to guide his way, but not before leaving some of his story , The traces of his life, the scars of his people. From his grandfather, a door-builder or neighbor, somehow expresses the generational weight of the most adult people that clashes with the new values and customs of younger people.

BETWEEN CIRCULARITY AND CONTEMPLATION

In the films of Kiarostami, you can identify elements of his point of view as the case of extensive scenes that seem to lead nowhere and follow the protagonist by different landscapes and engage the viewer with the contemplation of the sequence and take advantage of attending the idea of the course of time/ space of a sequence, accompanied by the transformation of the landscape by natural light and the change from day to night.

 

EL VIENTO NOS LLEVARA

Películas

Dirección: Abbas Kiarostami

Irán, 1999

Director: Abbas Kiarostami

Guión: Abbas Kiarostami

Música: Peyman Yazdanina

Fotografía: Mahmoud Kalari

SINOPSIS

Un grupo de televisión acude a un pueblo distante a 700  kilómetros de Teherán -la localidad Kurdo- Iraní de Siah Dareh, a filmar un acontecimiento popular, la ceremonia fúnebre de una anciana de 100 o más años según el rumor del pueblo; la misión del registro audiovisual del suceso se mantiene un tanto encubierta por parte del equipo, lo que genera confusión entre los habitantes. El film que se desarrolla entre lo documental y la ficción aborda el tiempo de espera para que ocurra la ceremonia.

SOBRE EL DIRECTOR

Abbas Kiarostami nace en 1940 y muere en Julio de este año 2016 a los 76 años.

Director de cine, guionista, fotógrafo, poeta y productor de cine. Kiarostami estudia Bellas Artes en la Universidad de Teherán, luego trabaja en el centro de formación y desarrollo intelectual de niños, jóvenes y adultos, lugar donde comienza, a través de la realización de varios cortometrajes, su carrera  como director de cine.

Kiarostami pertenece a la generación de cineastas que fundó la llamada nueva ola del cine Iraní, que comenzó en los años 60 y que en la década del 70 alcanzó repercusión internacional. Kiarostami rodaba con actores puros -llamados no profesionales-,  buscando sobretodo la capacidad de maravillarse frente a lo sorprendente, a lo no predecible como reacción o acción del actor frente a su búsqueda. Le atraía mucho trabajar con los niños, sus rostros, sus miradas, sus gestos y también los autos, el automóvil como un objeto o instrumento que posibilita mirar desde distintos puntos de vista manteniendo un centro (los autos permiten multiplicar la mirada). Kiarostami desconfía de la realidad porque nada es real hasta que no alcanza la compleja sencillez de su sentido.

“Hoy es complejo conseguir tiempo para hacer algo que no tenga función”, dijo por última vez y luego, al otro día, murió.

Prácticamente durante toda su vida, y su trabajo como director de cine, lo llevó a cabo en un contexto histórico complejo, como lo fueron las dos dictaduras seguidas instaladas en su país, con todo lo represivo, violento y castrador que puede significar esto para una sociedad, su tradición cultural, sus habitantes y mas aún a la mente de un artista creador como él. A propósito de esto alguna vez dijo: “Las personas se refugian en lo que les gusta hacer para resistir las circunstancias en que se desarrolla su vida, unos combaten, otros ensimismados se alejan y crean su propio mundo interior y desde ahí viven y crean…”

 

THE WIND WILL CARRY US

Iran, 1999

Director: Abbas Kiarostami

Script: Abbas Kiarostami

Music: Peyman Yazdanina

Photography: Mahmoud Kalari

SYNOPSIS

A television group goes to a village 700 kilometers from Tehran – the Iranian-Kurdish locality of Siah Dareh, to film a popular event, the funeral ceremony of an elderly woman aged 100 or more according to the rumor of the people; The mission of the audiovisual record of the event is somehow disguised by the team, which creates confusion among the inhabitants. The film that develops between documentary and fiction points to “the waiting time” for the ceremony to take place.

ABOUT THE DIRECTOR

Abbas Kiarostami was born in 1940 and dies in July of this year 2016 at the age of 76.

Film director, screenwriter, photographer, poet and film producer. Kiarostami studied Fine Arts at the University of Tehran, then worked at the Training and Intellectual Development of Children, Young People and Adults Center, where he began, through the realization of several short films, his career as a film director.

Kiarostami belongs to the generation of filmmakers who founded the so-called new wave of Iranian cinema, which began in the 60’s and which in the 70’s reached international repercussions. Kiarostami was filming with pure actors – called non-professionals – looking above all the ability to marvel at the surprising, the unpredictable as reaction or action of the actor in front of his search. He was very attracted to working with children, their faces, their looks, their gestures and also cars, the car as an object or instrument that makes it possible to look from different points of view while maintaining a center (cars allow multiplying the look). Kiarostami distrusts reality because nothing is real until it reaches the complex simplicity of its meaning.

“Today is complex to get time to do something that has no function,” he said for the last time and then, the next day, died.

Practically throughout his life, and his work as a film director, he carried it out in a complex historical context, as the two dictatorships installed in his country, with all the repressive, violent and castrating that this can mean for a Society, its cultural tradition, its inhabitants and even more to the mind of a creative artist like him. In connection with this he once said: “People take refuge in what they like to do to resist the circumstances in which their life develops, some struggle, others in self-consciousness turn away and create their own inner world and from there live and create .. “

 

VERANO

Películas

Director: José Luis Torres Leiva

Guión: José Luis Torres Leiva

Dirección fotográfica: Inti Briones

Montaje: Andrea Chinogli / José Luis Torres Leiva

Sonido: Claudio Vargas Roberto Espinoza

Durante un caluroso día de verano, pequeños eventos marcan la vida de un grupo de visitantes y trabajadores de una vieja terma en el sur de chile. Julieta, Francisco, Isa, Rodrigo, Ignacio, Mariana, Muriel, Gabriela, Eliseo, Norma, Alejandra y Claudio pasan largas horas de verano en la naturaleza aprendiendo a manejar, limpiando la casa, besándose por primera vez o solo caminando mientras el día lentamente se disuelve en fragmentos de felicidad y descubrimiento.

Verano es su segundo film de ficción y Torres Leiva continua con su reflexión temporal. Verano es simplemente sobre un verano,  sobre la estación, sobre la idea de su recuerdo, un imaginario de este concepto cargado de nostalgia y fantasía. Verano representa muchos veranos. No es uno solo en particular y la forma como lo viven un conjunto de personajes, es mas bien sobre todos los veranos que ya pasaron y que persisten cohabitando con el presente, en forma de texturas de olores, de colores, de descubrimientos.

En ese sentido es que hay algo muy moderno y autor reflexivo en el cine que piensa en sus propios recursos, haciendo visible lo invisible, trabajando directamente en la exposición de los materiales que componen la obra, haciendo que emerjan  distintos elementos afectivos que nos ayudan a construir a cada uno de nosotros, espectadores nuestro propio verano.

A CERCA DEL AUTOR

José Luis torres Leiva se ha encargado, desde sus primeras películas, de pensar el tiempo, en una idea de tiempo, una aproximación al tiempo como cuerpo, como sistema; a observar su paso, su transcurrir, los efectos que este tiene sobre los paisajes y las personas; sus marcas. Podríamos decir que su cine es, en sí mismo, el registro de esas marcas y huellas que va inscribiendo el paso del tiempo en sus personajes y en los territorios que registra: el psiquiátrico con sus habitantes sin tiempo (El Tiempo Que Se Queda), el sur de Chile luego del terremoto, congelado en la catástrofe (Tres Días Después), el tiempo impreso en el paisaje fluvial de las cercanías de Valdivia (El Cielo, La Tierra Y La Lluvia).

 

SUMMER

Director: José Luis Torres Leiva

Script: José Luis Torres Leiva

Photographic director: Inti Briones

Montage: Andrea Chinogli / José Luis Torres Leiva

Sound: Claudio Vargas Roberto Espinoza

On a hot summer day, small events mark the lives of a group of visitors and workers from an old thermal bath in southern Chile. Julieta, Francisco, Isa, Rodrigo, Ignacio, Mariana, Muriel, Gabriela, Eliseo, Norma, Alejandra and Claudio spend long summer hours in nature learning to drive, cleaning the house, kissing for the first time or just walking while the day slowly Dissolves into fragments of happiness and discovery.

Summer is his second fiction film and Torres Leiva continues with his temporary reflection. Summer is simply about a summer, about the season, about the idea of his memory, an imaginary of this concept loaded with nostalgia and fantasy. Summer represents many summers. It is not only one in particular and the way the characters live it, it is more about all the summers that have passed and that persist cohabiting with the present, in the form of textures of scents, colors, discoveries.

In this sense, there is something very modern and self reflective in the cinema who thinks of its own resources, making visible the invisible, working directly in the exhibition of the materials that compose the work, causing different affective elements to emerge that help us Build each one of us, spectators of our own summer.

ABOUT THE AUTHOR

From his first film, José Luis torres Leiva has thought time as an idea of time, an approach to time as a body, as a system; To observe it passing, the effects it has on landscapes and people; Their marks. We could say that his cinema is, in itself, the record of those marks and traces that gives the passage of time in its characters and in the territories he records: the psychiatric with its inhabitants without time (Time That Is Left), The south of Chile after the earthquake, frozen in the catastrophe (Three Days Later), the time printed in the rainy landscape of the neighborhoods of Valdivia (Heaven, Earth and Rain).

 

POST MORTEM

Películas

Chile, 2011

Director: Pablo Larraín

 

POST MORTEM

Chile, 2011

Director: Pablo Larraín

 

EL AÑO DEL TIGRE

Películas

Chile, 2011

Director: Sebastián Lelio

Guión: Gonzalo Maza

Fotografía: Miguel Littin

Música: Cristóbal Carvajal

Reparto: Luis Dubo, Sergio Hernández, Viviana Herrera.

Manuel está preso en una cárcel del sur Chile. Durante el terremoto del 27 de febrero de 2010, la prisión se derrumba, Manuel logra escapar en medio del caos y la catástrofe, inicia un viaje de  vuelta a su casa, al llegar se encuentra con que el maremoto se ha llevado todo, incluida su mujer y su hija. Mientras avanza en medio de los escombros y de las ruinas, va profundizando sobre la devastación material y la de su propio ser en un contexto de extrañeza y en una forzosa pérdida de identidad absoluta, al que lo condena su nueva condición de libertad.

La naturaleza le ha arrebatado quizás lo más importante de su historia, de su vida.

Notas sobre el director.

Sebastián Lelio; Director, guionista, camarógrafo y montajista, egresa de la Escuela de Cine de Chile, en el ámbito del largometraje-ficción  tiene a su haber: La Sagrada familia (2005), Navidad (2009), El año del tigre (2011), y su última película, y de mayor reconocimiento a nivel internacional, Gloria (2013). }

A priori podríamos  decir que sus trabajos se distinguen  por un cine que, apoyado en la tecnología y en un lenguaje característico del cine digital, busca con riesgo un lenguaje particular desde la urgencia de capturar y construir mundos de gran intensidad en su contenido y dotar a su imágenes de una pulsión importante, que luego somete a largos periodos de ajuste/tensión en un intenso trabajo de montaje que en muchas oportunidades es llevado a cabo por el mismo.

 

 

THE YEAR OF THE TIGER

Director: Sebastián Lelio

Script: Gonzalo Maza

Photography: Miguel Littin

Music: Cristóbal Carvajal

Cast: Luis Dubo, Sergio Hernández, Viviana Herrera

Manuel is being held in a prison in southern Chile. During the earthquake of February 27, 2010, the prison collapses, Manuel manages to escape in the middle of chaos and catastrophe, he starts a trip back home, when he arrives he realizes that the tsunami has taken everything, including his wife and his daughter. As he walks through the rubble and ruins, he goes deeper into the material and self-devastation of his own being in a context of strangeness and a forced loss of absolute identity, to which his new condition of freedom condemns him.

Nature has perhaps taken away the most important thing in his history, his life.

Notes about the director.

Sebastián Lelio; Director, scriptwriter, videographer and editor, graduated from the Film School of Chile, in the field of feature-fiction he has the following repertoire:: The Holy Family (2005), Christmas (2009), The year of the tiger(2011) and his last film of great international recognition, Gloria (2013).

We could say that his works are distinguished by a cinema that, supported by technology and a language characteristic of digital cinema, seeks with risk a particular language from the urgency of capturing and constructing worlds of great intensity in its content and endowing Its images of an important drive, that then undergoes long periods of adjustment / tension in an intense work of editing that in many opportunities is carried out by himself.

 

EL SÉPTIMO SELLO

Películas

Dirección: Ingmar Bergman

Guión: Ingmar Bergman a partir de su pieza para teatro Pintura sobre madera.

Fotografía: Gunar Fischer

Decorados: P.A Lundgren

Reparto: Max Von Sydow, Gunnar Bjornstrand, Nils Pope, Bibi Anderson.

El Séptimo Sello (1957) es una de las películas emblemáticas de Bergman, en ella el director aborda algunos de los temas que caracterizaron por sobre todo la primera época de su trabajo: el sentido de la vida, la muerte o el silencio de Dios.

Hay una pequeña pintura que pudo haber inspirado la imagen fundamental de la película. Un fresco medieval de Alberto El Pintor (Siglo XV), en una capilla cerca de Estocolmo; en ella la muerte juega ajedrez con sus víctimas.

Un águila cruza un cielo lleno de nubes y luz. Retorna el caballero cruzado Antonius Block a su país, una Suecia desgastada por la peste negra. El caballero y su escudero Juan descansan en una playa cuando aparece la muerte dispuesta a llevarse a Antonius, este le propone jugar una partida de ajedrez en la que si vence él, la muerte le permitirá seguir con vida, pero si pierde, podrá llevárselo.

La película gira en torno a las preguntas fundamentales acerca de la muerte como parte de la existencia. La vida y la muerte-la muerte y la vida, la dimensión de la muerte, el lugar que ocupa para nosotros en relación a la vida, ¿se puede vivir?, ¿vivir de verdad pensando y mirando constantemente hacia la muerte, sabiendo que caminamos  hacia ella?, y que además en los cuestionamientos sobre la fe, ella puede ser la nada. Se aborda entonces las crisis que tiene que ver con las certezas, la necesidad de certezas, certezas de Dios, del más allá, porque o si no la vida se puede transformar en un profundo tormento.

La posibilidad de la nada, del horror a la nada, se transforma en un espejo del vacío del corazón del caballero y no hay nada más desolador que la conciencia de una vida vacía.

Entender  la película como un viaje, los personajes que se van apareciendo y se cruzan en el camino del caballero y su escudero, nos van provocando una reflexión sobre de qué se trata  vivir, de cómo entender el tiempo de la vida, el tiempo del aquí y el ahora donde la vida ocurre, y alejarse de los condicionamientos sociales, religiosos y culturales sobre el sentido de la vida en proyección a la muerte, cómo momento culmine y de sentido absoluto de nuestra existencia.

 

THE SEVENTH SEAL

Director: Ingmar Bergman

Script: From his theater play “painting on Wood”

Photography: Gunar Fischer

Decoration: P.A Lundgren

Cast: Max Von Sydow, Gunnar Bjornstrand, Nils Pope, Bibi Anderson.

The Seventh Seal (1957) is one of the emblematic films of Bergman, in which the director addresses some of the themes that characterized the first period of his work: the meaning of life, death or the silence of God.

There is a small painting that could have inspired the fundamental image of the film. A medieval fresco by Alberto “The painter” (15th century), in a chapel near Stockholm; In it death plays chess with its victims.

An eagle crosses a sky full of clouds and light. The knight Antonius Block returns to his country, a Sweden worn out by the Black Death. The knight and his squire John rest on a beach when the death appears ready to take Antonius, he proposes to play a game of chess in which if he wins, death will allow him to stay alive, but if he loses, he can take him away.

The film revolves around the fundamental questions about death as part of existence. Life and death – death and life, the dimension of death, the place that occupies for us in relation to life, can you live like that? Do you really live thinking and looking constantly at death, knowing that We walk towards it ?, and that also in the questions about the faith, it can be nothingness. It talks about the crises that have to do with certainties, the need for certainties, certainties of God, the beyond, because if not life can be transformed into a deep torment.

The possibility of nothing, from horror of nothingness, becomes a mirror of the emptiness of the knight’s heart, and there is nothing more desolate than the consciousness of an empty life.

Understanding the film as a journey, the characters that appear and cross in the path of the knight and his squire, causes in us a reflection on what is to live, how to understand the time of life, the time of here And now, where life happens, and away from the social, religious and cultural conditionings on the meaning of life in relation to death, as a culminating moment and absolute sense of our existence.

 

LA GRAN CENA

Películas

COUS – COUS / Francia, 2007.

Dirección y Guión: Abellatif Kechiche

Fotografía: Lubomir Backchev

Montaje: Ghalia Lacroix

Reparto: Habib Boufares, Hafsia Herzi, Farida Benkhetache.

Cous – Cous narra la historia de una familia de emigrantes magrebíes que intentan abrir y sostener  un restaurant en el puerto como un sueño y la última esperanza de sobrevivencia.

Cous- Cous es el tercer largometraje del director, nuevamente Kechiche se  nos presentan como un director de mucha sensibilidad frente a la observación de la rica, compleja y contradictoria relación entre la Francia opulenta y los emigrantes magrebíes; Cous – Cous viene a derribar varios prejuicios  de los  que piensan en el cine sobre minorías étnicas como un mal necesario engendrado por la dictadura de una corrección política, que tiene que ver con la idea de la integración, la igualdad etc. Esta película no cae en las condescendencias típicas de este tipo de cine que narra historias y desventuras de emigrantes, sus ritos culturales, su tradición culinaria, su condición de obreros emigrantes, y que de algún modo se aprovechan de estas condiciones para cargar la cinta de alguna bandera de lucha, para remecernos y emocionarnos. Kechiche tiene una sensibilidad particular para mostrar y profundizar en estas capas, podemos reconocer las ideas en las que Kechiche insiste como cineasta, vuelve a aparecer una especie de idea de retrato cinematográfico, en especial de la mano de las protagonistas mujeres,  que siempre nos las presenta en primeros planos y empapadas de un universo particular e íntimo muy profundo donde abundan los matices entre dudas y certezas, entre devociones acertadas y fallidas, preguntas, dudas, temores… Un universo lleno de sutilezas fascinantes.

 

COUS COUS

2007./ France

Photography: Lubomir Backchev

Montage: Ghalia Lacroix

Cast: Habib Boufares, Hafsia Herzi, Farida Benkhetache.

Cous – Cous tells the story of a Maghrebi emigrants family of that try to open and hold a restaurant in the port as a dream and the last hope of survival.

Cous-Cous is the director’s third feature, again Kechiche presents himself as a director of great sensitivity against the observation of the rich, complex and contradictory relationship between opulent France and the Maghreb emigrants; Cous – Cous comes to knock down several prejudices of those who think of the cinema about ethnic minorities as a unpleasant necessity conceived by the dictatorship of a political correction, which has to do with the idea of integration, equality, etc. This film does not fall into the typical condescension of this type of cinema that tells stories and misadventures of emigrants, their cultural rites, their culinary tradition, their condition of migrant workers, and that somehow they take advantage of these conditions to load the film with a flag of struggle, to move and touch us. Kechiche has a particular sensitivity to show and deepen these layers, we can recognize the ideas in which Kechiche insists as a filmmaker, a kind of idea of a cinematic portrait reappears, especially in the hands of the female protagonists, who always Presents in close-up and in a private and very deep universe where the nuances between doubts and certainties abound, between successful and failed devotions, questions, doubts, fears … A universe full of fascinating subtleties.

 

VENUS NEGRA

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VENUS NOIRE / Francia, Italia, Bélgica, 2010.

Dirección y guión: Abdellatif Kechiche

Fotografía: Lubomir Bakchev, Sofian El Fani.

Música: Slaheddine Kechiche.

Reparto: Elina Lowensohn, Oliver Gourmet, Jonathan Pienaar, Jean Christophe Bouvet, Andre Jacobs, Olivier Loustau, Eric Moreau.

Sinopsis

Paris, año 1817, real academia de medicina: “Jamás hemos visto cabeza humana más parecida a la de un mono”, son las palabras del anatomista Geroges Cuvier ante el molde del cuerpo de Saartije Baartman. Siete años antes Saartije dejaba Sudáfrica con su amo Caezar y exponía su cuerpo enjaulado al público londinense en las ferias de mounstros. Libre y esclavizada a la vez la Venus Hotentote se convirtió en el ícono de los bajos fondos para acabar sacrificada al espejismo de la prosperidad.

En Venus Negra, Kechiche narra (recreando) una historia verídica, ocurrida a principios de siglo XIX, sobre una mujer popularmente conocida para la época como la Venus Hotentote, cuyo cuerpo fue científicamente disecado, analizado y reproducido en yeso por el Museo de Historia Natural de Paris en 1817. En ella se incluye la presentación oficial del estudio por el naturalista francés Georges Cuvier ante la Academia Real de Medicina de París.

Hotentotes; tribu de los bosquimanos del sur de África, asociados a otra tribu, los Khosian, habita el suroeste de África y vive de la casa y de la recolección, además de la cría de ganado. Sus características lingüísticas y físicas como el habla en chasquidos, su baja estatura, su piel amarilla y los parpados cuyos pliegues son epicánticos como los de los chinos eran considerados rasgos inferiores por los europeos. Además se afirmaba que algunos hombres y mujeres de esa etnia poseían una constitución  peculiar de los órganos sexuales.

Venus Negra muestra algunos indicios de la fascinación de los europeos de aquella época por la constitución corporal y racial de los no europeos y, en ese caso específico, por la particularidad de los atributos anatómicos de los hombres y de las mujeres de aquella etnia, que serían pruebas de una supuesta superioridad de la naturaleza de los hombres de Europa. Esta película nos inspira a debatir cómo, ante la diversidad biológica humana, el cuerpo fue -¿y aún es?- utilizado por la ciencia occidental como locus de diferenciación y de producción de jerarquías entre los seres humanos.

De este modo, la historia de Saartije Baartman, recreada en Venus Negra, nos inspira a reflexionar sobre la historicidad de las concepciones científicas en torno a la diversidad humana, a partir de un debate que toma en consideración no solo aspectos propios de la cultura científica del siglo XIX, sino también, entrelazados, aspectos políticos sobre raza, genero y la subyugación de los pueblos colonizados.

 

BLACK VENUS

2010./ France- Italy – Belgium

Direction and Script: Abdellatif Kechiche

Photography: Lubomir Bakchev, Sofian El Fani.

Music: Slaheddine Kechiche.

Cast: Elina Lowensohn, Oliver Gourmet, Jonathan Pienaar, Jean Christophe Bouvet, Andre Jacobs, Olivier Loustau, Eric Moreau.

Synopsis: Paris, 1817, medicine school: “We have never seen a human head so similar to that of a monkey”, are the words of the anatomist Geroges Cuvier before the body mold of Saartije Baartman. Seven years before Saartije left South Africa with his master Caezar and exposed his body caged to the London public in the fairs of monsters. Free and enslaved at the same time Venus Hottentot became the icon of the underworld to end up sacrificed to the mirage of prosperity.

In Black Venus, Kechiche narrates (recreating) a true story, happened in the early nineteenth century, about a woman popularly known at the time as Venus Hottentot, whose body was scientifically dissected, analyzed and reproduced in plaster by the Museum of Natural History Of Paris in 1817. It includes the official presentation of the study by the French naturalist Georges Cuvier before the Royal Academy of
Medicine of Paris

Hottentots; Tribe of the South African bushmen, associated with another tribe, the Khosian, inhabits southwest Africa and lives of the harvest and raising cattle. Their linguistic and physical characteristics such as speech in snaps, their short stature, yellow skin and the eyelids whose folds like those of the Chinese were considered inferior features by the Europeans. In addition it was affirmed that some men and women of that ethnic group had a peculiar constitution of the sexual organs.

Black Venus shows some indications of the fascination of the Europeans of that time for the corporeal and racial constitution of non-Europeans and, in that specific case, for the particularity of the anatomical attributes of the men and women of that ethnic group, that would be evidence of a supposed superiority of nature of European men. This film inspires us to debate how, in the face of human biological diversity, the body was – and still is? – used by Western science as a locus of differentiation and thus establish human hierarchies.

In this way, the story of Saartije Baartman, recreated in Black Venus, inspires us to reflect on the scientific conceptions around human diversity, starting from a debate that takes into consideration not only specific aspects of the nineteenth century scientific culture, but also, political aspects about race, gender and the domination of colonized people.

 

LA VIDA DE ADELE

Películas

Francia-España-Bélgica, 2013

180 minutos

Dirección: Abdellatif Kechiche

Ayudante de dirección: Jullie Grumbach, Roxane Guiga.

Dirección artística: Julia Lemarie

Guión: Julie Maroch / Basada en el cómic de Julie Maroh, El azul es un color cálido. Fotografía: Sofian  El Fani

Montaje: Ghalia Lacroix, Albertine Lastera, Camille Toubkis.

Reparto: Adele Exarchopoulos, Lea Seydoux.

Abdellatif  Kechiche es un actor, director de cine y guionista franco–tunecino. Su ópera prima como director fue La culpa la tiene Voltaire. Kechiche ha venido componiendo una filmografía de idiosincracia social, marcada por el desarraigo de la convención, involucrándose con la complejidad de las relaciones humanas y del amor adolescente en particular. La vida de Adele se nos presenta como un viaje iniciatico, transgredido por la violentamente praxis de una  adolescente cálida, bella y explosiva, encarnada potentemente por Adele Exarchopoulos, su inocente necedad es su morboso atractivo, se trata de un lolita heterodoxa e imprevista. Interesante es también visualizar el distanciamiento que logra Kechiche o, mejor dicho, las líneas que en su propuesta traza para diferenciar  la idea de un posible  documental sobre el despertar sexual y aferrarse más a una crónica sobre la huella del primer amor.

Potente y muy destacable es la fuerza motriz que irradia cada plano, universalizando la materialización del sentimiento de amor.

Para canalizar y atrapar la pasión que expresan los personajes y sus cuerpos, el cineasta dispone una puesta en escena turbadora en movimientos, tan compleja, frágil y voluble como la mente de Adele, imágenes que funcionan como versos libres de un proceso tan arbitrario como lo es el enamoramiento. La fuerza de los primeros planos someten la voluntad del espectador absolutamente sugestionado al que se empuja sin salida a invadir la intimidad de las dos chicas y su relación, sólo se nos otorgará oxígeno, distancia para observar cómo va apareciendo la ruina, lo que empieza a morir y a quedar de este amor.  Es así como en una elipsis un tanto brutal, que se señala por detalles como el cambio de peinado, o el cálculo de un embarazo,  la historia del vínculo sexual va mutando a  distintos estados: desde el frenesí fogoso y salvaje del comienzo, atenuado y diluido más adelante e inexistente y mendigado al final.

Es importante y muy valorable como la película logra prescindir del prejuicio homosexual, más allá de toda crítica moralina (los tópicos como promiscuidad, solo son utilizados para subrayar su marginalización), así el director parece no querer desviar la atención más allá de la sicología de sus personajes.

Tanto Emma como Adele  arrastran una insoslayable raigambre doméstica que las hace complementarias en un primer momento y antitéticas después; la tradición y la humildad de la pasta contra la sofisticación y la pretensión de las ostras, son las etiquetas de las chicas y el tiempo hace el resto: la snob quiere a su lado a una chica cool, inventada a su imagen y semejanza y no la esposa abnegada, entregada de clase media con la que comparte la cama.

Con los núcleos familiares suprimidos ,las jóvenes echan a volar en direcciones opuestas, el inconformismo por un lado y el miedo por el otro, fraguan una divergencia mutua y necesaria, que constituye parte de la energía que generan y que las sostiene como protagonistas de este relato, que literalmente explota ante nuestros ojos y que resuena potente en nuestras mentes.

 

 

BLUE IS THE WARMEST COLOR

2013/ France – Spain – Belgium

180 Minutes

Director: Abdellatif Kechiche

Assistant Manager: Jullie Grumbach, Roxane Guiga.

Art Director: Julia Lemarie

Script: Julie Maroch

Based on Julie Maroh’s comic strip, Blue is the warmest color.

Photography: Sofian El Fani

Montage: Ghalia Lacroix, Albertine Lastera, Camille Toubkis.

Cast: Adele Exarchopoulos, Lea Seydoux.

Abdellatif Kechiche is an actor, film director and French-Tunisian scriptwriter. His debut feature as director was Blame it on Voltaire. Kechiche has been composing a filmography of social idiosyncracy, marked by breaking with the convention, getting involved with the complexity of human relations and adolescent love in particular.

The film is presented as a journey of a warm, beautiful and explosive adolescent, Adele Exarchopoulos.

It is interesting to visualize Kechiche’s distancing or, rather, the lines that he traces in his proposal to differentiate the idea of a possible documentary about the sexual awakening and a chronicle on the first love experience.

Powerful and very remarkable is the driving force that radiates from each plane, universalizing the materialization of the love feeling.

To channel and capture the passion expressed by the characters and their bodies, the filmmaker arranges a disturbing scene in movements, as complex and fragile as Adele’s mind, images that work as free verses of a complex process as it is falling in love. The force of the first frames submit the will of the spectator to be pushed without exit to invade the intimacy of the two girls and their relation, we will only be granted with oxygen, distance to observe what begins to Die and be left of this love. It happens that in a brutal change, marked by little details, such as changing hairstyle or calculating a pregnancy, the “sexual” story changes, going through different states. From intensity, going off slowly until it ceases to exist.

It is important how the film manages to the homosexual prejudice, beyond all moral criticism (topics as promiscuity, are only used to underline their marginalization), the director does not want to divert attention beyond the psychology of his characters. Emma and Adele complement each other at first and are opposite afterwards; the snob wants next to her a cool girl, invented just like her and not The selfless, middle-class wife with whom he shares the bed.

Under no family image, the young women take opposite directions, the unconformity on one hand and the fear on the other, forge a mutual and necessary divergence, which is part of the energy and sustains them as protagonists of this Story, which literally explodes before our eyes and that resonates powerful in our minds.